Bienvenido a casa es una tragicomedia tocada por el humor negro, agobiada por el destino del increíble hombre elefante, expuesta a la opinión pública como una ventana donde todos son juzgados abiertamente por sus características más destacadas; la exposición de la miseria, envidia, lo que no se dice. Todo esto enmarcado en una historia divertida, para reír de las propias miserias e invitar al espectador a hacerlo también.

Después de dos años de trabajo, el grupo terminó los ensayos del trabajo que titularon Bienvenido a casa. Durante esos años se volcaron a analizar la relación entre el público y los actores durante el desarrollo del espectáculo: los diversos factores que conducen esta relación íntima y que finalmente generan el fenómeno conocido como la sympatheia; el hecho de que al espectador sienta al actor y sus alrededores. Las dos obras son un intento por alterar el sentido de tiempo en el espectador, de implicarlo en la ficción utilizando mecanismos de sugestión e introducirlo a la recepción de las situaciones planteadas de una manera más vivencial.

El espectáculo ha ganado el Premio Iberecena (para el proceso de creación dramatúrgica en residencia), los Fondos de Incentivo Cultural, el premio Montevideo Ciudad Teatral y de la Cofonte (Comisión Fondo Nacional de Teatro).

En su triple faceta de actor, director y autor, Roberto Suárez tiene una reconocida trayectoria en Uruguay. En cine, ha trabajado como actor en diversos proyectos, incluyendo 25 Watts de Pablo Stoll y Juan Pablo Rebella, y Plata Quemada de Marcelo Piñeyro; en este momento se encuentra en postproducción su primer largometraje como guionista y director, Ojos de Madera. Ha sido parte del FIA (Festival Internacional de Teatro de Costa Rica), el Festival Internacional de Porto Alegre y el Festival de la Triple Frontera.

Desde 1993 es profesor de Arte Dramático del Programa de Teatro de la Intendencia Municipal de Montevideo. Durante 2007 y 2008 dictó un postgrado de dramaturgia, actuación, puesta en escena y creación colectiva en la Escuela Municipal de Arte Dramático. Desde 2010 es tallerista de Comunicación de la Unidad Tiempo Completo del INAU (Instituto Nacional del Menor).

Ha recibido numerosos premios, incluyendo un Juan José Morosoli de Plata a la trayectoria y un B`NAI B`RIT a la trayectoria, por el cual viaja a estados Unidos, Israel, Francia e Italia, donde dicta y recibe talleres con figuras como Franco Zefirrelli. Además, ha sido premiado con el Premio Florencio, de la Asociación de críticos teatrales de Uruguay, en varias oportunidades, tanto como autor, director y actor.

El mejor y más estimulante espectáculo del momento, diría de Bienvenido a casa cualquier cronista de The New York Times o de La Nación, sin ese pudor por los epítetos excedidos que caracteriza a sus pares uruguayos. Pero controlar la euforia y medir cada una de las palabras -no sonar ni demasiado rendido ni poco gratificado ante el artilugio perfecto que propone Roberto Suárez- supone un esfuerzo de retención extra e inútil: con “el más”, entonces, me quedo.

Un mecanismo perfecto concibe así dos tramas paralelas, con públicos que manejan diferentes saberes y presupuestos. Tanta exhibición esconde… otro más allá, otra cocina de la cosa, fatalmente inaccesible. Ese abismo es uno de los tantos placeres de Bienvenido a casa.

Georgina Torello – Diario La Diaria (Uruguay)

El nuevo trabajo de Roberto Suárez, es de esos espectáculos imprescindibles, esos espectáculos que hacen avanzar al teatro por lo que proponen. Construido con amoroso cuidado, genera una emoción que no deja de tener un correlato conceptual sumamente profundo. Es un «canto del cisne», una declaración de amor al público y al teatro. Con una estética refinada y doble (en el Día Uno, referencias cinematográficas y del artificio de la representación, en el Día Dos el mundo de Suárez barroco y objetual) y un trabajo actoral sorprendente por los niveles y capas que plantea, Bienvenido a casa vuelve a colocar a Suárez como un referente obligado del buen teatro uruguayo contemporáneo.

Mariana Percovich – Directora y docente. Directora de la Escuela Municipal de Arte Dramático

Cada centímetro cuadrado del escenario, paredes, vestuario, maquillaje, cada gesto, palabra, tono de voz, rayo de luz, cono de sombra y cada sonido tiene su razón. En este caso, todas las preguntas, que quedan planteadas en el desconcertante Día Uno, se responden en el Día Dos, la noche de la rotunda experiencia Suárez.

Javier Alfonso – Semanario Búsqueda (Uruguay)

Para quienes están al tanto de lo que pasa en el teatro montevideano, el nombre de Roberto Suárez no admite discusión. Su nueva obra, Bienvenido a casa, es un hito más en una carrera única, notable, y siempre ascendente.

Carlos Reyes – Diario El País (Uruguay)

El elenco en su conjunto destaca por la intensidad de sus actuaciones, la cuidada construcción de sus personajes, el logro de un diálogo tan fluido como perfecto y la construcción de los ribetes tragicómicos de esta historia de humor negro. Como expresión clara de un trabajo grupal y colectivo hay arte en todo lo que aparece sobre la escena. Dada la calurosa invitación de sus anfitriones es más que recomendable esta experiencia compartida, en un viaje de dos días por la mejor propuesta de teatro en lo que va del año.

Ana Laura Barrios – Periódico Brecha (Uruguay)

Es imposible descomponer este espectáculo, pero a la vez esta obra nos devuelve la sensación de lo teatral casi como ritual orgánico y efímero, como momento en que se participa de una ceremonia atravesada por algo mágico. Los personajes de Bienvenido a casa están cargados de la singularidad poética de los actores que los han creado, y de allí que sí resulten absolutamente convincentes, aunque extraños.

Leonardo Flamia – Semanario Voces (Uruguay)

La expectativa creada por el estreno, la recepción elogiosa de la crítica, el inmediato comentario de los primeros espectadores permitieron que el espectáculo desde su presentación se exhiba de martes a domingo, y que sin duda se extenderá en el nuevo año en forma previa a una previsible circulación internacional. Y me animo a suponer ese destino porque la calidad de Bienvenido a casa no se aprecia con criterio de fronteras nacionales o regionales, es universal y rotunda, libre de localismos que puedan entorpecer su visión por el público más diverso. Participar de la aventura propuesta por Roberto Suárez y su talentoso equipo nos devuelve el placer de entregarnos a un juego, del cual participamos casi sin advertir el encantamiento. Es recomendable no perder esa experiencia. Montevideo tiene muchos motivos para ser visitada. Ver Bienvenido a casa es hoy uno de ellos.

José Miguel Onaindia – La Nación (Argentina)

Creación trabajo colectivo del grupo con el director
Dirección Roberto Suárez
Actores Soledad Pelayo, Gustavo Suárez, Mariano Prince, Chiara Hourcade, Rafael Soliwoda, Óscar Pernas, Mario Rodríguez, Sergio Gorfain
Música en vivo y operador de sonido Nicolás Rodríguez
Jefe de utilería y operador luces Episodio I Luis Fernández
Asistente y operador muñeco y sonido Episodio II Inés Cruces
Escenografía Francisco Garay
Iluminación y jefe de escenario Pablo Caballero
Productor Ignacio Fumero Ayo 

Conversaciones teatrales: Bolívar en escena: Teatro latinoamericano contemporáneo. 

Bienvenido a casa is a tragicomedy marked by black humor, overwhelmed by the fate of the amazing elephant man, and exposed to the public as a window where everyone is openly judged by their salient features; exposure of their misery, envy , the unsaid. All this is framed by a funny story that invites the viewer to join in and laugh at our own miseries.

After two years of work, the crew completed the rehearsals of the play they called Bienvenido a casa (Welcome home). During those years they threw themselves to analyzing the relationship between the audience and the actors during the development of the show. The goal was to look into the various factors leading to this intimate relationship, which eventually generate the phenomenon known as sympatheia; the fact that the viewer becomes able to feel the actor and their surroundings. Both plays are an attempt to alter the sense of time in the viewer and to involve them in fiction using suggestion mechanisms so as to take them to a more experiential perception of the arising situations.

The show has won the Iberecena award (to dramaturgical creation process in residence), Cultural Incentive Funds, the Montevideo Ciudad Teatral and Cofonte Award (National Theatre Fund Commission).

In his triple role as actor, director and author, Roberto Suarez is a highly regarded artist with a long career in Uruguay. In film, he has worked as an actor in several projects, including 25 Watts by Pablo Stoll and Juan Pablo Rebella, and Plata Quemada by Marcelo Piñeyro. At present, he is working in the post-production of Ojos de Madera (Wooden Eyes), his first feature film as writer and director. He has also participated in the FIA (Costa Rica International Theatre Festival), the International Festival of Porto Alegre and the Triple Frontera Festival.

Since 1993 he has been Professor of Dramatic Arts in the Theatre Program of the Municipality of Montevideo. During 2007 and 2008, he taught a postgraduate course in playwriting, acting, staging and collective creation at the Municipal School of Dramatic Art. Additionally, he has given Communication workshops at the Full time Unit INAU (National Children’s Institute) since 2010.

He has received numerous awards, including a Silver John Joseph Morosoli for Outstanding Artistic Career and a B ` NAI B` RIT for his artistic accomplishments. These awards granted him the opportunity to travel to U.S., Israel, France and Italy, where he teaches and participates in workshops with figures such as Franco Zefirrelli. He has also been granted the Florencio Award, from the Drama Critics Association of Uruguay on several occasions for his accomplishments as an author, director and actor.

Today’s best and most exciting show ‘ would assert of Bienvenido a casa any chronicler from The New York Times of The Nation without blushing at the excessive epithets that characterize their Uruguayan counterparts. But cooling down the euphoria and measuring each word – in order to neither sound too enticed nor little gratified before the perfect artifact Roberto Suarez proposes – entails an extra and unnecessary retention effort; then, I take the ‘most’.

We are before a perfect mechanism which conceives two parallel plots, with audiences handling different knowledge and budgets. The cornucopia displayed on the stage hides another world, fatally inaccessible. That abyss is one of the many pleasures of Bienvenido a casa”.

Georgina Torello – The Daily Journal (Uruguay)

«Roberto Suarez’s new work is one of those essential shows; those spectacles that make the theater progress due to such a proposal. Built with loving care, it creates an emotion which does not withdraw from very deep conceptual correlate. It stands for a “swan song «; a declaration of love to the spectators and the theater. Bienvenido a casa has been carried out with a refined twofold esthetics (on Day One, there are cinematic references along with the craft of representation, on Day Two we have Suarez’s baroque and object-oriented world) and with an amazing acting job in terms of the performance levels and layer that raises. Bienvenido a casa restores Suarez his place as representative figure of the fine Uruguayan contemporary theater.”

Mariana Percovich – Professor and Director of the Municipal School of Dramatic Art

«Every square inch of the stage, the walls, wardrobe, makeup; every gesture, word, tone of voice, ray of light, every shadow cone and every sound has its reason. In this case, all the questions which are raised in the bewildering Day One are answered on Day Two, the night of Suarez’s ultimate experience. »

Javier Alfonso – Weekly Search (Uruguay)

«For those who are acquainted with Montevideo Theater, the name of Roberto Suarez is unquestionable. Bienvenido a casa, his latest play, stands for another milestone in a unique, remarkable, and ever upward career.”

Carlos Reyes – El País (Uruguay)

«The cast as a whole is extraordinary for the intensity of their performances, the careful crafting of their characters, their achieving a dialogue both fluent and perfect and their construction of the tragicomic nuances in this black humor story. As a clear expression of a collective work, there is art in everything that appearing on the scene. Given the warm invitation of their hosts, this shared experience is highly recommended, in a two-day journey to the best theatrical proposal so far this year. »

Ana Laura Barrios – Diario Brecha (Uruguay)

«It is impossible to take this play apart, and yet it gives us a sense of the theatrical nearly as an organic and ephemeral ritual, as if taking part in a ceremony pervaded with magic. The characters of Bienvenido a casa are loaded with the poetic distinctiveness of the actors who have created them; hence they turn utterly convincing, yet peculiar. »

Leonardo Flamia – Semanario Voces (Voices Weekly, Uruguay)

«The expectation created by the debut, the warm reception from critics, and the immediate remarks of the first spectators allowed the show to be presented from Tuesday to Sunday. This has happened from its premiere, and it will certainly extend into next year prior to a predictable international presentation. And I dare to assume that because the quality of Bienvenido a casa is unlikely to be fully appreciated within national or regional boundaries; it is universal and definitive, free of localism which might prevent it from being watched by the most diverse audience. Participating in the adventure proposed by Roberto Suárez and his talented team gives us the pleasure of giving ourselves into a game, in which we engage in almost without noticing the spell. It is advisable not to miss that experience. Montevideo has many reasons to be visited. Today, Bienvenido a casa is one of them. »

Jose Miguel Onandia – La Nacion (Argentina) 

Creation Collective director and team work
Stage Director Roberto Suarez
Performers Soledad Pelayo, Gustavo Suárez, Mariano Prince, Chiara Hourcade, Rafael Soliwoda, Oscar Pernas, Mario Rodríguez, Sergio Gorfain
Live Stage music and Sound Operator Nicolas Rodríguez
Prop Manager and Lightning Operator Episode I Luis Fernandez
Assistant and Operator for Puppet and Sound Episode II Inés Cruces
Scenography Francisco Garay
Lightning and Stage Supervisor Pablo Caballero
Producer Ignacio Fumero Ayo 

Conversaciones teatrales: Bolívar en escena: Teatro latinoamericano contemporáneo. 

Una invitación al público chileno a celebrar los festivales tradicionales chinos con un abundante festín. Cada tarde, Summer fantasies desplegará diversas presentaciones de varios estilos, exhibiendo las artes de múltiples culturas minoritarias de China. Se podrá disfrutar la danza apasionada de The Vast Grassland of the Mongols (Las Vastas Praderas de los Mongoles), apreciar la luminosa y delicada música de Happy Life (Vida Feliz), sentir el misterio de la magia en Rhyme of Fans (Ritmo de Fans), o dejarse impresionar por las acrobacias de la performance Red Candle (Vela Roja). La combinación del erhu (violín chino) y la danza se verá en Thoughts of Two Streams (Pensamientos de Dos Arrollos), acercando al público a la belleza de la cultura tradicional china. Por último, Chasing (Persecución), interpretada por Suona y un acordeón, transmitirán el entusiasmo de las ciudades chinas modernas.

Huang Qicheng se graduó de la Beijing Dance Academy  y es reconocido como experto con grandes contribuciones al desarrollo de la cultura y el arte chino por el Consejo de Estado de la República Popular China. Es considerado uno de los artistas jóvenes más destacados de este siglo en China, como actor y director de primera categoría. Es miembro de la China Dancers Association, vicepresidente de la China Dancers Association Shenzhen Branch, miembro de la  Conferencia Consultiva Política del Pueblo Chino de Shenzhen y juez del Guangdong Provincial Senior Title Assessment Committee. Actualmente es rector de la Shenzhen Arts School y director de la Shenzhen Youth Arts Troupe. En más de 20 años de práctica, Huang Qicheng ha absorbido la esencia de la cultura china, aprendido de las escuelas artísticas. Gradualmente ha creado un estilo artístico que integra el ballet, las danzas clásicas chinas y la danza moderna, fundiendo los estilos de occidente con los de su país.

La Shenzhen Youth Arts Troupe se estableció con la aprobación del gobierno y departamento cultural chino en 2006, como la base de producción artística de Shenzhen y el centro de práctica de la Shenzhen Arts School. La compañía ha invitado a una gran cantidad de profesionales y jóvenes artistas de China y el mundo, y ha absorbido profesores de la Shenzhen Art School, graduados de prestigiosos recintos como la Beijing Dance Academy, Central Conservatory of Music, China Conservatory of Music, Shanghai Conservatory of Music y otros, construyendo una compañía con una fuerza profesional sólida y una capacidad creativa tan poderosa como original. Desde 2007 han recibido encargos del Departamento de Cultura y Asuntos Exteriores de Shenzhen para visitor Grecia, Alemania, Italia, Hungría, Rusia, Tailandia, Cuba y Colombia.

Director Chai Fengchun
Director artístico Huang Qicheng
Coordinador Ding Zhongyuan
Jefe de proyecciones audiovisuales Wang Yue
Músicos Ma Yimin, Guo Yanxuan, Zhang Lei, Li Fanmo, Li Xinlin
Traductor Huang Hongye
Cantante Zhang Hong
Bailarines Chen Yufei, Xie Bing, Yang Zheng, Zhao Chenglong, Li Yesen
Acróbatas Sha Yan, Cheng Faping, Liu Ping, Zheng Ailing, Li Jialing, Liu Zijie, He Nan
Magos Xin Zhikuan, Xin Yafei
Asistente de magos Zhang Zhaofeng 

Taller Arte y acrobacias con Shenzhen Youth Art Troupe 

An invitation to the Chilean audience to celebrate traditional Chinese festivals with a hearty feast. Every evening, Summer Fantasies will stage several performances of various styles, thus showing the arts of manifold minority cultures of China. Viewers will enjoy the passionate dance of The Vast Grassland of the Mongols (Las Vastas Praderas de los Mongoles), appreciate the luminous, delicate music of Happy Life (Vida Feliz), feel the mystery of magic in Rhyme of Fans (Rima de Fans), or let themselves be awestruck by the acrobatics in the performance of Red Candle (Vela Roja). The combination of the erhu (Chinese violin) and dance will be seen on Thoughts of Two Streams (Pensamientos de Dos Arrollos), thus bringing the audience to the beauty of traditional Chinese culture. To conclude with Chasing (Persecucion), performed by Suona and an accordion, will convey the liveliness of modern Chinese cities.

Huang Qicheng graduated from the Beijing Dance Academy and is recognized by the State Council of the PRC as an expert who has made great contributions to the development of Chinese culture and art. He is considered one of the most outstanding young artists of this century in China, as a world-class actor and director. He is a member of the Chinese Dancers Association, vice president of China Dancers Association Shenzhen Branch, member of the Shenzhen committee at the Chinese People’s Political Consultative Conference and judge at the Guangdong Provincial Senior Title Assessment Committee. He is currently president of the Shenzhen Arts School and director of the Shenzhen Youth Arts Troupe. In over 20 years of experience and practice, Huang Qicheng has absorbed the essence of the Chinese culture by learning from art schools. Gradually he has created an artistic style that integrates ballet, Chinese classical dance and modern dance, thus blending Western styles with those from his country.

The Shenzhen Youth Arts Troupe was founded with the approval of the Chinese government and culture department in 2006 as the basis of artistic production in Shenzhen and practice center for the Shenzhen Arts School. The company has invited several professionals and young artists from China and the world, and has taken professors from the Shenzhen Art School who have graduated from prestigious institutions such as the Beijing Dance Academy, Central Conservatory of Music, China Conservatory of Music, Shanghai Conservatory of Music and others, thus building a company with a strong work force and a powerful and original creative ability. Since 2007 they have been commissioned by the Shenzhen Department of Culture and Foreign Affairs to visit Greece, Germany, Italy, Hungary, Russia, Thailand, Cuba and Colombia.

Director Chai Fengchun
Artistic Director Huang Qicheng
Coordinator Ding Zhongyuan
Video Supervisor Wang Yue
Musicians Ma Yimin, Guo Yanxuan, Zhang Lei, Li Fanmo, Li Xinlin
Translator Huang Hongye
Singer Zhang Hong
Dancer Chen Yufei, Xie Bing, Yang Zheng, Zhao Chenglong, Li Yesen
Acrobats Sha Yan, Cheng Faping, Liu Ping, Zheng Ailing, Li Jialing, Liu Zijie, He Nan
Magicians Xin Zhikuan, Xin Yafei
Assistant magician Zhang Zhaofeng SCENIC LAB

Taller Arte y acrobacias con Shenzhen Youth Art Troupe 

Branch Nebula trae Concrete and bone sessions, una confrontación lírica y emocionante entre cuerpos y ruedas dispuestos sobre el concreto, grietas, curvas y grafitis de los skate parks. A medida que el sol se pone, en la mágica hora del anochecer, los habitantes del parque coquetean con el riesgo y el peligro. Desde los bordes del agujero del skate park, el público observa mientras los límites entre los cuerpos y las máquinas se funden en una nueva cultura híbrida. Estos artistas, los mejores del mundo en BMX (bicicletas), break dance, parkour, skate y bailarines contemporáneos transforman el skate park de manera tan asombrosa que quedarán grabados en tu memoria por años.  Concrete and bone sessions se estrenó en el Sydney Festival 2013 y fue nominada al prestigioso Helpmann Award.

Lee Wilson se graduó de la Universidad de Western Sydney theatre Nepean en 1991. Como performer y director, ha sido un gran contribuidor a la escena de la performance y danza independiente por más de 20 años. Ha dirigido The Football Diaries, que estuvo en Sudáfrica para el Mundial 2010; fue coreógrafo para Roslyn Oades en  I’m Your Man, estrenada en el Sydney Festival 2012. Ha creado trabajos para Shaun Parker, Kate Champion, Stalker Theatre Company, Acrobat, Legs on the Wall, Opera Australia, Urban Theatre Projects, Sydney Theatre Company y Post Arrivalists.

Mirabelle Wouters es performer y diseñadora de escenografías e iluminación. Estudió en el High Institute for Architecture and Industrial Design de Antwerp, y complete sus estudios  de posgrado en escenografía en la Flemish Autonomous University de Antwerp. Sus trabajos como diseñadora incluyen Urban Theatre Projects (UTP) & Company B’s Buried City (2012 Sydney Festival); The Football Diaries, de Ahilan Ratnamohan y Lee Wilson; The Last Highway (2008 Sydney Festival); Never Been This Far Away From Home de Martin Del Amo. También creó el diseño de luces para Hole In The Wall, de Matt Prest y Clare Britton, y para The Hosts: A Masquerade Of Improvising Automatons de Wade Marynowsky.

Lee Wilson y Mirabelle Wouters son co-creadores de Branch Nebula, trabajando juntos desde la concepción hasta la producción. Durante la última década la compañía ha desafiado las estructuras sociales, ofreciendo al público una mirada diversa sobre la cultura popular contemporánea. Branch Nebula realizó recientemente una residencia en el Kiasma Museum de Helsinki, Finlandia, donde crearon Sloap, una coproducción internacional que se estrenó en el festival URB 13.

Una construcción sobre la bella interacción y las destrezas físicas de bailarines y otros se cruzan en el camino de skaters y BMXers. Suman fuerzas para pequeños estallidos y luego interactúan de forma confrontacional. Hay movimientos riesgosos, salvadas por un pelo y duetos fuera de lo común.

Daily Telegraph

Atrayendo a gente de todo tipo, incluyendo familias, gente joven con onda, Concrete and bone sessions nos ofrece una mirada sobre las artes callejeras. Cuatro estrellas de cinco.

Arts Hub

Esta es una creación site-specific del tipo más inmediato, una conexión visceral a un espacio de juego, no a su rol social o su historia, en una demostración de lo que suele ser considerado mera diversión pero que aquí aparece como arte sin perder la integridad de sus raíces populares. El resultado es un espectáculo visual, con una coreografía impecable que dispara los cuerpos en una poesía hipnótica donde las barridas y corridas de este gran colectivo transforman el cemento en magia.

Keith Gallasch – Real Time

Co-creadores Lee Wilson y Mirabelle Wouters
Compañía Branch Nebula
Performers / artistas colaboradores Jared Graham (Leerock), Antek Marciniec, Kat Williams, Danny Campbell, Kathryn Puie, Michael Steingräber, Roland Chlouk, Cloé Fournier, Gabrielle Nankivell Compositor Bob Scott
Dramaturgo John Baylis
Jefe de producción Alejandro Rolandi
Músicos Inga liljeström, Bree Van Reyk, Timothy Constable, Hugh Coffee
Producción y gira Performing Lines
Productora Pippa Bailey
La obra fue originalmente comisionada por Sydney Festival
La compañía es apoyada por Managing and Producing Services (MAPS) for Artists NSW, iniciativa conjunta del Australia Council y Arts NSW, coordinado por Performing Lines 

Seminario Ciudad y Cultura, Panel: El Poder transformador de la cultura.

Seminario Ciudad y Cultura, Panel: Ciudadanía y participación.

Taller: arte urbano y site specific

Branch Nebula brings Concrete and Bone Sessions, a lyrical and exciting confrontation between bodies and wheels arranged on the concrete, cracks, twists and graffiti of skate parks. As the sun sets, in the magic hour of dusk, the park’s inhabitants flirt with risk and danger. From the edges of the hole in the skate park, the audience watches as the boundaries between bodies and machines merge into a new hybrid culture. These artists, the world’s best BMX bikers, break dancers, parkour performers, skaters and contemporary dancers transform the skate park so amazingly that the image will remain imprinted on your memory for years. Concrete and Bone Sessions premiered at the Sydney Festival 2013 and was nominated to the prestigious Helpmann Award.

Lee Wilson graduated from the University of Western Sydney-Theatre Nepean in 1991. As a performer and director, he has been a major contributor to the scene of the independent dance and performance for over 20 years. He has directed The Football Diaries, which was in South Africa for the 2010 World Cup; he was also choreographer for Roslyn Oades in I’m Your Man, premiered at the Sydney Festival 2012. He has created works for Shaun Parker, Kate Champion, Stalker Theatre Company, Acrobat, Legs on the Wall, Opera Australia, Urban Theatre Projects, Sydney Theatre Company and Post Arrivalists.

Mirabelle Wouters is a performer and stage and lighting designer. She studied at the High Institute for Architecture and Industrial Design of Antwerp, and completed her graduate studies in stage design at the Flemish Autonomous University of Antwerp. Her design works include Urban Theatre Projects (UTP) & Company B’s Buried City (2012 Sydney Festival), The Football Diaries by Ahilan Ratnamohan and Lee Wilson, The Last Highway (2008 Sydney Festival) Never Been This Far Away from Home by Martin Del Amo. She also created the lighting design for Hole in the Wall by Matt Prest and Clare Britton, and for The Hosts: A Masquerade of Improvising Automatons by Wade Marynowsky.

Lee Wilson and Mirabelle Wouters are co -creators of Branch Nebula and have been working together from conception to the very production of the plays. During the last decade the company has challenged social structures, offering viewers a different look at contemporary popular culture. Branch Nebula recently completed a residency at the Kiasma Museum in Helsinki, Finland, where they created Sloap, an international co-production which premiered at the URB 13 Festival.

“It’s a slow build to some beautiful interaction and physical feats as dancers and free runners move into the path of skateboarders and bmxers. They join forces for short bursts and then interact in confronting ways. There are risky moves, near misses and unlikely duets.”

Daily telegraph

“Attracting people from all walks of life, including families, kids the young and the hip, Concrete and Bone Sessions gives us a glimpse into the future of urban performance art. Four stars out of five.”

Arts Hub

“This is site-specificity of the most immediate kind, a visceral connection to a place of play, not its social role or its history, in a display of what is often regarded as fun but here as art without losing the integrity of its popular foundations. The outcome is a visual spectacle, impeccably choreographed so that star turns are embedded in and shoot out of the mesmeric poetry of the grand sweeping collective rides and runs that transform the concrete into a magic, enabling vessel.”

Keith Gallasch – Real Time

Co-creators Lee Wilson y Mirabelle Wouters
Company Branch Nebula
Performers / collaborating artists Jared Graham (Leerock), Antek Marciniec, Kat Williams, Danny Campbell, Kathryn Puie, Michael Steingräber, Roland Chlouk, Cloé Fournier, Gabrielle Nankivell
Composer Bob Scott
Playwright John Baylis
Production Manager Alejandro Rolandi
Musicians Inga liljeström, Bree Van Reyk, Timothy Constable, Hugh Coffee
Production and Tour Performing Lines
Producer Pippa Bailey
The performance was originally commissioned by Sydney Festival
The Company is supported by Managing and Producing Services (MAPS) for Artists NSW, Joint
Initiative by Australia Council y Arts NSW, and Coordinated by Performing Lines

Panel Discussion 1: The Transformative power of Culture

Panel Discussion 2: Dynamizing the City: The Festival Phenomenon

Taller: arte urbano y site specific

¿Has imaginado alguna vez que todo esté bien, o al menos un poco mejor? ¿Cómo te sientes ahora mismo? ¿Es ya demasiado tarde? ¿No quieres ni pensar en ello? Closing time es una línea telefónica a través de la cual los santiaguinos podrán hablar sobre su relación con la ciudad que habitan. Cada espectador podrá reservar un turno para hacer el recorrido individualmente. Antes de empezar, cada espectador será invitado a tomar prestado un celular a cambio del suyo. Guiado por una operadora personal, recorrerá la ciudad durante una hora de conversación confidencial. La sesión termina con un recordatorio de los ideales que cada uno sostiene pero no se atreve a cumplir. En Closing time los recuerdos y las experiencias se entretejen, creando una imagen colectiva de Santiago de Chile.

La compañía sueca Poste Restante crea performances donde las audiencias son ubicadas dentro de un dilema en una situación en desarrollo. Sin buscar soluciones a los problemas y conflictos interiores, sus obras pretenden crear espacios donde la audiencia pueda preocuparse de preguntas difíciles y donde esos temas sean legítimos. El interés de Poste Restante descansa en el presente y los parámetros de la situación delante de nosotros, no hay historias de fondo ficticias ni un dentro o fuera del escenario. A menudo, las audiencias participan tangiblemente en las obras, las cuales son creadas con el honesto e inesperado propósito de animar y equipar a las audiencias para trabajar con ideales y emociones conflictivas.

Poste Restante fue fundado en 2007 por los directores artísticos Linn Hilda Lamberg y Stefan Åkesson, desafiando las convenciones establecidas por el teatro como medio de masas y de las audiencias como masas. Sus trabajos se han presentado en Suecia y el mundo con sus diez creaciones. Sus proyectos actuales incluyen un montaje en dos partes de El malestar en la cultura, de Freud. La compañía hoy está formada por Linn Hilda Lamberg, Stefan Åkesson y Erik Berg.

Las obras de Poste Restante son creadas para lugares y situaciones específicas propias de lugares y contextos ajenos al espacio teatral tradicional. No existe un dentro o fuera del escenario, y cada nuevo espacio es elegido según lo que demande la actividad del lugar. Las ideas detrás de las actividades construidas suelen provenir de conflictos interiores que se viven con vergüenza, y de preguntas personales que pueden no tener respuesta. Las piezas trabajan para crear una legitimidad y un entendimiento de estos problemas, más que presentar una solución a ellos.

Idea y dirección Poste Restante (Stefan Åkesson, Linn Hilda Lamberg, Erik Berg)
Consultoría técnica Mike Skinner
Coordinación de producción Louise Waite
Elenco por definir en Santiago de Chile
Originalmente producida por MAP-Mobile Art Productions y Stora Teatern
Apoyo Swedish Arts Council
Agradecimientos Centro Integral de Desarrollo Social “Alicia Cañas” 

Have you ever imagined that all is well or, at least, a little better? How are you feeling right now? Is it already too late? Don’t you want to think about it? Closing time is a telephone line through which Santiaguinos will be able to talk about their relationship with the city they inhabit. Each viewer can make an appointment to go on the journey alone. Before starting, each viewer is invited to borrow a cellphone in exchange of theirs. Guided by a personal phone operator, each viewer will tour the city for an hour of confidential conversation. The session ends with a reminder of the ideals each one supports but does not dare to meet. In Closing Time memories and experiences intertwine, thus creating a collective image of Santiago de Chile.

The Swedish company Poste Restante creates performances in which audiences are placed within a dilemma in a developing situation. Without seeking solutions to inner conflicts and problems, their works are aimed to create spaces where the audience can reflect on difficult questions and where these issues are legitimate. The interest of Poste Restante lies in the present and the parameters of the situation before us; there are no fictitious main stories on or off stage. Audiences are often tangibly involved in the shows, which are created with the honest and unexpected purpose of encouraging and equipping audiences to work on their ideals and conflicting emotions.

Poste Restante was founded in 2007 by artistic directors Linn Hilda Lamberg and Stefan Åkesson, who aimed at challenging the conventions of the theater as a mass medium and audiences as masses. They have performed in Sweden and worldwide presenting their ten creations. Their current projects include a two-part staging of Civilization and Its Discontents by Sigmund Freud. At present, the company is joined by Linn Hilda Lamberg, Stefan Åkesson and Erik Berg.

The plays by Poste Restante are conceived for locations and situations that are particular of contexts and places outside the traditional theater space. There is no such thing as on or off stage, and each new space is chosen according to what the activity of the place demands. The ideas behind the built activities usually come from inner conflicts that are lived with shame, and personal questions that may not be answered. The pieces work so as to create legitimacy and an understanding of these problems, rather than presenting a solution to them.

Idea and Direction Poste Restante (Stefan Åkesson, Linn Hilda Lamberg, Erik Berg)
Technical Consulting Mike Skinner
Production Coordinator Louise Waite
Originally produced by MAP-Mobile Art Productions y Stora Teatern
Sponsors Swedish Arts Council

Un dibujo animado en blanco y negro. Una película muda con dos actores en carne y hueso. Un hombre con su esperanzador globo y una traviesa figura vestida de negro discuten en un recuadro blanco que marca una habitación imaginaria de ladrillos invisibles. Un cuento sencillo e irónico sobre la lucha eterna entre el bien y el mail, la vida y la muerte, la oscuridad y la luz, el amor y el odio. Una fábula silenciosa sobre la imposibilidad de reconciliar estos eternos polos opuestos. Una película de cine en blanco y negro acompañada por las maléficas intenciones del músico, que da forma a la escena con ritmos y ruidos. Los dos personajes van dando espacio a una envolvente danza de salvación.

Historia de un hombre y su sombra fue elegida Mejor Espectáculo de Teatro para Niños en los Eolo Awards (2010). Además recibió un Premio Padua (2010) y fue finalista del Premio Scenario Infanzia 2008.

Después de una larga experiencia realizando talleres, entre 1998 y 2009, junto a numerosos artistas italianos y de otros países, Giuseppe Semeraro fundó en 2007 Principio Attivo Teatro. Entre sus primeros espectáculos están El proceso, Me pregunto si las hadas vuelan como mariposas e Historia de un hombre y su sombra, finalista del Scenario Award 2008, ganadora del Premio Eolo en 2010 y un Premio Padua el mismo año. Semenaro ha trabajado como actor en exitosas obras como Cinema cielo (2002-2006), de Danio Manfredini, ganadora del prestigioso Premio Ubu.

Principio Attivo Teatro (PAT) fue creada en 2007 y es integrada por artistas con más de 20 años de experiencia en teatro. Todos desarrollan su trabajo juntos en Salento. La compañía ha sido parte de importantes festivales en Italia y el mundo (España, Austria, Suiza, Francia, Polonia, Croacia, Turquía y Alemania). Desde 2008 han sido varias veces premiados por su obra Historia de un hombre y su sombra. En 2011 recibieron el reconocimiento de la crítica en el Festival Festeba de Ferrara con el espectáculo La bicicleta roja, ganadora de un Premio Eolo en 2013. La compañía realiza además talleres y seminarios para audiencias jóvenes.

Historia de un hombre y su sombra es la mejor del grupo (de obras para niños del Fringe Festival). Cadei interpreta a un ermitaño feliz. Un hombre parecido a Mr. Bean que le tiene miedo a su propia sombra. Y tiene razón, ya que su sombra (Guiseppe Semeraro) es un esqueleto oscuro con sombrero de copa, que ronda por la casa como el Cuco. Lo que sigue es una pieza de correteos con gran energía y actuaciones clown. Semeraro toca una puerta y Cadei abre otra puerta. Semeraro aparece con un palo de golf y Cadei lo mueve en el aire hasta pegarle en la cabeza. Es como el territorio del Correcaminos con una estética casera y muchísima imaginación e inventiva. Juega con las reglas del teatro, con mimos que rompen las leyes de la física, y las canciones de Marco Bartolo en vivo animando el ritmo de estas rutinas.  

 Matt Trueman – The Scotsman

 Blanco y negro.  El bien y el mal. La risa y… la sonrisa.

El estreno en el Auditorio del Museo Picasso de Málaga de Historia de un hombre y su sombra, producida por la compañía Principio Attivo Teatro (Italia), dio continuidad a la programación de “Niños en el Picasso. Caja de sorpresas”.

Historia de un hombre y su sombra nos habla de los opuestos: de la bondad y de la maldad, de la luz y la oscuridad, el tú y el yo, del mío y del tuyo. Pero estemos atentos, para estos italianos el mal es sutilmente postizo en el ser humano según nos pongamos o nos quitemos la máscara y nos mostremos desnudos.

Esta fábula muda es abordada con la técnica de clown, que tiene en Málaga muchos seguidores y cuyo mayor referente en España es el Tricicle. Un teatro gestual que llega a todos de forma muy directa, no existe el intermediario de la palabra, sino que se infiltra directamente en nuestro entendimiento por la vista. Nada que explicar, mucho que ver y sentir.

Historia de un hombre y su sombra rezuma a veces poesía –un hombre enamorado de un globo-, a veces cine mudo –carreras y persecuciones-, a veces títeres de cachiporra, a veces mimo –puertas invisibles que empujar. Un espectáculo completo con el valor de lo sencillo y profundo.

La lucha que se plantea entre el bien y el mal adquiere tintes metafísicos con el detalle de las manos monstruosas: cuando el hombre se las quita queda libre de la influencia del mal, pero en el momento en que se las pone otra vez vuelve a ser poseído por ese “lado oscuro”. Hermoso símbolo. ¿El hombre natural es bueno, la maldad es cultural?

Pero que nadie se alarme, esto queda escondido en un torrente de risas, sonrisas, carreras y choques. Tal vez esta reflexión sea sólo vicio de viejo zorro en lugar de únicamente dejarme bañar por las risas de los adultos y niños, que llenaban, una vez más, el Teatro del Museo Picasso.

Los actores lo dan todo y el músico, en directo, consigue con una guitarra y una trompetilla dejar en evidencia a todos los sampler del mundo.

Uno sale de espectáculos así con la sensación de ser un poco más joven. Los niños salían con una sonrisa luminosa en los labios. El sol parecía brillar más. Bendito teatro.

Paco Bernal y Malena Cura – Aforo Libre

Director Giuseppe Semeraro
Actores Giuseppe Semeraro, Dario Cadei
Música en vivo Leone Marco Bartolo
Técnico de iluminación Otto Marco Mercante
Organización Raffaella Romano
Apoyo Teatro Pubblico Pugliese, Apulia Region, European Union

A black and white cartoon, a silent movie with two real actors, a kooky and highly entertaining show. In Story of a man and his shadow we can see a man, his faithful balloon, and a mischievous figure dressed in black fight it out in a white square, an imaginary room made of invisible bricks. This is a simple and ironic tale about the eternal struggle between good and evil, life and death, darkness and light, love and hate. This work stands for silent fable about the impossibility of reconciling these eternal opposites. A black and white film accompanied by the evil intentions of the musician, who gives the scene substance with rhythms and sounds. The two characters are giving way to an enthralling salvation dance.

Story of a man and his shadow won an Eolo Award for Best Kids Show in 2010. In addition, it was granted a Padua Award (2010) and was a finalist for the 2008 Scenario Infanzia Prize.

After a long time conducting workshops between 1998 and 2009 with numerous Italian and foreign artists, Giuseppe Semeraro gathered his experience and founded Principio Attivo Teatro in 2007. Among his early shows are The Process, Me pregunto si las hadas vuelan como mariposas (I wonder if fairies fly like butterflies) and Story of a man and his shadow, Scenario Award 2008 finalist, Eolo Award winner in 2010 and Padua Prize the same year. Semenaro has worked as an actor in successful plays such as Sky Cinema (2002-2006) by Danio Manfredini, winner of the prestigious Ubu Award.

Principio Attivo Teatro (PAT) was formed in 2007 and is composed of artists with over 20 years’ experience in theater. All of them work together in Salento. The company has been part of significant festivals in Italy and abroad (Spain, Austria, Switzerland, France, Poland, Croatia, Turkey and Germany). Since 2008 they have been awarded several times for their play Story of a man and his shadow. In 2011, they received critical acclaim at Festeba Ferrara Festival with the show The red bicycle, Eolo Award winner in 2013. The company also gives workshops and seminars for young audiences.

“Story of a man and his shadow is the pick of the bunch (Children’s Shows at Edinburgh Fringe). Cadei plays a contented hermit; a Mr Bean-ish man who is afraid of his own shadow. And well might he be, mind you, given that his shadow (Guiseppe Semeraro) is a dark, beaked skeleton in a top hat, who creeps round the house like the Child Catcher.What follows is a runaround piece of high-energy cartoonish clowning. Semeraro knocks on one door; Cadei opens the other. Semeraro turns up with a club; Cadei winds up with it and unwittingly hammers him over the head. It’s Road Runner-Wile E Coyote territory with a homespun aesthetic and heaps of imagination and invention. It toys with the rules of theatre really wittily – mime allowing the laws of physics to bend – and Leone Marco Bartolo’s live soundtrack ups the rhythms of these routines.”

Matt Trueman – The Scotsman

Black and white. Good and evil. Laughter…and smile

The premiere of Story of a Man and his Shadow in the auditorium of the Museo Picasso Málaga produced by the company Principio Attivo Teatro (Italy) gave continuity to the program of «Children at the Picasso. A jack-in-the-box. »

Story of a man and his shadow tells us about opposites: goodness and evil, light and darkness, you and I, mine and yours. But be attentive; to these Italians evil is subtly fake in humans as we put on or take off our masks and we show ourselves naked.

This silent story is dealt with clowning technique, which has a large following in Málaga and whose main reference in Spain is the Tricicle. A physical theater that reaches everyone very directly; there is no words acting as intermediaries, but the play passes right into our understanding by sight. Nothing to explain, lots to see and feel.

Story of a man and his shadow sometimes oozes poetry – a man in love with a balloon – it sometimes reminds us of silent film –races and chasings –; sometimes it resembles Punch and Judy puppets, and mime show with invisible doors to push. It is a complete show with the value of the simple and profound.

The struggle between good and evil that is shown in the play becomes even metaphysical with the image of the monstrous hands: when the man takes them off he is freed from the influence of evil, but at the moment he puts them on he is again possessed by the «dark side». Beautiful symbol. Is the man naturally good, and evil is cultural?

But do not be alarmed, this is tucked away in a torrent of laughter, smiles, racing and crashes.

Perhaps this reflection is only an old fox vice. Instead, I should be just letting myself go with the laughter of children and adults, who filled once again, the Picasso Museum Theatre. The actors give their all as the live musician gets a guitar and a trumpet to unveil to all the world’s samplers.

One leaves the show with the feeling of being a little younger. Children came out with a big smile on their faces. The sun seemed to shine brighter. Blessed theater.

Paco Bernal y Malena Cura – Aforo Libre 

Director Giuseppe Semeraro
Actors Giuseppe Semeraro, Dario Cadei
Live music Leone Marco Bartolo
Lightning technician Otto Marco Mercante
Producer Raffaella Romano
Support Teatro Pubblico Pugliese, Apulia Region, European Union

Un espectáculo luminoso e itinerante que aterrizará desde el espacio exterior en diferentes ciudades de Chile. En este pasacalle inolvidable creado por la compañía española Brodas Bros, los robots BR2 serán los encargados de divertir a la humanidad bailando y devolviéndole la luz de los rayos solares, los cuales se han apagado tras al cambio climático que dejó a oscuras a la Tierra en el año 2222.

A ellos se sumará el robot OVNI llamado UFO MC14, construido con metal, materiales reciclados, sistemas neumáticos, electrónica e iluminación, capaz de alcanzar los 5 metros de altura. La estética de este artefacto creado por la compañía Ferroluar es un tributo a las obras tempranas de ciencia ficción y la robótica japonesa de los años 50.

Brigada espacial es un proyecto conjunto de dos compañías españolas, Brodas Bros y Ferroluar, especializadas en espectáculos de calle itinerantes que poseen gran atractivo para toda la familia.

Raúl Martínez, de Compañía Ferroluar, es un creador catalán que investiga los movimientos orgánicos reproducidos con materiales que en un principio pueden parecer fríos e inexpresivos. Objetos que recuperan una segunda juventud. ¿Máquinas? ¿Juguetes? ¿Autómatas? La base principal de sus proyectos es la utilización de piezas y materiales reciclados, encontrando un equilibrio entre la movilidad animal, la fisonomía y la estética para trasmitir la esencia de algo vivo y animado. Sus creaciones han ganado premios a la propuesta más innovadora (Fira de Lleida 2013), y becas de desarrollo. Sus trabajos se muestran en los principales festivales de España o Francia.

La compañía Brodas Bros se crea el año 2006 cuando los hermanos Pol y Lluc Fruitós, después de numerosas actuaciones y workshops, deciden dar un nombre a todo el trabajo que dirigen. Desde sus inicios, las hermanas Clara y Berta Pons se integran en esta compañía catalana de danza y cultura urbana representando la parte femenina del hip hop. Esta cultura nacida en Nueva York se expande por todo el mundo y esta compañía la representa desde su punto de vista y sus vivencias; por este motivo Brodas no es más que la palabra que utilizan los americanos brothers (hermanos) escrita tal como suena con nuestro acento.

Han viajado por todo el mundo buscando de los orígenes de esta cultura y han realizado actuaciones en Japón, Francia, Alemania, Portugal, Suiza y gran parte de España. También han realizado giras con varios espectáculos de su repertorio y han impartido talleres en América del Sur y Central, África y Oriente Medio. Han impartido clases en el Cirque du Soleil (Saltimbanco y Corteo), en el Institut del Teatre de Barcelona y en compañías de danza contemporánea.

Han aparecido en videoclips de Chambao, Toni Santos, Jordine Taylor, así como en comerciales televisivos de Chevrolet, Seat, Eroski y Orange. También aparecen en las películas La máquina de bailar (Santiago Segura), Yo soy la Juani (Bigas Luna) y han coreografiado El sexo de los ángeles (Javier Villaverde), película que abren con un número exclusivo de Brodas Bros con el protagonista Álvaro Cervantes.

UFO MC14
Mecánica  Raúl Martínez
Electrónica Alex Posada
Construcción y desarrollo Ferroluar
Co-productores Icub Barcelona Cultura y Hangar

BR2
Compañía Brodas Bros
Dirección Pol y Lluc Fruitós
Bailarinas Clara y Berta Pons
Bailarines Pol y Lluc Fruitós
Diseño y vestuario PIERART
Ingenieros de luz DYNATECH
Música KAPI y Jean Philippe Barrios
Agradecimientos SUCADE | Arco Iris | Flowtizta | NilFruitós

Taller: Hip-Hop

A shimmering and traveling show from outer space will land in different cities of Chile. In this unforgettable parade created by the Spanish company Brodas Bros, the BR2 robots will be responsible to amuse mankind by dancing and giving people the light of the sun back, which has extinguished after the climate change that plunged the Earth into total darkness in 2222.

They will be joined by the alien robot called UFO MC14, which is built with metal, recycled materials, tires, electronics and lighting systems and 5 meters tall. The aesthetics of this artifact created by company Ferroluar is a tribute to the early works of science fiction and Japanese robotics 50s.

Space Squad is a joint project of two Spanish companies, Brodas Bros and Ferroluar. These companies are specialized in itinerant street performances which have turned into fascinating events for the whole family.

Raúl Martínez, from Ferroluar Company, is a Catalan artist who investigates organic movements, which he later reproduces with materials that initially may seem cold and unresponsive.

Accordingly, these objects retrieve a second youth. Machines? Toys? Robots? Their projects are grounded on the use of recycled parts and materials, thus finding a balance between animal mobility, appearance and aesthetics so as to convey the essence of something alive and vibrant.

Their creations have won awards for Most Innovative Proposal (Fira de Lleida 2013) as well as development grants. Their works are shown at major festivals in Spain and France.

The company Brodas Bros was founded in 2006 when brothers Pol and Lluc Fruitós, after numerous performances and workshops, decide to give their work a name. Since its beginnings, sisters Clara and Berta Pons joined this Catalan dance company representing urban culture and the female element of hip hop. This culture born in New York expands worldwide and the company performs it from their point of view and experiences; that is why Brodas is simply the word used by American «brothers» (hermanos) written as it sounds in our accent.

The company has traveled the world in search of the origins of this culture, performing in Japan, France, Germany, Portugal, Switzerland and much of Spain. They have also toured with several shows of their repertoire and have given workshops in South and Central America, Africa and the Middle East. They have taught at the Cirque du Soleil (Saltimbanco and Corteo), at the Institut del Teatre of Barcelona, as well as in contemporary dance companies.

They have appeared in music videos of Chambao, Toni Santos, Jordine Taylor, as well as TV commercials for Chevrolet, Seat, Eroski and Orange. They also appear in the film Dance Machine (Santiago Segura), Yo soy la Juani (My Name Is Juani by Bigas Luna) and have choreographed El sexo de los angeles (Angels’ sex, Javier Villaverde), a film that starts with a unique show of Brodas Bros with main actor Álvaro Cervantes.

UFO MC14
Mechanics Raúl Martínez
Electronics Alex Posada
Construction and development Ferroluar
Co-producers Icub Barcelona Cultura y Hangar

BR2
Company Brodas Bros
Director Pol y Lluc Fruitós
Female dancers Clara y Berta Pons
Male dancers Pol y Lluc Fruitós
Costume design PIERART
Lightning engineers DYNATECH
Music KAPI y Jean Philippe Barrios
Acknowledgements SUCADE | Arco Iris | Flowtizta | NilFruitós

Taller: Hip-Hop 

Las construcciones de Antigua i Barbuda evocan las de aquellos visionarios que se inventan un mundo paralelo, fabricado con retazos de otros mundos, pasados o futuros. Construcciones que nacen del ingenio y la fantasía sin límites de Jordà Ferré y Oscar de Paz, del aprovechamiento de los objetos para muchos condenados a la basura, y que con Antigua i Barbuda reviven de una manera sorprendente y espectacular.

Sin embargo, Arquitectura de feria se instala no sólo abriendo un túnel de tiempo, sino también generando un espacio entre dos mundos: el nuestro, con nuestra realidad y el de los objetos y las máquinas, con su propia realidad. Así también, el conjunto de esculturas –las máquinas- posee una realidad que está plagada de historias, construidas a su vez con las historias y los mundos de las piezas que las componen. Es la construcción de un universo en base a otros universos, mezclados en el crisol del tiempo, donde no podemos definir qué es pasado y qué futuro.

En esta instalación, cada una de las esculturas en movimiento son las protagonistas de sus propios universos, donde nosotros nos transformamos, desde cada una de nuestras realidades, en el escenario y en el material de la escenificación, para que ellas puedan expresarse y mostrarse por completo. A pesar de esto, nosotros no sólo somos la herramienta de la máquina, sino que nos vemos afectados por ellas al establecer una especie de relación simbiótica que influencia y modifica nuestros mundos, a través de cuestiones que van más allá de las meras formas y mecanismos, envolviéndonos con las emociones y sensaciones que proyectan. Esto último es lo que definía Le Cobusier como arquitectura.

Esta relación es la causa por la que los adultos se transforman en el elemento motriz que hace que cada una de las piezas mueva a las demás, haciendo participar a los padres en el juego de los niños y creando un universo fantástico donde cada uno encuentra su mundo con el de la Arquitectura de feria.

La feria siempre ha sido para nosotros el lugar en el que nos encontramos con algunos de los más singulares personajes, que nos entretienen con sus historias, su música y su forma de vida: una familia de feriantes rescatando una vida a la antigua usanza y presentando a dos de sus personajes más importantes.

Tingalya

La Tingalya es una rueda muy particular, inspirada en el universo de Jean Tingaly, en la que los niños están suspendidos sobre unas cestas muy particulares, mientras los adultos se convierten en el aparato que acciona el movimiento de la rueda.

Mini Cavallets

Un original carrusel pensado para pequeños y grandes. Inspirado en los juguetes antiguos, pretende hacer participar a los padres en el juego de los pequeños creando un mundo fantástico donde las medidas no tienen importancia. Un carrusel donde mediante el pedaleo de las bicicletas, los padres se transforman en una de las piezas del movimiento de la atracción. A su vez, los niños también han de transformarse en uno de los engranes de la obra, acoplándose a ella para activar el movimiento de las figuras.

Las Tumbonas

Con la atracción adecuada, cualquier lugar se convertirá en un rincón para descansar bajo el cuidado de un narrador de historias y un familiar o amigo a cargo de velar por el ambiente perfecto para la relajación.

Árbol de hierro

El carrusel se ha elevado y surca el cielo. Vehículos muy peculiares que se elevan y giran suspendidos por cadenas que cuelgan de un árbol. Los padres son el motor principal del árbol de hierro, que operan, a través de una manivela, una serie de engranajes que hace girar la atracción.

Stand de tiro

La feria ha llegado a tu ciudad, ahora el hueso de la aceituna ya no tiene como inevitable destino el triste suelo que pisa quien la come, sino que se remonta por las alturas en busca de un horizonte aventurero y competitivo. Oliva&Barbuda te invita a probar suerte en la caseta de tiro. Eres un gran tirador pero las casetas siempre tienen algún truco porque no puedas acertar. Demuestra que no hay nada que te pueda hacer fallar.

Antigua i Barbuda es fundada el año 2002 por Jordà Ferré, para poder llevar a cabo proyectos propios de construcción y efectos de teatro de manera autónoma. En 2009 entra a formar parte de la compañía el artista multidisciplinar Oscar de Paz. Construyen escenografías, hacen montajes de animación, performances y todo aquello que tenga que ver con el teatro, el circo y la creación artística. Trabajan conjuntamente con arquitectos, artesanos, modistos, eléctricos, diseñadores gráficos, actores, músicos, etc.

Compañía Antigua i Barbuda
Idea original Jordà Ferré y Oscar de Paz
Espacio sonoro Pablo Rega
Actores Jordi Dorado, Meritxell Esteban, Isabel Herrera, Jordi Panella, Francesc de Quadras
Producción Antigua i Barbuda
Construcción Jordà Ferré, Oscar de Paz, Jordi Dorado, Benet Jofre, Gerard Tubau, Marie Storup
Colaboran CER-Centre d’Arts Escèniques Reus, IMAC Mataró, Festival Panorama d’Olot, ICUB Barcelona

Seminario Ciudad y Cultura, Panel: Dinamizar la ciudad, el fenómeno de los festivales

Seminario Ciudad y Cultura, Panel: La intervención del espacio público.

The works of art made by Antigua i Barbuda resemble those of the visionaries who create themselves a parallel world made with pieces of other worlds, past or future. These artifacts are born from Jordà Ferré and Oscar de Paz’s wit and boundless fantasy. They take advantage of those objects many of us condemn to end in the trashcan; Antigua i Barbuda rescues waste and makes it come alive in an amazing way.

However, not only is Arquitectura de Feria opening a tunnel of time, but also creating a space between two worlds: our world with its reality and that of the objects and machines, with their own reality. Also, the group of sculptures – machines – has a reality that is full of stories that have been built in turn with the stories and the worlds of the parts comprising them. This is the construction of a universe based on other universes mixed in the crucible of time, where we cannot distinguish past from future.

In this performative installation, each one of the moving sculptures are the protagonists of their own universes, where we are transformed – from each of our realities- both in the stage and in the staging material, so that these sculptures can expressed themselves and completely displayed. Despite this, we are not only the tool of the machine, but we are affected by them when establishing a kind of symbiotic relationship that influences and modifies our worlds through issues that go beyond mere forms and mechanisms, thus engulfing us with the emotions and feelings they project. The latter notion is what Cobusier defined as architecture.

This relationship is the reason why adults become the driving force that makes each of the pieces move the other, thus involving parents in children’s play and creating a fantasy world where everyone finds their world with Arquitectura de Feria.

The fair has always been for us the place where we find some of the most unique characters who entertain us with their stories, their music and their way of life: a family of carnies rescuing life in the old way and presenting two of their most important figures.

TINGALYIA

The Tingalya is an amazing Ferris wheel inspired by the universe of Jean Tingaly, where children are suspended on peculiar seats while adults become the device triggering the movement of the wheel.

MINI CAVALLETS

An original carousel designed for children and adults. Inspired by antique toys, this carousel seeks to involve parents in the game of their children, thus creating a fantasy world where size does not matter. This artifact works by the action of the parents pedaling the bicycles, therefore adults turn into one of the key pieces of the carousel. In turn, the children also become one of the gears of the play, as they engage in it in order to activate the movement of the figures.

THE LOUNGERS

With the right entertainment, anywhere will become a place to rest in the care of a storyteller and a relative or friend in charge of ensuring the perfect environment for relaxation.

IRON TREE

The carousel has been lifted up and crosses the sky. Peculiar vehicles rise and spin suspended by chains hanging from a tree. Parents are the main engine of the iron tree, which through a crank operate a series of gears that make the carousel spin.

SHOOTING STAND

The fair has come to your city. Now the olive pit no longer has the sad, inexorable fate of lying on the ground walked by the one who ate it, but it goes back to the heights in search of an adventurous landscape. Oliva & Barbuda invites you to try your luck at the shooting gallery. You are a great shooter but there is always a trick that prevents you from hitting the target. This shows that nothing can make you fail.

INFORMATION SHEET

Company Antigua i Barbuda
Original Concept Jordà Ferré y Oscar de Paz
Sound space Pablo Rega
Performers Jordi Dorado, Meritxell Esteban, Isabel Herrera, Jordi Panella, Francesc de Quadras
Production Antigua i Barbuda
Construction Jordà Ferré, Oscar de Paz, Jordi Dorado, Benet Jofre, Gerard Tubau, Marie Storup
Collaborators CER-Centre d’Arts Escèniques Reus, IMAC Mataró, Festival Panorama d’Olot, ICUB
Barcelona

Panel Discussion 3: Citizenship and participation

Panel Discussion 4: Intervention in public spaces 

Estudios inacabados de pintura y arquitectura. Premio Extraordinario 1996 del Institut del Teatre. En 2008 empieza a crear espectáculos en los que el público ocupa el escenario y se convierte en protagonista. “Los espectadores atraviesan un dispositivo que les invita a obedecer o conspirar y, en todo caso, a pagar con su propio cuerpo y comprometerse”. Algunos de estos espectáculos son Domini Públic (2008), Puracoincidència (2009), La consagración de la primavera (2010), Please Continue: Hamlet (2011), Pendiente de voto (2012) y RE-presentación (2013). Estos espectáculos han sido presentados en una veintena de países.

Roger Bernat, el director catalán que hace obras de teatro sin actores

Roger Bernat visita Chile por primera vez para presentar Dominio Público y Pendiente de Voto, dos montajes sin actores, sin diálogos. Basados en la participación que se genera en la audiencia.

El director español lleva cinco años presentando ambos montajes en distintas partes del mundo, haciendo a la gente participar, pero cuestionando a la vez la propia validez del sistema democrático.

Aunque esta es su primera visita, dice sentir cercanía con el país. Mal que mal, la mitad de su compañía es chilena. “España y Chile no están tan lejanos” dice, y no necesariamente por todos los siglos de colonialismo.

“Es mucho más cercano que eso. Ambos son países que han vivido una larga dictadura, y luego un proceso de transición con sus particularidades. Existe un sentir común y una historia ligados a la cabeza de la gente. Un país como España que ha vivido 40 años de dictadura no vuelve a tener una dinámica normalizada con 40 años de democracia. La manera de entender y relacionarse con la cultura, con la educación, con la política son aún dinámicas que están muy cercanas a una manera de hacer y una manera de funcionar de la dictadura”.

Las obras que dirige Roger Bernat hacen participar a los espectadores. Mientras Pendiente de Voto simula un parlamento donde las personas responde sí o no frente a una serie de interrogantes, Dominio Público se presenta en espacios abiertos, y responde a las posibilidades narrativas del grupo a partir de preguntas que van guiando la acción.

“Creo que el teatro es el único arte que habla del nosotros. Habla de cómo es vivir en una ciudad, vivir en una comunidad, y lo que intento es trabajar en esa línea. Si voy a trabajar eso prefiero hacerlo a través de la acción y lo que ofrezco al espectador es la posibilidad de que se manifieste, y que se sitúe a un lado u otro de la barrera. Vives por encima o por debajo de Plaza Italia, ganas más o menos de 300 mil pesos. Tuviste una educación pública o privada. Hay una serie de cosas que marcan más allá de los gustos cinematográficos o nuestras filias sexuales. Y es lo que el espectáculo intenta formalizar”.

Pendiente de Voto va polarizando al público dependiendo de las respuestas que vayan dando, aunque como dice Bernat, siempre es un desafío, ya que el público que acude al teatro es mayoritariamente de izquierdas.

“Ha sido difícil polarizar a un público de izquierda. Siempre nos preguntamos cómo poner el dedo en la llaga y plantear a la gente que se cree de izquierdas si realmente es de izquierdas o qué significa ser de izquierdas” dice.

¿Apuntas al cinismo de la izquierda?

Podría ser interpretado de esa manera, pero para conseguir eso hacemos preguntas que están fuera de la agenda política. Hacer preguntas que los partidos en los diferentes países no han planteado aún, por lo que tienes que apelar a tu ética. No puedes echar mano del catecismo del partido socialista o liberal. Hay un momento en que la gente se pone a discutir y el teatro se convierte, aún siendo un espacio ficcional, en un verdadero espacio de discusión. Y el lugar donde debiese darse la discusión, que es el parlamento, se convierte en un teatro donde todo el que habla ya sabe lo que va a decir, no va a cambiar su postura según lo que diga el otro y, es más, ni siquiera va a escucharlo porque las diferentes posturas están predeterminadas, y es un teatro en todos los sentidos. Y nosotros, que estamos en el mundo del teatro decimos ‘ya que los políticos se dedican a hacer teatro, nosotros, teatreros, decidimos hacer política’.

¿Le falta política al teatro?

El teatro es inevitablemente político. Ya lo decía Walter Benjamin, desde que la política se convierte en espectáculo, el espectáculo se convierte en política. Los políticos expresan sus ideas a través del espectáculo, y nosotros estamos en el showbusiness, el medio naturalmente político desde incios del siglo XX. Entonces el teatro es política.

¿De dónde surge la idea de que el público sea el que mueva la trama?

Bueno, el teatro es participación. Desde que el cine y la TV están ocupando lo que había sido el papel del teatro hasta el siglo XIX, el teatro ha tenido que moverse hacia un lugar que finalmente es el de las políticas neoliberales: la participación. No hay gobierno que no apele a la participación de los ciudadanos.

La ciudadanía está de moda.

Sí, pero porque mientras la ciudadanía está participando en una serie de cosas, no está participando en las que de verdad importan. Nosotros ponemos una mirada crítica sobre eso: vale, tú participas, ¿pero hasta qué punto no estás siendo manipulado? Por el hecho de votar lo que yo te propongo ¿no me estás legitimando como el que dicta la agenda política?

¿La participación siempre llega a buen término? En España, después del 15M se escogió a un presidente de derecha.

Creo que precisamente lo del 15M ha sido uno de los pocos ejemplos donde la particiáción no iba dirigida. Era genuina, era una movilización. No era una participación encausada dentro de la política del espectáculo: venga y envíe su opinión sobre el tráfico. Luego te dan las gracias, pero ¿alguien te da a opinar sobre la política económica del país? ¿O Sobre la educación del país? No, te hacen opinar de lo que tiene muy poco valor.

¿La crisis en España ha afectado la cultura?

La crisis han cerrado muchos teatros, de hecho el próximo año no tenemos fechas en España.

¿Y en qué otros aspectos se ha expresado?

La crisis lo primero que mata es la seguridad, la comodidad de una comunidad. Pero también crea cosas. Y algo que ha creado la crisis es un sentimiento de solidaridad entre la gente. Cuando hicimos Pendiente de Voto, intentamos hacerlo en un parlamento real y nos pusimos en contacto con diputados que decían que tenían miedo de la ciudadanía. Pero no tuvimos problemas en hacerlo en un parlamento en Bélgica, donde el político tiene claro que el parlamento es el espacio natural de los habitantes, de los ciudadanos. Que es mi sitio, es mi casa, tú no me tienes que dar permiso. Si ese día no se celebra una sesión política, se hace. También intentamos hacerlo en el ex Congreso de Chile, pero era impensable. ¿Ves como las historias española y chilena están hermanadas?

Hermanadas por el fascismo.

Sí, lamentablemente.

Romina Reyes – The Clinic (Chile)

MARTES 14

Sindicato Nacional Independiente de Trabajadoras Sexuales Amanda Jofré
MUMS
CUDS
Fundación Iguales
No Alto Maipo
Red por la Defensa de la Precordillera
Chile sin Transgénicos
Colectivo Ecológico de Acción
Aquí la Gente
Sindicato de Trabajadoras de Casas Particulares
Observatorio de Género y Equidad
Sindicato de Trabajadores de Edificios de Chile
Comité de Refugiados Peruanos
Organización sociocultural de la comunidad Haitiana de Chile
Asociación cultural folklórica Intiquilla del Perú
Sindicato de Fruteros de Cal y Canto
Colectivo Pandemia
Pérgola de floristas Santa María
Pérgola de floristas San Francisco
Asociación de locatarios de la Vega Central
Movimiento Furiosos Ciclistas
Corporación SOFINI
Colectivo Todos Trabajando

MIÉRCOLES 15

Colegio Paulo Freire
Colectivo Familiares y Compañeros de los 119
ONG 81 razones
Sambaigo
Tercera Compañía de Bomberos de San Miguel
La caleta
Voces de la Calle
Furia Leguina
Millantú
Raipillan
JJCC La Legua – Solidaridad con Cuba
Jóvenes de la parroquia San Cayetano
Enrique Molina

FICHA ARTÍSTICA

Una iniciativa de Roger Bernat
 Que no sería posible sin la participación de muchos colectivos de la ciudad que hacen suyo el proyecto
Co-creadores Txalo Toloza, Juan Navarro
Dramaturgia Roberto Fratini
Construcción de la maqueta Patricio y José Saavedra
Coordinación del proyecto en Santiago de Chile Enrique Rivera con la ayuda de Maura Aranda
Regiduría del primer recorrido Jorge Leiva y Colectivo Pandemia
Regiduría del segundo recorrido José Torres
Coordinación en Barcelona Helena Febrés
Agradecimientos a Jony Labra y Santiago Moreno
Coproducción Elèctrica Produccions y Fundación Teatro a Mil (Chile)
Residencia previa en Le Manège de Mons (Bélgica) y Lieux Publics (Francia) para preparar el proyecto
Agradecemos la colaboración del Centro Cultural de España en Santiago de Chile 

Seminario Ciudad y Cultura, Panel 1: El Poder transformador de la cultura.

Seminario Ciudad y Cultura, Panel 2: Ciudadanía y participación. 

In traditional minga, the house moving of one becomes the mobilization, effort, the gathering of all. The community moves with us the very symbol of our family, economic and social stability. It is in this movement – which temporarily deprives us from a roof over our heads- when we are, more than ever, protected by the moving building of community values.

Similarly, the dismantling and moving of La Moneda, the monument though which the state intends to represent  its stability, not only is the ironic celebration of his inconsistency , but a way of celebrating its ability to place itself in new scenarios, to announce new action fronts and, why not, its ability to expose itself to criticism. In other words, La Moneda‘s capacity of making itself truly public. By transplanting the Palace, everyone’s voice is introduced into silence.

It is by circulating that La Moneda can acquire and represent some value.

Unfinished Studies in painting and architecture. 1996 Special Prize of the Institut del Teatre. In 2008 he began to create shows in which the audience takes to the stage and becomes the main character. «Spectators go through a device that invites them either to obey or conspire and, in any case, to pay with their own body and compromise.» These performances are Públic Domini (2008), Puracoincidència (2009), la consagracion de la Pirmavera (The Rite of Spring, 2010), Please Continue: Hamlet (2011), Pendiente de voto (2012) and RE-presentation (2013). These shows have been staged in over twenty countries.

ROGER BERNAT, THE CATALAN DIRECTOR DOING THEATER WITHOUT ACTORS

Roger Bernat visits Chile for the first time to present Dominio Publico (Public Domain) and Pendiente de Voto (Pending Vote), two performances with no actors and no dialogue. They are mainly based on the involvement of the audience in the play. The Spanish director has spent five years staging both shows in different parts of the world, making people participate, but at the same time questioning the very validity of the democratic system.

Although this is his first visit, he says he feels close to the country. Like it or not, half of his company is Chilean. «Spain and Chile are not so far from each other» he says, not necessarily referring to all the centuries of colonialism.

«They’re much closer than that. Both are countries which have endured a long dictatorship and then a transition with its peculiarities. There is a common feeling and a story linked to people’s minds. A country like Spain that has lived 40 years of dictatorship still has not returned to a normal dynamics, even after 40 years of democracy. The way of understanding and relating with culture, with education, with politics; these are dynamics that still are very close to a way of doing and working during dictatorship. »

The plays directed by Roger Bernat usually involved spectators. While Pendiente de Voto simulates a line where people answer yes or no before a series questions, Dominio Publico is presented in open spaces, and responds to the narrative possibilities of the group based on questions that guide the dramatic action.

«I think drama is the only art that speaks of us. It speaks about what is to live in a city like, living in a community, and what I try to do is working on that line. If I go to work on it, I prefer to do it through action. What I offer viewers is the opportunity to express themselves so that they place on either side of the boundary. You live above or below Plaza Italia, earn more or less than 300 thousand pesos. You had a public or private education. There are a number of things that mark us, beyond film tastes or our sexual paraphilia. And that’s what the show tries to depict.»

Pendiente de Voto will polarize the audience depending on the answers they give, although as Bernat says, it is always a challenge as the audience attending the play is mostly leftist.

«It has been difficult to polarize a left-wing audience. We are always wondering how to rub salt into the wound and challenge the people who believe they are leftists if they really are, or what being a left-winger really means,” he says.

Are you pointing to the cynicism of the left?

It could be interpreted that way, but to get that we ask questions that are outside of the political agenda. Questions the political parties in different countries have not risen yet, so you have to appeal to your ethics. You cannot draw upon the Catechism of the socialist or liberal party. There is a time when people get to discuss and the theater, despite being a fictional space, turns into a real space for discussion. And the place where the discussion should really occur, the parliament, becomes a theater where all what is spoken is already known, they will not change their position according to what the others say and, moreover, they won’t even listen to each other because the different positions are predetermined, and that is drama in every sense. And we, who are in the theater world, say ‘ since politicians have devoted themselves to drama we, the theater people, have decided to do politics.’

Does theater lack politics?

The theater is inevitably political. As Walter Benjamin stated, since politics becomes a spectacle, then the show becomes politics. Politicians express their ideas through the show, and we’re in showbusiness, the naturally political medium since the early twentieth century. Therefore, theater is indeed political.

How did you come up with the idea of having the audience move the plot?

Well, theater is participation. Since film and TV are taking the role that had belonged to the theater until the nineteenth century, theater has had to move to a place that is ultimately that of the neoliberal policies: participation. There is no government that does not appeal to the participation of citizens.

Citizenship is in vogue nowadays.

Yes, unfortunately because while people are participating in a number of things, they are not participating in those things that really matter. We put a critical eye on it: OK, you can play, but to what extent are you doing it without being manipulated? When voting what I propose you, aren’t you in fact validating me the same way you legitimize the one dictating the political agenda?

Does participation always come to fruition? In Spain, a right-wing president was elected after 15M.

I think that 15M is precisely one of the few examples where participation was not addressed. It was genuine social mobilization. It was not an instance of participation geared towards the politics of performance: come and submit your opinion on traffic. Then they thank you but, do they let you have your say about the country’s economic policy? Or on the country’s education? No, they only allow you to have your say on unimportant matters.

Has the crisis in Spain affected culture?

Due to the crisis many theaters have closed down, in fact next year we have no programmed performances in Spain.

On what other things can you see the impact of the crisis?

The first thing crisis killed was security, the comfort of a community. But it has also created new things. And something that the crisis has nurtured is a sense of solidarity among people. When we staged Pendiente de Voto, we tried to do it in a real house of parliament; we got in touch with members who said they were afraid of the people. But we had no problems in doing so in a parliament in Belgium, where the politician is fully aware that the parliament is the natural space of the people, of the citizens. It is my site, my house; I need no permission from you to be there. If that day there is no session to be held, you can perform there. We also attempted to do so in the former Congress of Chile, but it was unthinkable. Can you see now how the Spanish and Chilean stories are twinned?

Twinned by fascism

Unfortunately yes.

Romina Reyes – The Clinic (Chile) 

Project by Roger Bernat
Coordination Juan Navarro
Assistant Director and Technical Director Txalo Toloza
Collaborating Company Colectivo Pandemia
Artistic Consulting Roberto Fratini
Producer Elèctrica Produccions
Coproducer Fundación Teatro a Mil
In residency Le Manège de Mons (Bélgica) y Lieux publics – Centre national de création (Francia)

Panel Discussion 1: The Transformative Power of Culture.

Panel Discussion 2: Dynamizing the City: The Festival Phenomenon. 

La compañía La Machine es un consorcio de científicos, agrupados desde 1990, que desarrollan un trabajo que combina la aviación con la botánica. El año 2000, este grupo de ingenieros y científicos, con el misterioso comandante FD a la cabeza, creó un departamento científico que tenía por objetivo desarrollar el programa Heliantha 2000, que consistía en tomar muestras de permagel angonquin, polen prehistórico de Helianthus annuus (girasol común), con el fin de compararlo con el polen de los girasoles actuales. Este programa busca profundizar las investigaciones sobre la relación entre la energía eléctrica y el desarrollo vegetal.

Como parte de este programa de investigación, decidieron construir una nave aerotransportada capaz de volar gracias a la energía otorgada por los vegetales: la Aeroflorale II. Desde su primer vuelo en 2010, esta máquina ha recorrido el mundo investigando plantas de gran potencial eléctrico.

Después de una larga escala en los bordes del lago Baikal, la legendaria aeronave se ha posado en cuatro grandes ciudades de Europa –Bruselas, Torino, Hamburgo y Nantes-, donde han podido obtener incalculables descubrimientos en beneficio del programa.

Para el año 2014, la Expedición Vegetal ha decidido continuar su viaje, teniendo esta vez como objetivo Sudamérica, específicamente la ciudad de Santiago de Chile. El despegue tuvo lugar el 29 de septiembre de 2013, y se espera que la misión llegue a Chile en enero del 2014. En nuestro país, los científicos deben llevar a cabo una serie de experimentos sobre la riqueza y generosidad de las especies vegetales locales, para así poder producir la famosa energía Fitovoltaica, producida por los vegetales. Su atención estará particularmente puesta en las especies de la Cordillera de los Andes.

Comandante a bordo FD
Segundo a cargo Bertrand Bidet
Cocinero e historiógrafo Emmanuel Bourgeau
Musicólogo y fito-acústico Mino Malan
Fito-sociólogo Philippe Ferard
Fito-sexólogo Sylvain Praud
Recursos humanos vegetales Richard Triballier
Fito-electricista Cédric Cordelette
Técnico-comercial Péthane G3 Benjamin Botinelli
Fito-diseñador Maarten
Doctor en robótica de plantas Yves Rollot
Coordinador de operaciones aéreas Pierre Bellivier
Coordinador de operaciones en tierra Patrick Grevoz
Meteorólogo Stéphane Chivot
Logística en tierra Marie Saunier
Agente de comunicaciones Frédette Lampre
Coproducción Fondation Bauhaus et Anhalt Hochschule (Dessau, Allemagne), l’Ecole Nationale Supérieure d’Architecture de Nantes, L’AFPA Nantes St Herblain, Le Moulin du Roc, Scène Nationale de Niort, La Paperie, Angers, Le SEVE de Nantes 

Seminario Ciudad y Cultura, Panel: Dinamizar la ciudad, el fenómeno de los festivales

Seminario Ciudad y Cultura, Panel: La intervención del espacio público.

The company La Machine is a consortium of scientists, grouped since 1990, who have been developing a work that combines aviation and botany. In 2000, this group of engineers and scientists, headed by mysterious commander FD, established a science department that aimed at developing the program Heliantha 2000, which involved collecting samples of permafrost angonquin, prehistoric pollen of Helianthus annuus (sunflower), in order to compare it with the pollen of extant sunflowers. This program seeks to further research on the relationship between electricity and vegetal development.

As part of this research program, they decided to build an airborne craft capable of flying through the energy provided by the plants: the Aeroflorale II. Since its first flight in 2010, this machine has traveled the world studying plants with high electric potential.

After a long layover at the edges of Lake Baikal, the legendary aircraft has landed on four major cities of Europe -Brussels, Turin, Hamburg and Nantes, where they have obtained invaluable discoveries for the benefit of the program.

By 2014, the crew of Vegetal Expedition has decided to continue their journey, this time aimed at reaching South America, specifically the city of Santiago de Chile. The launch took place on September 29, 2013, and the mission is expected to arrive in Chile in January 2014. In our country, scientists must conduct a series of experiments on the richness and luxuriance of the local species, with the purpose of producing the well-known «Phytovoltaic» power produced by plants. They will pay particular to the vegetal species in the Andes.

Panel Discussion 3: Citizenship and participation

Panel Discussion 4: Intervention in public spaces

Grupo musical tuareg de Mali, África. Los miembros principales son Ibrahim ag Alhabib (Abraybone) y Alhousseini ag Abdoulahi (Abdallah), ambos cantautores y guitarristas, y la cantante Mina wallet Oumar. El grupo se presentó por primera vez en 1982, en un festival en Argel. Durante la rebelión tuareg de los años 1990, sus canciones eran un mensaje de esperanza y una llamada a la resistencia. Con la firma, en Mali, del Pacto National de 1992 y el regreso de la paz, Tinariwen actúa en varios festivales. El líder del grupo desde 1993 a 1999 fue Mohamed ag Ansar (Manny) que, en la actualidad, es el director del Festival au Désert.

Su primer disco, The Radio Tisdas Sessions, fue grabado en 2002 utilizando energía solar. Empezaron a ser conocidos en Occidente tras su actuación en enero de 2003 en el primer Festival au Désert, organizado para celebrar el fin de la guerra entre las tribus tuaregs y el gobierno de Mali. El disco siguiente, Amassakoul, 2004, fue un éxito internacional y conllevó giras por Europa, Estados Unidos, Canadá y Asia. En 2012 ganaron el Premio Grammy al Mejor Álbum de Música del Mundo por su disco Tassili (2011).

Tinariwen suele asociarse a una sola imagen: rebeldes Tuareg con una metralleta en mano y una guitarra eléctrica colgada del hombro. La banda se deshace de este cliché en su quinto álbum, Tassili, y es para mejor. Los miembros fundadores abandonaron sus armas hace tiempo y en este nuevo disco utilizan una estética revolucionaria menor, dejando de lado sus guitarras eléctricas –instrumento que fue mascota y los hizo famosos- para otorgar un lugar de honor a los sonidos acústicos, grabados en el corazón del desierto, que es el escenario de sus vidas, la cuna de su cultura y su fuente de inspiración. Se podría decir que este radical cambio es un regreso a la esencia misma de su arte, un giro que, paradójicamente, les ha abierto las puertas a intrigantes colaboraciones con miembros de TV On The Radio, Nels Cline y The Dirty Dozen Brass Band.

Hay algo de verdad en ese viejo cliché de músicos-soldados. En los años 80, Ibrahim, Abdallah, Hassan, ‘Japonais’ y Kheddou empezaron a tocar juntos en el pueblo de Tamanrasset, en el sur de Argelia. Tocaban en bodas, bautismos y fiestas. Luego de eso pasaron varios años en el mismo campo de entrenamiento militar en Libia, antes de que la rebelión Tuareg estallara simultáneamente en Mali y Nigeria y se vieran obligados a marchar al campo de batalla en el sur del Sahara. En paralelo, sus canciones, grabadas en casetes, ayudaron a difundir el mensaje de un movimiento rebelde que buscaba establecer la promoción de los derechos de los nómades del desierto que sufrían bajo las arbitrarias policías de gobiernos centrales represivos y distantes. Cuando la paz fue firmada en 1994, su desmovilización coincidió con profundos cambios en el estilo de vida de los habitantes del desierto, cuyas tradiciones habían sido irrevocablemente destrozadas durante los años de sequía y sedentarización. Aquellas calamidades empujaron a muchos jóvenes Kel Tamashek –personas que hablan Tamashek, el idioma de los Tuareg– al exilio. Tinariwen se transformó en los voceros de una generación que vio impotente cómo sus cosechas se empobrecían, sus animales se perdían y su mundo sucumbía lentamente.

Hubo un tiempo en que Bob Marley and The Wailers vivieron una paradoja similar, en otra escala, a la de Tinariwen: cantar sobre el sufrimiento de su gente mientras se convertían en estrellas alrededor del mundo. La banda, perdiendo algunos de sus miembros originales y ganando algunos nuevos en el camino, se transformó en un conjunto profesional con giras internacionales, liderando importantes festivales como Eurockéennes de Belfort (Francia), Glastonbury (Reino Unido) y Coachella (Estados Unidos). Sus álbumes Aman Iman (2007) y Imidiwan (2009) fueron alabados por la crítica especializada y atrajo los elogios de Robert Plant, Elvis Costello, Thom Yorke, Brian Eno y Carlos Santana, con quien Tinariwen tocó en el Montreux Jazz Festival en 2006. A pesar del éxito, este reconocimiento universal no alteró la esencia o espíritu de su música, la cual mezcla los amargos sonidos de agudas guitarras con una lírica poética que celebra la sagrada unión entre las personas y su medioambiente, reflejo de las penosas circunstancias colectivas.

Estas circunstancias se han vuelto considerablemente más difíciles en los últimos meses, al punto que el grupo fue forzado a grabar su nuevo álbum lejos de su base en Tessalit, en el norte de Mali, que se ha transformado en un lugar peligroso para cualquier visitante. Apegándose a su deseo de volver a las raíces de su música y redescubrir los viejos hábitos de su arte en la naturaleza salvaje, con guitarras acústicas y percusiones no amplificadas, optaron por grabar en los desiertos del sur de Argelia, cerca del pueblo de Djanet, en una región protegida llamada Tassili N’Ajjer. El lugar tiene un significado histórico para estos viejos rebeldes: en los años de la migración y la rebelión, fue un refugio en el camino para los campamentos de militares libios. Fue en ese paisaje lunar de arenas blancas, formaciones rocosas y riquezas geológicas, en esa soledad mineral que empuja poderosamente a la introspección y la efusión de sentimientos profundos, que los músicos y técnicos se reunieron de noviembre a diciembre de 2010 en una carpa mauritana con 400 kilos de equipaje y una montaña de problemas por resolver. El viento que hacía crujir a su carpa, la arena que invadía los equipos eléctricos y el constante ruido de los generadores de electricidad fueron algunos de los obstáculos que debieron superar.

En este espacio abierto natural decidieron realizar las sesiones de manera poco ortodoxa y, a diferencia de como se hace en los estudios, permitieron a los músicos entregarse a la inspiración en eternas sesiones alrededor del fuego. Tomó tres semanas reunir todas las canciones de Tassili. Algunas son recientes y otras fueron desenterradas de un repertorio antiguo e incluso tradicional. Estas últimas fueron candidatas obvias cuando hicieron sonar sus guitarras y otros instrumentos acústicos.

Durante la última semana de grabaciones, el cantante Tunde Adebimpe y el guitarrista Kyp Malone de la banda neoyorquina TV On The Radio llegaron al campamento. Ambas bandas han estrechado lazos desde que se conocieron en el festival Coachella de 2009. En el desierto, las contribuciones de ambos músicos en cinco canciones, y las posteriores adiciones del guitarrista Nels Cline y los cuernos de Dirty Dozen Brass Band, grabados en Nueva Orleans, otorgaron a Tassili el intrigante carácter de un disco que toca las profundidades de la esencia del arte de Tinariwen y, al mismo tiempo, se abre a un mundo más ancho.

Ibrahim Ag Alhabib propone un viaje musical entre las dunas de arena y las estrellas con una pregunta solemne: ¿Qué tienen que decir, amigos míos, sobre este doloroso tiempo que estamos viviendo?. La noción de personas en peligro, luchando por su supervivencia tanto cultural como psicológica, atraviesa Tassili como una roca. La decisión de usar guitarras acústicas, percusión sin amplificar y palmas, sugiere mucho más que una cercanía entre estos músicos y su desierto. Es más bien una total comunión.

‘Tenéré Taqqim Tossam’ es una declaración de amor, respeto y humildad hacia esa imagen del desierto que es tan difícil, tan estrecha de agua, pero cuya belleza y misterio bastan para saciar la sed espiritual que inunda el alma de los habitantes del desierto y que ellos llaman “assouf”. Las letras agregadas por Tunde Adebimpe refuerzan la humildad, e incluso vulnerabilidad, que esa relación requiere. En el ambiente riguroso del desierto, todos deben asegurarse de que su honestidad e integridad se mantenga intacta. Eso es exactamente de lo que Ibrahim canta en ‘Tameyawt’, una canción casi susurrada que nos invita a encontrarnos con su espíritu en la noche sahariana. O en ‘Walla Illa’, sobre el turbulento romance entre el dolor y la esperanza. Las mujeres, cuyas voces estuvieron tan presentes en los discos anteriores de Tinariwen, han desaparecido e éste, pero nunca habían estado tan constantemente invocadas, especialmente en las canciones ‘Tamiditin Tan Ufrawan’, ‘Isswegh Attay’ y ‘Tilliaden Osamnat’.

La música y sensibilidad de Tinariwen ha estado siempre ligada al Blues americano, y en Tassili reconstruyen las emociones de un individuo que se enfrenta cara a cara con la soledad y la duda, atrapado por el tormento, prisionero de circunstancias inextricables (‘Djeredjere’). Pero ese individuo también se las arregla para encontrar esperanza en la fuerza de su comunidad (‘Imidiwan Wan Sahara’) o en el simple placer de momentos cotidianos, como en la canción ‘Takest Tamidarest’, cantada por Abdallah, que nos arroja al medio del desierto con su ritmo lento que abre espacio para la contemplación pura. Por esa razón, Tassili no es sólo un extraordinario momento musical en el cual Tinariwen vuelven a poseer su propio arte hasta el punto de sentirse completamente relajados como para invitar a otros a su mundo, sino también una experiencia humana compartida de excepcional calidad.

Texto de Francis Dordor

Tinariwen
Ibrahim Ag Alhabib
Eyadou Ag Leche
Touhami Ag Alhassane
Said Ag Ayad
Abdallah Ag Alhousseyni
Abdelkader Ourzig 

Tuareg band from Mali, Africa. The core members are Ibrahim ag Alhabib (Abraybone) and ag Alhousseini Abdoulahi (Abdallah), both singers and guitarists, together with singer Mina Wallet Oumar. The group first performed in 1982 at a festival in Algiers. During the Tuareg rebellion of the 1990s, their songs were a message of hope and a call for resistance. By the signing of the National Pact of 1992 in Mali and the return of peace, Tinariwen was able to performe at several festivals. The group’s leader from 1993 to 1999 was ag Mohamed Ansar (Manny) who nowadays is the director of the Festival au Désert.

Their first album, The Radio Tisdas Sessions, was recorded in 2002 using solar energy. They became popular in the West in January 2003, after their performance at the first Festival au Désert, organized to celebrate the end of the war between the Mali government and Tuareg tribes. The next album, Amassakoul, released in 2004, was an international hit which led them to go on tours to Europe, USA, Canada and Asia. In 2012 they won the Grammy for Best World Music Album 2011 for their album Tassili.

Tinariwen are often associated with just one image: that of Touareg rebels leading the charge, machine gun in hand and electric guitar slung over the shoulder. The band ditch this cliché on their fifth album ‘Tassili’ and it’s for the best. The founding members abandoned their weapons long ago and on this new album they have engineered a minor aesthetic revolution by setting the electric guitar – the instrument which became their mascot and made them famous – to one side and giving pride of place to acoustic sounds, recorded right in the heart of the desert, which is the landscape of their existence, the cradle of their culture and the source of their inspiration.

You might even call this radical move a return to the very essence of their art, a return which, paradoxically, has also opened the doors to some intriguing collaborations with members of TV On The Radio, Nels Cline (Wilco’s guitarist) or The Dirty Dozen Brass Band.

There is some truth in that old cliché of the soldier-musician. In the 1980s, Ibrahim, Abdallah, Hassan, ‘Japonais’ and Kheddou began to play together in and around the town of Tamanrasset in southern Algeria. They would perform at weddings, baptisms or just simple youthful get- togethers. They then spent several years in the same military training camp in Libya before the Touareg rebellion broke out simultaneously in Mali and Niger and sent them out onto the field of battle in the southern Sahara. In parallel, their songs, recorded on cassettes scattered far and wide, helped to broadcast the message of a rebel movement that set out to promote the rights of nomadic people suffering under the arbitrary policies of repressive and distant central governments. When peace was signed in 1994, their demobilisation coincided with profound changes in the way of life of those desert people, whose traditions had been irrevocably upended by years of drought and sedentarization. Such calamities forced many young Kel Tamashek – the people who speak Tamashek, the language of the Touareg – into exile. Tinariwen became the spokespeople of a generation which looked on helplessly as their harvests thinned, their animal herds wasted away and their world slowly crumbled.

There was a time when Bob Marley and the Wailers lived a certain paradox, albeit on a different scale, to the one that was to greet Tinariwen: that of singing about the distress of their people whilst becoming global stars in the process. For it was in the embers of this social trauma, which remains just as precarious today, that Tinariwen caught fire and went global. The group, losing some of its original members and gaining new ones along the way, became a professional unit that toured the world, headlining at various important festivals including the Eurockéennes de Belfort in France, Glastonbury in the UK and Coachella in the US. Their albums Aman Iman (2007) and Imidiwan (2009) were eulogized by the media and attracted the praises of Robert Plant, Elvis Costello, Thom Yorke, Brian Eno or Carlos Santana, with whom Tinariwen performed at the Montreux Jazz Festival in 2006. Nonetheless, this success, this universal recognition didn’t alter the essence or spirit of their musical style, which mixes the bitter sound of spiky guitars with the often pantheistic approach of lyrical poetry that celebrates the sacred union between a people and their environment, and is the reflection of painful collective circumstances.

These circumstances have become considerably harder in recent months, to the point where the group were forced to record their new album far from their base in Tessalit, northern Mali, which is now deemed too insecure for outsiders to visit. Sticking with their desire to return to the roots of their music, and rediscover the age-old habits of their art, out in the wild, with acoustic guitars and unamplified percussion, they opted instead to record out in the deserts of southern Algeria, near the town of Djanet, in a protected region called the Tassili N’Ajjer. The place has historical significance for these old rebels. Back in the days of migration and rebellion it served as a refuge on the road to the Libyan training camps. It was in this lunar landscape of white sand, rocky outcrops and astounding geological riches, in that mineral solitude which lends itself so powerfully to introspection and the outpouring of deep feeling, that musicians and technicians gathered between November and December 2010, under a Mauritanian tent, with 400 kilos of gear and a mountain of problems to solve. The wind that made the tent frames creak, the sand that invaded the electric equipment, the constant chugging of the electricity generators, these were just some of the unwelcome intrusions that had to be overcome.

In this natural open space it was decided to approach the sessions in an unorthodox manner and, unlike the way it’s done in most studios, let the musicians give their inspiration free rein during seemingly endless sessions around the campfire. It took three weeks to gather all the songs on ‘Tassili’. Some are recent. Others have been dug up out of a much older, even traditional,repertoire. The latter only become obvious candidates when the guitars were picked up and strummed and other acoustic instruments played.

During the last week of recordings the singer Tunde Adebimpe and the guitarist Kyp Malone from the New York band TV On The Radio arrived at the camp. The two bands had been forging links ever since they met at the Coachella Festival in California back in 2009, links which were consolidated at Tinariwen’s Hollywood Bowl gig in Los Angeles a year later when Kyp and Tunde were invited on stage to jam with the band. Out in the desert, the contributions of the two musicians on five songs and later additions by guitarist Nels Cline and the horns of the Dirty Dozen Brass Band, recorded in their manor down in new Orleans, give ‘Tassili’ the intriguing character of an album which reaches deep into the essence of Tinariwen’s art whilst simultaneously opening tself out to the wider world.

Ibrahim Ag Alhabib sets out on a musical journey between sand dunes and vaulting stars with a solemn question: “What have you got to say, my friends, about this painful time we’re living through?” The notion of a people in peril, fighting for their survival, both cultural and psychological, traverses ‘Tassili’ like a stick of rock. The decision to use acoustic guitars, unamplified percussion, the jerry can ‘calabash’ and hand claps, suggest a great deal more than a closeness between these musicians and their desert – more like a communion.

‘Tenéré Taqqim Tossam’ is a declaration of love, tempered by respect and humility, for that desert landscape which is seemingly so demanding, so stingy with its water, but whose beauty and mystery are enough to quench the spiritual thirst that irks the soul of desert people and which they call ‘assouf’. Tunde Adebimpe’s added vocals reinforce the humility, even vulnerability, which that relationship requires. In the desert’s gruelling natural environment, everyone has to make sure that their honesty and integrity remain intact. That’s precisely what Ibrahim sings about in ‘Tameyawt’, an almost whispered song that invites us into the Saharan night to join him in spirit.

Or in ‘Walla Illa’, which is about a turbulent love affair that slips and slides between pain and hope. Women, whose voices were so present on previous Tinariwen albums, have disappeared from this one, but never have they been so constantly invoked, especially in the songs ‘Tamiditin Tan Ufrawan’, ‘Isswegh Attay’ or ‘Tilliaden Osamnat’. Tinariwen’s music and sensibility have always been close to the American Blues and on ‘Tassili’ they re-enact the emotions of an individual who finds himself face to face with loneliness and doubt, gripped by torment, the prisoner of inextricable circumstances (‘Djeredjere’). But that individual also manages to find hope in the strength of his community (‘Imidiwan Wan Sahara’) or in the simple pleasure afforded by insignificant daily moments, as on the song ‘Takest Tamidarest’, sung by Abdallah, which drops us right in the middle of the desert, with its slow-baked pace that lends itself to pure contemplation of man’s surrounding and to profound inner meditation. For that reason, ‘Tassili’ isn’t just an extraordinary musical moment, in which Tinariwen repossess their own art to the extent that they feel completely relaxed about inviting others into their world, it’s also a shared human experience of rare quality.

Francis Dordor 

Tinariwen Members:
Ibrahim Ag Alhabib
Eyadou Ag Leche
Touhami Ag Alhassane
Said Ag Ayad
Abdallah Ag Alhousseyni
Abdelkader Ourzig

A golpe de tierra es ritmo, magia, danza, música y teatro afroperuano en un solo espectáculo. Siendo el cajón peruano el protagonista de esta puesta en escena, la labor de este concierto es llevar al mundo la gran influencia africana que recibió Perú con la esclavitud negra que llegó a sus costas, transformando la danza y el ritmo de la región. Este espectáculo interactivo permite al espectador volverse parte de una gran fiesta de ritmo donde se rompe la barrera entre la butaca y el escenario ¡Atrévete a tocar la cultura! 

María del Carmen Dongo es la embajadora y gran difusora del cajón peruano en el mundo. Hace 25 años el cajón se convirtió en principal medio de expresión en su carrera internacional como percusionista. En medio de giras y talleres en 2001, la artista decidió dejar escenarios cotizados junto a artistas de renombre para iniciar una campaña de difusión y rescate de este instrumento de origen peruano, hasta conseguir que el cajón fuera declarado Patrimonio Cultural de la Nación por el Instituto Nacional de Cultura del Perú y movilizando a un ejército de cajoneros que hoy difunden la riqueza de este símbolo de peruanidad. 

Hace 12 años surgió la primera agrupación de percusión de Perú, Manomadera: manos que percuten y cuerpos que bailan sobre madera. Dirigida por María del Carmen Dongo, quien puso a disposición de la música contemporánea afroperuana al cajón peruano. Manomadera se compone por artistas percusionistas, cantantes y bailarines profesionales que acercan al público a disfrutar del ritmo, sabor y kimba de la música afroperuana, enseñando a la vez cómo se percute un cajón y las danzas de la costa peruana. La agrupación cuenta con 30 miembros activos. 

Toco madera 

Detrás de la campaña de rescate del cajón peruano, existe una travesía poco conocida. María del Carmen Dongo, la percusionista que lideró este periplo, evoca algunos pasajes al compás de los efectos que produce un cajonero: silencio, contrapunto y repique. Una antesala para el Día de la Canción Criolla.

Silencio

En ciertas luchas por la identidad, hay hijos no reconocidos. María del Carmen Dongo suele decir que la campaña de rescate del cajón, que inició en 2001, era precisamente una manera de “comprometer al Estado en reconocer la paternidad peruana del instrumento y ponerle su verdadero apellido”. Darle una partida de nacimiento.

“No fue fácil. Hubo mucho silencio cómplice. Pocos querían comprarse el pleito de denunciar que en España y en el mundo comercializaban el cajón como flamenco o rumbero”, insiste en medio de los ajetreos de su concierto del 31 de octubre, con el que piensa cerrar esta primera etapa de cinco años de trabajo constante.

Si no la hubiese acompañado en esta labor de difusión, creería que exagera. Pero no. Recuerdo que una vez, en el verano de 2001, llegamos (hoy creo que con mucha ingenuidad) hasta las puertas de Indecopi para averiguar la posibilidad de conseguir una patente que reconociera el origen peruano del cajón. Nos enteramos esa mañana que un instrumento que era producto de la creación colectiva de un país no podía ser registrado en Indecopi, que las patentes de origen no existen, que son otorgadas al individuo que crea el objeto, no a una nación.

Pocos días antes de la visita a Indecopi, María del Carmen se presentó en la Comisión de Cultura del Congreso para explicar a nuestros parlamentarios la importancia de reconocer legalmente al cajón como peruano: acompañada por la guitarra de Octavio Santa Cruz, interpretó la célebre pieza “Cuatro tiempos jóvenes negros” de Félix Casaverde, que es un viaje musical por todos los ritmos de nuestra costa: vals, zamacueca, marinera, landó y festejo.

Habló mediante los graves profundos de la madera, el brillo de los agudos y también con los silencios. “Cuando terminé de tocar, todos aplaudieron, pero me dijeron que no se podía sacar una ley para reconocer el origen del cajón”, recuerda ahora.

Sin embargo, los primeros meses de campaña rindieron un primer resultado contundente: en agosto de 2001, el Instituto Nacional de Cultura declaró al cajón Patrimonio Cultural de la Nación, gracias al apoyo de Luis Repetto.

Contrapunto

“En un escenario, el contrapunto significa desafío y diálogo entre los músicos. Es decir: Esto somos, nos ponemos de acuerdo y juntos sonamos así”, dice María del Carmen. La figura sirve para indicar que en la campaña hubo consensos, pero también resistencias de algunas cofradías musicales.

“Fui criticada por convocar al escenario a jóvenes músicos que no eran negros y a mujeres. Me preguntaba ¿cómo era posible que algunos sostuvieran que solo un negro puede tocar el cajón en un país multirracial? Decidí ir contra la contracorriente”. Su grupo Mano Madera, que nació en octubre de 2001, es la mayor prueba de esta diversidad. Hombres y mujeres. Negros, blancos, criollos, cholos. Al igual que Cynthia Galicia, una mexicana que la acompaña en esta tarea dentro y fuera de escena, soy una de las integrantes de esta agrupación de distintos colores y sonidos. Y en esa mezcla, les digo, hay una forma poderosa de sentir la música.

Pese a todo, Dongo y el grupo fueron convocados por Promperú para representar al país, primero en Brasil y luego en España, en el afamado festival de turismo Fitur que se inauguró con un contrapunto de cajones ante los Reyes de España.

La visita de Mano Madera entusiasmó a la prensa madrileña. “¿Cuéntanos, cómo es eso de que el cajón es del Perú?”, preguntaban los periodistas. Entonces, María del Carmen empezaba a relatar que “fue Paco de Lucía que en los años 70 se llevó el cajón durante su paso por Lima y lo incorporó al flamenco”.

Repique

En los cinco años de campaña, Dongo ha enseñado la técnica del cajón a mil personas, entre niños, jóvenes, adultos y ancianos. La cifra resulta sorprendente, pero mucho más la capacidad de la percusionista de lograr que hasta los sordomudos toquen el instrumento. Esto sucedió hace dos años, cuando la Asociación de Sordos la convocó para preparar una actuación por Navidad con los miembros de la institución. Gracias a su formación de musicoterapeuta, la percusionista sabía que debía apelar a la vibración, en un lugar pequeño y cercado por vidrios, para que sus nuevos alumnos sintieran el ritmo del cajón. “Algunos agarraron el patrón rítmico, otros no. Entonces les pedí que se pusieran de pie, en fila, e inclinaran el tronco hacia adelante. Y empecé a tocar en sus espaldas para que sintieran los toques del alcatraz con la vibración de la caja torácica. Aprendieron en dos ensayos”, cuenta.

A partir de la consolidación de la campaña del cajón, la percusionista empezó a explorar otras dimensiones. Una de ellas ha sido aplicar el cajón en intervenciones pisoterapéuticas con una técnica denominada “terapia de ritmo”. Tras cinco años de trabajo, María de Carmen Dongo y Mano Madera buscan saltar del eslogan “El cajón es del Perú” a una propuesta más diversa, en la que se ponga de relieve la potencialidad sonora del instrumento, no solo para los ritmos de la costa, sino también de la sierra y selva.

Milagros Salazar – Diario La República (Perú) 

Directora, autora y artista principal María del Carmen Dongo
Artistas Manomadera Jorge Garrido Leturia, Rocío Nicasio Aban, Jorge Enrique Garrido Martínez, Dangelo Baluarte Benavides, Olga Gallardo Aban, James Cueto Natteri, Graciela Barrera Huapaya, Teo Alejandro Bazul Pantoja
Producción general & management Cynthia Galicia Belaunzarán
Ingeniero de sonido Roberto Escobar Rivero
Técnico escenario y luces Rodrigo Delgado Escuza
Stage manager Alexis Escuza Canayo 

Taller: Golpe a guerra: danza afro-peruana
Taller: A golpe de guerra: cajón peruano

A golpe de tierra (To the beat of earth) is rhythm, magic, dance, music and Afro-Peruvian Theater in one single show. As the Peruvian cajon is the protagonist of this staging, the aim of this concert is bringing to the world the great African influence that Peru has received since black slavery reached its shores, thus transforming the dance and rhythm in the region. This interactive show allows the viewer to become part of a great celebration of rhythm, where the barrier between the stage and the chair is broken. Take the plunge and touch culture!

Maria Del Carmen Dongo is the ambassador and major promoter of the Peruvian cajon all over the world. 25 years ago, the cajon became the primary means of expression in her international career as a percussionist. In between tours and workshops in 2001, the artist decided to leave the sought-after stages on which she performed together with renowned artists, so as to undertake the rescue and cultural diffusion of this instrument original from Peru. She succeeded in her campaign with the proclamation of the Cajon as Cultural Patrimony of the Nation by the National Institute of Culture of Peru and mobilizing an army of cajoneros who today spread the richness of this Peruvian symbol.

Manomadera emerged 12 years ago as the first percussion group in Peru. Manomadera: hands beating and bodies dancing on wood. This group is directed by MariaDel Carmen Dongo, who made ​​the Peruvian cajon available to the contemporary Afro-Peruvian music. Manomadera is composed of drummers, singers and dancers; all these artists bring rhythm to the audience so that they enjoy the taste and kimba of Afro-Peruvian music, while they are taught how to beat a Cajon as the artists perform dances from the Peruvian coast. The group has 30 active members.

Knock on wood

Behind the cultural crusade for rescuing of the Peruvian Cajon, there is a little known crossing. MariaDel Carmen Dongo, the percussionist who led this journey evokes some passages to the beats a cajonero produces: silence, counterpoint and chime. This is a prelude to the Day of the Creole Song.

Silence

In certain struggles for identity, there are illegitimate children. MariaDel Carmen Dongo often states that the campaign to recover the Cajon, which she started in 2001, was, precisely, a way of ‘forcing the State to recognize the Peruvian paternity of the instrument, so as to give it its real name’.  In other words, the aim was getting the Peruvian Cajon a birth certificate.

«It was not easy. There was much complicit silence. Few people wanted to engage in litigation by reporting that in Spain and the rest of the world they were marketing our Cajon as a Cajon flamenco”, she insists amid the hustle and bustle of her concert of October 31, with which she plans to close this first stage of five years of ongoing work.

Had I not joined her in her work of cultural diffusion, I would have believed she exaggerates. But she does not. I remember once, in the summer of 2001, we (very naively I think) reached the gates of Indecopi to find out the possibility of obtaining a patent that recognized the Peruvian origin of the Cajon. That morning, we learned that an instrument conceived as a product of the collective creation of a country could not be registered at Indecopi, that original patents do not exist and that they are granted to the individual who creates the object, not the whole nation.

A few days before the visit to Indecopi, Maria del Carmen presented herself before the Committee on Culture of the Peruvian Congress to tell our congressmen the importance of legally recognizing the Cajon as Peruvian: accompanied by Octavio Santa Cruz’ guitar, she played the famous piece

“Cuatro tiempos jóvenes negros” de by Felix Casaverde, a musical journey through all the rhythms of our coast: Vals, zamacueca, marinera, lando and festejo.

She spoke through the deep basses of wood, the brightness of the treble and also with silences. «When I finished playing, everyone applauded, but was told that it was impossible to bring forward a law to recognize the origin of the Cajon» she now recalls.

However, the first months of the campaign yielded a solid first result: in August 2001, the National Institute of Culture declared the Peruvian Cajon Cultural Heritage of the Nation, with the support of Luis Repetto.

Counterpoint

«On a stage, counterpoint means challenge and dialogue between the musicians. In other words, it means: This is us, what we have agreed upon and agree and this is how we sound together » says Maria Del Carmen. The figure serves to indicate that there was consensus in the campaign, but also resistance of some musical brotherhoods.

«I was criticized for calling young musicians, who were neither black nor women, to the stage. I wondered how it was possible that some people argued that only a black can tap the Cajon in a multiracial country. I decided to swim against the current”. Her group Manomadera, which was formed in October 2001, is the greatest proof of this diversity. Men and women; blacks, whites, Creoles, cholos. As Cynthia Galicia, a Mexican that accompanies her in this task on and offstage, I am one of the members of this group of different colors and sounds. And in that mix, I say, there is a powerful way to feel the music.

All in all, Dongo and the group were summoned by Promperú to represent the country, first in Brazil and then in Spain, at the famed Fitur tourism festival which opened with a Cajon chime to the Kings of Spain.

Mano Madera’s Visit wowed Madrid media. «Tell us, how is it that the cajon is Peruvian?  The reporters asked. Then Maria Del Carmen began to state that «it was Paco de Lucia the one who after visiting Lima in the 70s, took the cajon to Spain and incorporated it into flamenco «.

Chime

In the five years of campaigning, Dongo has taught the art of the Cajon a thousand people, including children, youth, adults and seniors. The figure is surprising, but much more is the capacity of the percussionist to make it possible that even deaf-mute people play the instrument. This happened two years ago, when the Association of the Deaf convened her to prepare a Christmas performance by members of the institution. Thanks to her training as a music therapist, the drummer knew she should appeal to vibration, in a small place surrounded by glass, so that her new students felt the rhythm of the Cajon. «Some of them grasped the rhythmic pattern, others did not. Then I asked them to stand up, line up, and bow down their trunk forward. And then I started playing on their backs so that they could feel the ringing of the Alcatraz with the vibration of the ribcage. They learned after two rehearsals » She says.

From the consolidation of Cajon campaign, the percussionist began to explore other dimensions. One of them has been to use the Cajon in psychotherapeutic interventions with a technique called «rhythm therapy». After five years of work, Maria Del Carmen Dongo and Mano Madera seek to move the slogan «the Cajon is from Peru» to a different proposal, in which the sound potential of the instrument is highlighted. A sound not only for the rhythms of the coast, but also for the sierra and the forests.

Milagros Salazar –La Republica Journal (Diario La Republica, Peru)

Director, author and leading performer MariaDel Carmen Dongo
Manomadera Artists Jorge Garrido Leturia, Rocío Nicasio Aban, Jorge Enrique Garrido Martínez, Dangelo Baluarte Benavides, Olga Gallardo Aban, James Cueto Natteri, Graciela Barrera Huapaya, Teo Alejandro Bazul Pantoja
General production and management Cynthia Galicia Belaunzarán
Sound engineer Roberto Escobar Rivero
Stage and Lightning Technician Rodrigo Delgado Escuza
Stage manager Alexis Escuza Canayo 

A golpe de tierra (To the beat of earth) is rhythm, magic, dance, music and Afro-Peruvian Theater in one single show. As the Peruvian cajon is the protagonist of this staging, the aim of this concert is bringing to the world the great African influence that Peru has received since black slavery reached its shores, thus transforming the dance and rhythm in the region. This interactive show allows the viewer to become part of a great celebration of rhythm, where the barrier between the stage and the chair is broken. Take the plunge and touch culture!

Maria Del Carmen Dongo is the ambassador and major promoter of the Peruvian cajon all over the world. 25 years ago, the cajon became the primary means of expression in her international career as a percussionist. In between tours and workshops in 2001, the artist decided to leave the sought-after stages on which she performed together with renowned artists, so as to undertake the rescue and cultural diffusion of this instrument original from Peru. She succeeded in her campaign with the proclamation of the Cajon as Cultural Patrimony of the Nation by the National Institute of Culture of Peru and mobilizing an army of cajoneros who today spread the richness of this Peruvian symbol.

Manomadera emerged 12 years ago as the first percussion group in Peru. Manomadera: hands beating and bodies dancing on wood. This group is directed by MariaDel Carmen Dongo, who made ​​the Peruvian cajon available to the contemporary Afro-Peruvian music. Manomadera is composed of drummers, singers and dancers; all these artists bring rhythm to the audience so that they enjoy the taste and kimba of Afro-Peruvian music, while they are taught how to beat a Cajon as the artists perform dances from the Peruvian coast. The group has 30 active members.

Knock on wood

Behind the cultural crusade for rescuing of the Peruvian Cajon, there is a little known crossing. MariaDel Carmen Dongo, the percussionist who led this journey evokes some passages to the beats a cajonero produces: silence, counterpoint and chime. This is a prelude to the Day of the Creole Song.

Silence

In certain struggles for identity, there are illegitimate children. MariaDel Carmen Dongo often states that the campaign to recover the Cajon, which she started in 2001, was, precisely, a way of ‘forcing the State to recognize the Peruvian paternity of the instrument, so as to give it its real name’.  In other words, the aim was getting the Peruvian Cajon a birth certificate.

«It was not easy. There was much complicit silence. Few people wanted to engage in litigation by reporting that in Spain and the rest of the world they were marketing our Cajon as a Cajon flamenco”, she insists amid the hustle and bustle of her concert of October 31, with which she plans to close this first stage of five years of ongoing work.

Had I not joined her in her work of cultural diffusion, I would have believed she exaggerates. But she does not. I remember once, in the summer of 2001, we (very naively I think) reached the gates of Indecopi to find out the possibility of obtaining a patent that recognized the Peruvian origin of the Cajon. That morning, we learned that an instrument conceived as a product of the collective creation of a country could not be registered at Indecopi, that original patents do not exist and that they are granted to the individual who creates the object, not the whole nation.

A few days before the visit to Indecopi, Maria del Carmen presented herself before the Committee on Culture of the Peruvian Congress to tell our congressmen the importance of legally recognizing the Cajon as Peruvian: accompanied by Octavio Santa Cruz’ guitar, she played the famous piece

“Cuatro tiempos jóvenes negros” de by Felix Casaverde, a musical journey through all the rhythms of our coast: Vals, zamacueca, marinera, lando and festejo.

She spoke through the deep basses of wood, the brightness of the treble and also with silences. «When I finished playing, everyone applauded, but was told that it was impossible to bring forward a law to recognize the origin of the Cajon» she now recalls.

However, the first months of the campaign yielded a solid first result: in August 2001, the National Institute of Culture declared the Peruvian Cajon Cultural Heritage of the Nation, with the support of Luis Repetto.

Counterpoint

«On a stage, counterpoint means challenge and dialogue between the musicians. In other words, it means: This is us, what we have agreed upon and agree and this is how we sound together » says Maria Del Carmen. The figure serves to indicate that there was consensus in the campaign, but also resistance of some musical brotherhoods.

«I was criticized for calling young musicians, who were neither black nor women, to the stage. I wondered how it was possible that some people argued that only a black can tap the Cajon in a multiracial country. I decided to swim against the current”. Her group Manomadera, which was formed in October 2001, is the greatest proof of this diversity. Men and women; blacks, whites, Creoles, cholos. As Cynthia Galicia, a Mexican that accompanies her in this task on and offstage, I am one of the members of this group of different colors and sounds. And in that mix, I say, there is a powerful way to feel the music.

All in all, Dongo and the group were summoned by Promperú to represent the country, first in Brazil and then in Spain, at the famed Fitur tourism festival which opened with a Cajon chime to the Kings of Spain.

Mano Madera’s Visit wowed Madrid media. «Tell us, how is it that the cajon is Peruvian?  The reporters asked. Then Maria Del Carmen began to state that «it was Paco de Lucia the one who after visiting Lima in the 70s, took the cajon to Spain and incorporated it into flamenco «.

Chime

In the five years of campaigning, Dongo has taught the art of the Cajon a thousand people, including children, youth, adults and seniors. The figure is surprising, but much more is the capacity of the percussionist to make it possible that even deaf-mute people play the instrument. This happened two years ago, when the Association of the Deaf convened her to prepare a Christmas performance by members of the institution. Thanks to her training as a music therapist, the drummer knew she should appeal to vibration, in a small place surrounded by glass, so that her new students felt the rhythm of the Cajon. «Some of them grasped the rhythmic pattern, others did not. Then I asked them to stand up, line up, and bow down their trunk forward. And then I started playing on their backs so that they could feel the ringing of the Alcatraz with the vibration of the ribcage. They learned after two rehearsals » She says.

From the consolidation of Cajon campaign, the percussionist began to explore other dimensions. One of them has been to use the Cajon in psychotherapeutic interventions with a technique called «rhythm therapy». After five years of work, Maria Del Carmen Dongo and Mano Madera seek to move the slogan «the Cajon is from Peru» to a different proposal, in which the sound potential of the instrument is highlighted. A sound not only for the rhythms of the coast, but also for the sierra and the forests.

Milagros Salazar –La Republica Journal (Diario La Republica, Peru)

Director, author and leading performer MariaDel Carmen Dongo
Manomadera Artists Jorge Garrido Leturia, Rocío Nicasio Aban, Jorge Enrique Garrido Martínez, Dangelo Baluarte Benavides, Olga Gallardo Aban, James Cueto Natteri, Graciela Barrera Huapaya, Teo Alejandro Bazul Pantoja
General production and management Cynthia Galicia Belaunzarán
Sound engineer Roberto Escobar Rivero
Stage and Lightning Technician Rodrigo Delgado Escuza
Stage manager Alexis Escuza Canayo 

Taller: Golpe a guerra: danza afro-peruana
Taller: A golpe de guerra: cajón peruano 

Espectáculo realizado con una plataforma LED única en el mundo. Suspendida a más de 50 metros de altura y en constante movimiento, la plataforma emite imágenes de video y efectos 3D en pleno vuelo, mientras se traslada y gira en el aire. Los actores realizan sus coreografías vestidos con trajes de LED y sensores de movimiento, convirtiendo a AirTVShow en un espectáculo difícil de olvidar. 

Horacio Olano es un especializado bailarín aéreo. Inició su formación el año 2000 en la escuela de Brenda Angiel y continuó con trabajos independientes de experimentación aérea en distintos sitios de Buenos Aires. Es fundador de la primera escuela de danza aérea de Madrid, donde ha dictado seminarios especiales a bailarines, actores y artistas relacionados con actividades circenses. Ha impartido, también, cursos en Alemania y Argentina. Actualmente dirige Élevé Danza, su propia compañía de danza aérea, con espectáculos especialmente concebidos para realizarse a grandes alturas. 

Élevé danza es un proyecto creativo que busca desafiar los límites con una actividad que tuerce la gravedad. Todos buscamos eludir la rutina. Sorprendernos y sorprender, desafiarnos y desafiar, transmitir y emocionar. Encontrar territorios distintos en los que estar cada día. Involucrarnos. Torcer la gravedad. Así nace Élevé: de un proyecto desafiante que invita a soñar.

Bailarines y actores formados por la compañía se embarcan en un proyecto creativo que persigue nuevas dimensiones. Este equipo se une para formar la primera y única compañía de danza aérea argentina dedicada a realizar espectáculos de gran formato sobre fachadas de edificios y otras plataformas.

Éleve transforma así cielos y edificios en gigantescos y elevados escenarios verticales a través de los cuales busca involucrar y sensibilizar al espectador con movimientos que trasmiten potencia, energía y pasión a través un idioma de impacto y poesía.

La iluminación y el sonido acompañan cada uno de los pasos dados sobre cada edificio, generando un clima que atrapa y transporta. Técnicos aéreos de reconocida trayectoria a nivel nacional e internacional están a cargo del montaje y seguridad de cada espectáculo. Todo el material utilizado por Élevé está homologado y cumple con las normas de seguridad vigentes en la actualidad. 

Quiero que bailes sin suelo

Con base en Río Negro, esta compañía de baile en alturas le pasa el lustre a las fachadas de los edificios: a más de 60 metros del piso, sus performances dejan sin aliento al público.

Desde el mar, se ven como miniaturas en movimientos sincronizados, frente al acantilado de El Chocón. A 60 metros de altura sobre el agua, la compañía de danza Elevé llena el aire con sus coreografiás voladoras. Y esa fue sólo una de las hazañas de este ballet que, con la conducción del rionegrino Horacio Olano, plantea cada espectáculo como un desafío. Recientemente volaron sobre una multitud en La Plata, donde también hicieron presentaciones en el Estadio Unico, y hace poco decoraron la fachada de Titanium, la torre chilena de 200 metros, actualmente la más alta de Sudamérica.

Rebobinemos hasta el origen del grupo: “En 2009 decidí volver de Madrid, después de una temporada en Europa. Allá comencé a delinear el proyecto, y decidí que mi lugar en el mundo era Argentina”, cuenta. Olano (31 años) no se ancló en Buenos Aires, sino que volvió a su ciudad natal. “El primer espectáculo fue en Cipoletti, y la idea era que la gente de la región conozca la disciplina. Actualmente entrenamos a futuros bailarines y algunos chicos que se formaron en la escuela ya participan de los espectáculos”.

Los bailarines convocados son algunos ex De la Guarda y otros actuales de Fuerza Bruta. ¿Y cómo se diferencian del trabajo de esos grupos? “El sello de Elevé está en el vértigo y en la altura. Buscamos que los bailarines estén bien lejos de la tierra. Eso genera un clima especial. Los movimientos son más audaces que a pocos metros del piso”, asegura.

Con Mariana Sturla como mano derecha en la dirección, conducen a 15 bailarines (más un equipo técnico que prioriza la seguridad) y un team de músicos que componen especialmente para cada función. Porque aunque tienen planteados dos espectáculos: Fuera de órbita y Furia de los elementos, “siempre generamos un guión y una propuesta en función de lo que se quiere presentar”. La tecnología también ayuda a levantar vuelo: usan vestuario con leds y proyecciones con mapping. “Para contar una historia a 60 metros de altura, necesitás sumar elementos”. Con próximas escalas en Bariloche y un puente en Neuquén, Elevé juega con emociones fuertes. “Al estar acostumbrados, no sufrimos vértigo. Estar arriba es lo que más disfrutamos. La sensación primaria es de alegría y sorpresa”.

Mariano del Águila – Diario Clarín, Sumplemento Si! (Argentina)

Dirección Horacio Olano
Asistencia de dirección Mariana Sturla y Eugenia Dimarco
Actores Florencia Reeves, María de los Ángeles Nieto, Rolando Velázquez, Cecilia Gómez, María Eugenia Schilling, Mariana Sturla, Eugenia Dimarco, Agustín Julián Álvarez, Juan Pablo Sierra, Jonatan Nastar, Juan José Veppo, Horacio Olano
Músicos Matías Ceppi y Luciano Campodonico
Vestuario Flavia Ferreyra
Diseño de iluminación Esteban Hernández
Técnico Santiago Castello, Diego Weinschelbaum, Franco Cabrera
Stage manager Simón Dimotta
Sonido Luciano Campodonico
Proyección y software interactivo José Jiménez
Productor Horacio Olano

Taller: danza vertical para adultos
Taller: danza vertical para niños

This show is performed with a one-of-a-kind LED platform. Being suspended at more than 50 meters high and constantly moving, the platform shows mid-air video pictures and 3D effects, while moving and rotating in the air. The actors perform their choreography dressed in LED costumes with motion sensors, thus turning AirTVShow into an unforgettable show.

Horacio Olano is a specialized aerial dancer. He began his training in 2000 at the school of Brenda Angiel and continued with independent and exploratory aerial projects at various sites of Buenos Aires. He founded the first school of aerial dance in Madrid, where he has lectured special seminars to dancers, actors and artists related to circus arts. He has also taught courses in Germany and Argentina. Horacio Elano is the current director of Élevé Danza, his own aerial dance company, producing shows specially designed to be performed at heights.

Elevé Danza is a creative project that is aimed to challenge the limits by twisting the notion of gravity. We all seek to avoid the routine trap. We want to be amazed and amaze others, challenge ourselves and challenge others, express and arouse emotions in others. We seek to find new territories to be every day. We want to get involved with one another, twisting gravity. Thus Élevé was born: a challenging project that invites you to dream.

Dancers and actors who have been trained by the company embark on a creative project that pursues new dimensions. This team gathers so as to form the first and only aerial dance company in Argentina, which is devoted to perform large-scale shows on building facades and other platforms.

Thus, Élevéturns the skies and buildings into giant and high vertical stages through which they seek to involve and sensitize the viewer with movements that convey power, energy and passion through poetry and high- impact language.

The lighting and sound accompany each of the dance moves on each building, thus generating an atmosphere that enthralls and enraptures. Renowned aerial technicians who are highly regarded both at nationally and internationally are in charge of the installation and safety of each show. All supplies used by Élevé are approved and meets the current safety standards.

I want you to dance with no floor under

Based on Rio Negro, this aerial dance company polishes the buildings’ facades more than 60 feet above the ground, thus capturing the viewer’s attention with their breathtaking performances.

Viewed from the sea, they look like miniatures dancing with synchronized movements against the Chocón cliff. 60 meters above the sea, the dance company Elevé fills the air with their flying dance choreographies. And that is just one of the achievements of this ballet which, led by Horacio Olano, poses each show as a challenge. The recently flew over a crowd in La Plata, where they also performed at Estadio Unice, and they have only just decorated the facade of the Titanium, the 200-meter Chilean building which is currently the tallest in South America.

Let us go back to the origin of the group: «In 2009 I decided to return to Madrid, after a season in Europe. A soon as I got there I began to outline the project and, in doing so, I realized Argentina was my place in the world. » he says. Olano (31 years old) is not settled in Buenos Aires, but it turned into his hometown. «The first show was at Cipoletti, and the idea was that people from the region became familiar with our art. We are currently training future dancers; some guys that were formed in our school are already performing in the shows. »

The dancers invited to take part in the project are some former members of De la Guarda company together with some other current members from Fuerza Bruta. And how does the work of these groups differ from each other? «Elevé’s signature is both vertigo and height. We want the dancers to be well detached from land. That creates a special atmosphere. When in midair, movements become bolder than a few feet off the ground,»  he says.

With Mariana Sturla as his right-hand woman in the direction, together they lead 15 dancers (plus a technical team that prioritizes safety) and a team of musicians who compose music especially for each function. Although they have two other shows intended: Fuera de Orbita (Out of Orbit) and Furia de los Elementos (Fury of the elements), «we always create a script and a proposal based on what we want to present.» Technology also enables them to take flight: they wear LED clothing with mapping projections. «To tell a story at 60 meters high, you need to add elements.» With upcoming stopovers in Bariloche and a bridge in Neuquén, Élevéplays with strong emotions. «As we are used to it, we do not suffer from vertigo. Being up there is what we enjoy the most. The primary feeling is one of joy and surprise. »

Mariano del Águila – Diario Clarín, Sumplemento Si! (Argentina)  

Director Horacio Olano
Assistant Director Mariana Sturla y Eugenia Dimarco
Performers Florencia Reeves, María de los Ángeles Nieto, Rolando Velázquez, Cecilia Gómez, María Eugenia Schilling, Mariana Sturla, Eugenia Dimarco, Agustín Julián Álvarez, Juan Pablo Sierra, Jonatan Nastar, Juan José Veppo, Horacio Olano
Musicians Matías Ceppi y Luciano Campodonico
Wardrobe Flavia Ferreyra
Lightning Design Esteban Hernández
Technician Santiago Castello, Diego Weinschelbaum, Franco Cabrera
Stage Manager Simón Dimotta
Sound LucianoCampodonico
Interactive Software Projection José Jiménez
Producer Horacio Olano 

Taller: danza vertical para adultos
Taller: danza vertical para niños 

La ópera tradicional china, o jingju, Hamlet (La venganza del Príncipe Zi Dan) es una adaptación de una de las obras más famosas de Shakespeare. La historia se sitúa en el Reino de la Ciudad Roja, un estado imaginario de tiempos antiguos. Inmediatamente después de la repentina muerte del rey Yong Bo, su joven hermano Yong Shu se casa con la reina Jiang Rong, su “en ocasiones” hermana, y así asciende al trono. Entonces, Zi Dan, el príncipe, se entera mediante el fantasma de su fallecido padre que fue su hermano quien lo asesinó y sedujo a su madre. Se desilusiona completamente de la realidad. Reflexiones sobre el pecado y la existencia lo arrojan a un abismo de creciente perplejidad.

Como una adaptación de la tragedia, la obra funde técnicas teatrales de Oriente y Occidente, tendiendo un diálogo entre las dos grandes culturas. Hamlet (La venganza del Príncipe Zi Dan) se esfuerza por convertir una obra de otra cultura en una obra jingju. La puesta en escena se apega fielmente a las reglas de la estética teatral china, famosa por su representación concisa pero llena de significados. Por otra parte, la obra explora los alcances de las técnicas actorales. Los personajes realizan sus escenas con los clásicos movimientos elegantes, dando paso a una economía poética, la elusión y la exactitud.

Shi Yukun, se formó como actor marcial y hoy es el principal director de la Jiangsu Jingju Company. Ha dirigido numerosas espectáculos de las óperas de Pekín, Kunqu y Yueju. Shi Yukun se maneja en todos los ámbitos de la Ópera de Pekín, capta el alma de su estética y busca nuevas formas para expresar los temas de las obras. A pesar de fundarse en la estética tradicional china, sus trabajos contienen elementos modernos que se ajustan el gusto del público actual, fundiendo tradición y creación.

La Shanghai Jingju Company es una de las más prominentes compañías de China dedicadas a la ópera de Pekín. Fue creada en 1955, emergiendo del Donghua Experimental Peking Opera Group y el People Peking Opera Group, subordinados al Ministerio de Propaganda de Shanghai. Durante más de medio siglo, alimentada por una especial atmósfera humanista, la Shanghai Jingju Company ha forjado un estilo único y se ha posicionado como una compañía de primer nivel con grandes talentos y numerosas producciones. Hoy, no sólo continúan con el espíritu original de la ópera de Pekín, intentando combinar modernidad y tradición. Su trabajo se ha centrado en desarrollar textos, formar talentos y popularizar el género de la ópera de Pekín. Con más de 300 integrantes, dos elencos y dos escenarios, el grupo tiene un sistema de creación, producción, interpretación y promoción de sus espectáculos en todo el mundo.

Director Shi Yukun
Director musical Sun Chongliang
Actores Fu Xiru, Chen Yu, Zhu Heji, Gu Dianju, Liu Tao, Yin Yuzhong, Wang Dun, Guo Ruiyue, Zhao Huan, Geng Lu, Guo Shiming, Li Xiaoyang, Gu Liang, Cao Jin, Zhu Zhongyong, Wang Guojian, Zhou Chunguang
Músicos Zhou Xiaoming, Liu Shu, Mao Shiming, Shen Meigao, Zhang Jie, Zou Shuangjie, Liu Lei, Wang Jiaqing, Du Minming, Hu Liang
Sonidista Cheng Lin
Vestuario Zhou Zhonggen, Chen Qingyi, Wu Yue, Cui Genfa
Maquillaje Shen Jinnan
Técnicos Sun Hao, Zhu Jizhang
Subtítulos Zhang Lihua 

Taller La estética de la ópera china

Newly edited Jingju The Revenge of Prince Zi Dan, is adapted from one of the most famous Shakespearean plays, Hamlet. The story is set in the Realm of Red City, a fictitious state in ancient times. Immediately after the sudden death of the king Yong Bo, his younger brother Yong Shu marries the queen Jiang Rong, his “sometime sister” and ascends the throne. Then Zi Dan, the prince, learns from the ghost of his late father that it was his uncle who murdered his father and seduced his mother. So he becomes utterly disillusioned with reality. Meditations on sins and existence throw him into the abyss of growing perplexity.

As an adaptation from the Bardic tragedy, the play blends the Eastern and the Western theatrical features and makes a dialogue between the great cultures of the Orient and the Occident. The Revenge of Prince Zi Dan is a serious attempt to convert a foreign play to a Jingju play. The stage presentation strictly follows the rules of Chinese dramatic aesthetics, which is famous for its succinct yet meaningful depiction and resemblance. Besides, the play further explores the capacity of traditional performing skills. Characters enact their scenes with classical graceful movements. Thus a style of poetical economy, elusiveness and exactness is “born”.

Shi Yukun, the first class director in Jiangsu Jingju Company, who once was the martial actor of Peking Opera. He directed many plays such as modern Peking Opera Camel Xiang Zi, new adapted play the Poem for Goddess Luo and some other Kunqu Opera and Yueju Opera. Shi Yukun knows all kinds of producing ways of Peking Opera, grasps the soul of performing aesthetics, and is good at exploiting new way to express the theme of a play. What he directed inherited formalized drama system, but was not limited by it. Based on traditional Peking Opera, his works adopted some modern ways to fit today’s audiences’ taste, with both tradition and creation.

As a prominent art company in China, Shanghai Peking Opera Troupe, established in March 1955 on the basis of Donghua Experimental Peking Opera Group and People Peking Opera Group, subordinate to CPC Shanghai Ministry of Propaganda, is one of ten national key Peking opera troupes entitled by China Ministry of Culture. For more than half the century, fed by the special humanistic atmosphere, Shanghai Peking Opera Troupe has formed its unique art style and made itself a top culture troupe with a wealth of talents and numerous plays.

Nowadays, Shanghai Peking Opera Troupe not only inherits and follows traditional spirits of Peking Opera but also tries every means to combine modernity and tradition. We have been working on the development of scripts and talents. Besides, how to popularize Peking Opera and develop larger performance market is our focus. With more than 300 staff, two performing groups, Tianchan Peking Opera Center and Tianchan Yifu Stage, our troupe has formed a set of managing and operating system. Creating, producing, performing and promoting, a standardized team is on the way. Giving performances frequently abroad as well as home, Shanghai Peking Opera Troupe spreads culture and friendship all over the world.

Director Shi Yukun
Leader Sun Chongliang
Actors Fu Xiru, Chen Yu, Zhu Heji, Gu Dianju, Liu Tao, Yin Yuzhong, Wang Dun, Guo Ruiyue, Zhao Huan, Geng Lu, Guo Shiming, Li Xiaoyang, Gu Liang, Cao Jin, Zhu Zhongyong, Wang Guojian, Zhou Chunguang
Musicians Zhou Xiaoming, Liu Shu, Mao Shiming, Shen Meigao, Zhang Jie, Zou Shuangjie, Liu Lei, Wang Jiaqing, Du Minming, Hu Liang
Soundman Cheng Lin
Costume Zhou Zhonggen, Chen Qingyi, Wu Yue, Cui Genfa
Makeup Shen Jinnan
Technicians Sun Hao, Zhu Jizhang
Subtitle Zhang Lihua 

Taller La estética de la ópera china 

Curioso título el de Tala, que hace referencia a la tala de artistas. Y esto no sólo en sentido  metafórico sino también en el literal. Artistas comprados-talados por el Estado-sociedad. Una cena artística después de un entierro. Una cena artística en honor de un actor vivo y reconocido, como continuación de un entierro de una actriz muerta y fracasada, Joana.

En Tala, aunque toda la acción se localiza desde y alrededor de un sillón de orejas donde hay un hombre sentado que recuerda y piensa en voz alta, se convocan otros espacios: calles, La mano de hierro, antiguos pisos de los Auersberger, la actual casa de los Auersberger. Ese sillón de orejas es un punto de observación presente e histórico desde el que se desmiembra, se radiografía, se padece la sociedad vienesa, la sociedad en general, las apariencias que esas sociedades imponen hasta el punto de transformar lo humano en mera máscara, carne muerta como esa lucioperca servida en la madrugada, que inevitablemente ya estará echada a perder.

La suicida Joana. El entierro. La espera. Las alusiones a El pato salvaje como paradigma del gran teatro. La cena. La huida. Para escribir enseguida e inmediatamente sobre esa cena artística de la Gentzgasse, inmediatamente, pensaba, enseguida una y otra vez, corriendo por el centro de la ciudad, enseguida e inmediatamente y enseguida y enseguida, antes de que sea demasiado tarde.

Juan Navarro trabaja entre 2001 y 2011 con La Carnicería Teatro, con dirección de Rodrigo García, en los espectáculos teatrales A veces me siento tan cansado que hago estas cosas (Festival de Sitges, 2000); La historia de Ronald, el payaso de McDonald’s (Citemor, Portugal 2002); Agamenon (Gibelina, Sicilia 2003); 2186 (Festival Drodessera, Italia 2007); Muerte y reencarnación en un cowboy (TNB, Teatro Nacional de Bretaña, Francia, 2009) y Las siete últimas palabras de Cristo en la cruz (Centro Dramático Nacional, Madrid, 2011). Con Marta Galán interpreta Protégeme, Instrúyeme (Teatre Lliure, 2008). Con General Eléctrica, bajo la dirección Roger Bernat, actúa en Flors (Festival Grec 2000); Que algú em tapi la boca (Teatre Nacional de Catalunya 2001); Trilogía 70 (Festival Grec 2001); Bona gent (Mercat de les Flors 2003); Bones intencions (Teatre Lliure 2003); La La La La La (Teatre Lliure y Mercat de les Flors 2004). En el Teatro Romea estrena Bodas de sangre, del director Ferrán Madico (2001). Con La Fura dels Baus ha trabajado en los espectáculos Suz o Suz (1990); Tier Mon (1990); Noun (1991); Manes (1996, dirección de actores) y Ombra (1998). En el Centro Andaluz de Teatro ha participado en Fausto, con dirección de Sara Molina. Ha trabajado también con el Dance Lab de Copenhague, con la directora Anita Saij, en los espectáculos Edipo Rey (1995) e Inferno (1996).

Como director, Navarro es responsable de Radio Carburante (1994); Miedo al silencio (Strassenbahndepot de Berlín, 1996); Fiestas populares (Mercat de les Flors 2005); Agrio beso (Sala Apolo, Barcelona 2007); Hobby (Festival Mapa, Gerona 2007); El impossible (Fanc Festival, Gerona 2008); Dark figurantes (proyecto, La Corporació, Nau Ivanov, Barcelona 2009); Baby (Teatro Luis Peraza, Caracas, Venezuela 2010); Nancy Spungen, no solo quiero que me odien (Teatre Antic, Barcelona 2011).

Ha participado en los largometrajes Go for Gold (dir. Lucian Segura, prod. Wim Wenders, 1996); Remake (dir. Roger Gual, 2006); Pretextos (dir. Silvia Munt, 2007); Rivales (dir. Fernando Colomo, 2007); El truco del manco (dir. Santiago Zannou, 2008).

Juan Navarro y el argentino Gonzalo Cunill comparten una mirada común sobre el modo de entender la escena. Ambos se han forjado un nombre propio y singular dentro del panorama del teatro europeo contemporáneo desde sus primeras andanzas en la década de 1990. Ambos artistas se encuentran por primera vez en Madrid en 2001 tras una representación de La historia de Ronald, el payaso de McDonald’s de La Carnicería Teatro. Este primer acercamiento desemboca en una larga relación de amistad y colaboración sobre las tablas. Su primer trabajo de creación colectiva, Fiestas populares, vio la luz en 2005 en el Mercat de les Flors de Barcelona. Paralelamente, Navarro y Cunill continúan coincidiendo en proyectos con directores como Rodrigo García, siendo el último de ellos Gòlgota Picnic, estrenado en el Centro Dramático Nacional en enero de 2011.

Gonzalo Cunill ha participado en decenas de producciones teatrales, entre ellas, Madre Coraje y sus hijos, de Bertolt Brecht, y Cruel y tierno, dirigida por Javier Yagüe. Sobre las tablas, ha trabajado con directores de la talla de Jan Lauwers, Rodrigo García, Joan Ollé, Carlota Subirós, Carlos Marquerie, Antonio Fernández Lera o Gerardo Vera.

Bernhard al desnudo

La sala Beckett presenta Tala, un impactante soliloquio que Thomas Bernhard ofrece desde un sillón de orejas. Con este texto el autor austríaco disecciona a la sociedad vienesa y sus apariencias sin dejar títere con cabeza.

Este trabajo de introspección llega ahora al barrio de Gracia de la mano del director Juan Navarro y el intérprete Gonzalo Cunill. Juntos suben a escena un duelo personal que refleja a la perfección el mundillo cultural en el que se movía el genial Bernhard. El texto se sustenta sobre dos ejes: el primero es el entorno de gente que rodea al autor y el segundo es la muerte de una gran amiga suya, Joana, que le hace remover sus sentimientos. ‘También hay una gran autocrítica –destaca Gonzalo Cunill- porque él también pertenecía a ese círculo social que tanto despreciaba’.

Tala hace referencia a la tala de artistas y viaja a una velada inolvidable para el propio Bernhard. ‘El texto narra un día en el que coinciden el entierro de su íntima amiga y una cena de artistas en homenaje a un actor vivo, dos convocatorias completamente opuestas que le provocan una catarsis –subraya Cunill-. Los sentimientos corren a flor de piel en este choque entre el festejo y la muerte de su amiga’. Pero Tala va más allá que una simple crisis, en este soliloquio revela cómo ha perdido la espontaneidad y e ha vuelto como el resto de intelectuales. ‘En ese momento decide que todo está institucionalizado y que ya ha perdido el frescor de la creatividad’.

Gonzalo Cunill y Juan Navarro querían conocer de cerca los lugares donde se inspiró el dramaturgo y novelista austríaco y decidieron viajar a conocer la tumba de su amiga Joana. ‘Recorrimos los mismo kilómetros que recorrió Bernhard para intentar entender su desasosiego’, explican.

María Güell – Periódico ABC

Creación y dirección Juan Navarro
Creación e interpretación Gonzalo Cunill
Traducción Miguel Sáenz
Adaptación de la novela Antonio Fernández Lera y Gonzalo Cunill
Diseño de iluminación y dirección técnica Ferdy Esparza
Audiovisuales Toni Roura
Producción gira Nadala Fernández
Producción ejecutiva Eteri Producció i gestió
Subvencionado por Festival Temporada Alta, Girona 2011 y CONCA
Con la ayuda de Institut Ramon Llull
Con la colaboración de Antic Teatre y L ́Animal a la esquena 

A curious title this one of Tala, which refers to the clearing of artists. And not just metaphorically but also literally speaking. Artists bought – cut by the state-society. An «artsy» dinner after a funeral. An «artsy» dinner to honor a «renowned and living» actor, as the continuation of the burial of Joana a dead and failed actress.

In Tala, although all the action is located from and around a wing chair where a man sits while recollecting and thinking aloud, other spaces are called upon:  the streets, «The Iron Hand» (La mano de hierro), the old floors of the Auersberger, the current Auersberger house. This wing chair stands for a present and historical point of observation from which Viennese society –and society in general- is dismembered, X-rayed, and endured. These societies impose appearances to the point of transforming humans into mere masks, dead flesh as the walleye served in the morning, which will inevitably be decayed.

Suicidal Joana. The burial. The waiting. The allusions to The Wild Duck as a paradigm of «fine theater”. The dinner. The flight. So as to write «immediately afterwards on that artsy dinner of Gentzgasse, I immediately thought, once and again, running through the city center, and then again and again and right away, before it’s too late.» DIRECTOR

Between 2001 and 2011, Juan Navarro works with La Carniceria Teatro (The Butcher’s Theater), directed by Rodrigo Garcia, in the theatrical performances A veces me siento tan cansado que hago estas cosas (Sometimes I feel so tired that I do these things) (Sitges Festival, 2000) La historia de Ronald, el payaso de McDonald’s (The story of Ronald, McDonald’s clown) (Citemor, Portugal 2002), Agamemnon (Ghibelline, Sicily 2003), 2186 (Drodessera Festival, Italy 2007), Muerte y reencarnación en un cowboy (Death and reincarnation in a cowboy) (TNB, National Theatre of Britain, France, 2009) and Las siete últimas palabras de Cristo en la cruz (the Seven Last Words of Christ on the cross) (National Drama Centre, Madrid, 2011). Together with Marta Galan he performs Protégeme, Instrúyeme (Protect me, Instruct me) (Lliure, 2008). Additionally, with the company General Electrica under the direction of Roger Bernat, Navarro acts in Flors (Festival Grec 2000); Que algú em tapi la boca (Teatre Nacional de Catalunya 2001) Trilogia 70 (Trilogy 70) (Festival Grec 2001) Bona gent (Mercat de les Flors 2003), Bones intencions (Lliure 2003) La La La La La (Lliure and Mercat de les Flors 2004). He premiered Bodas de sangre (Blood Wedding) at the Teatro Romea, directed by Ferran Madico (2001). With Fura dels Baus he has worked on the performances Suz o Suz (1990), Tier Mon (1990) Noun (1991), Manes (1996, directing actors) and Ombra (1998). In the Centro Andaluz de Teatro he participated in Fausto, directed by Sara Molina.

He has also worked with the Dance Lab in Copenhagen with director Anita Shaykh, in the shows Oedipus Rex (1995) and Inferno (1996).

As a director Navarro is responsible for Radio Carburante (1994), Miedo al Silencio (Fear of Silence) (Strassenbahndepot Berlin, 1996), Fiestas populares (Festivals) (Mercat de les Flors 2005); Agrio beso (Sour Kiss) (Sala Apolo, Barcelona 2007) Hobby (Festival Mapa, Girona 2007), The Impossible (Fanc Festival, Girona 2008) Dark figurantes (Dark extras) (project, The Corporació Nau Ivanov, Barcelona 2009) Baby (Teatro Luis Peraza, Caracas, Venezuela 2010 ), Nancy Spungen, no solo quiero que me odien (Antic Teatre, Barcelona 2011).

He has participated in the films Go for Gold (directed by Lucian Segura and produce by Wim Wenders, 1996) Remake (directed by Roger Gual, 2006) Pretextos (Excuses) (directed by Silvia Munt, 2007), Rivals (directed by Fernando Colomo, 2007) and El truco del manco (directed by Zannou Santiago, 2008).

Juan Navarro and Argentinian Gonzalo Cunill share a common view on how to understand the scene. Both have made a unique name for themselves in the contemporary European theater scenario since their early adventures in the 1990s. Both artists met for the first time in Madrid in 2001, after a performance of La historia de Ronald, el payaso de McDonald’s by La Carniceria Teatro. This first approach leads to a bond of friendship and cooperation on the theater boards.

Their first work of collective creation, Fiestas Populares, was born in 2005 in the Mercat de les Flors Barcelona. Meanwhile, Navarro and Cunill continue working jointly on projects with directors like Rodrigo Garcia, the last of them Golgotha ​​Picnic, premiered at the National Drama Centre in January 2011.

Gonzalo Cunill has participated in dozens of theatrical productions, including Mother Courage and her Children by Bertolt Brecht and Cruel y tierno, directed by Javier Yague. On stage, he has worked with renowned directors such as Jan Lauwers, Rodrigo García, Joan Ollé, Carlota Subirós, Carlos Marquerie, Antonio Fernández Lera or Gerardo Vera.

Bernhard in the nude

The Beckett room presents Tala, a compelling soliloquy Thomas Bernhard offers from a wing chair. With this work, the Austrian author dissects Viennese society and their appearances, thus sparing nobody.

This work of introspection now reaches the neighborhood of Gracia with director Juan Navarro and performer Gonzalo Cunill. Together they stage a personal duel that perfectly reflects the cultural scene in which the great Bernhard moved around. The text is grounded on two pillars: the first is the environment of people surrounding the author and the second is the death of his great friend, Joana, which convolutes his feelings. ‘There is also a great deal of self-criticism- highlights Gonzalo Cunill – because he was also part of that social circle he despised so much”.

Tala refers to the clearing of artists -as if they were trees- and goes back to an unforgettable evening for Bernhard himself. ‘The text recounts a day in which the funeral of his close friend matches an artist dinner in honor of a living actor; two completely opposite events that roused his catharsis- Cunill stresses. Feelings are at the surface in this clash between the celebration and the death of his friend. ‘Yet Tala goes beyond a simple crisis; in this soliloquy, he reveals how has lost spontaneity, thus becoming a plain intellectual like all the rest.’ At that moment he reckons that everything is institutionalized and has lost the freshness of creativity ‘.

Gonzalo Cunill and Juan Navarro wanted to learn about the places where the Austrian playwright and novelist got his inspiration from, so they decided to travel and find the grave of his friend Joana. ‘We walked the same miles Bernhard walked through in an attempt to better understand his unease’ they explain.

María Güell – Periodico ABC

Creation and Direction Juan Navarro
Creation and Performance Gonzalo Cunill
Translation Miguel Sáenz
Novel Adaptation by Antonio Fernández Lera y Gonzalo Cunill
Lightning design and technical Director Ferdy Esparza
Audiovisual Toni Roura
Tour Producer Nadala Fernández
Executive Producer Eteri Producció i gestió
Funded by Festival Temporada Alta, Girona 2011 y CONCA
With the support of Institut Ramon Llull
In Collaboration with Antic Teatre y L ́Animal a la esque

El director letón Alvis Hermanis se inspiró en las historias del ruso Vasily Shukshin para crear una atmósfera donde se cruza su poética visión del mundo rural con las brillantes actuaciones de un elenco joven proveniente de Moscú. Pelean, beben alcohol, aman apasionadamente: los personajes de Shukshin son simples, directos, genuinos, muy “rusos”. Hermanis se unió a la artista Monika Pormale para viajar a Srostki, pueblo montañés en la frontera con Kazakhstan, donde nació Shukshin, y fotografíaron a sus habitantes. Esos retratos, impresos a gran escala, se transformaron el telón de fondo de la obra. El humor de Shukshin’s stories es internacional. No hay que ser ruso ni estar familiarizado con sus historias para reír y disfrutar sus anécdotas, su simplicidad y su sabiduría popular.

El montaje ha realizado extensas giras por Rusia y se ha presentado en los principales festivales europeos, incluyendo el Wiener Festwochen (Austria), el Teatrformen (Hannover, Alemania), el International Festival de Helsinki (Finlandia) y el Golden Mask en Baltia Riga (Letonia).

Alvis Hermanis (Riga, 1965) es director del prestigioso New Riga Theatre de Letonia. Su trabajo se centra en los actores por encima de las demás cosas. En 2012 la revista suiza Du hizo una encuesta entre expertos de teatro de 20 países y Hermanis figuró como una de las diez personalidades más influyentes en el teatro europeo de la última década.

Compañía State Theater of Nations
Dirección y escenografía Alvis Hermanis
Escenografía Monica Pormale
Dramaturgia Roman Dolzhanskiy
Diseño de vestuario Viktoria Sevryukova
Coreografía Nikolay Androsov
Diseño de sonido Pavel Akimkin
Diseño de iluminación Evgeny Vinogradov
Actores Evgeny Mironov, Chulpan Khamatova, Julia Svezhakova, Alexander Novin, Alexander Grishin, Dmitry Zhuravlev, Pavel Akimkin, Natalia Nozdrina 
Producción en gira Tatiana Kalinina 

Taller La composición dramática del sonido

It was Alvis Hermanis who originally conceived the idea of dramatizing the famous stories of Vasily Shukshin, the classic writer of the Soviet era. Hermanis has been called a “new humanist” in world theatre. One of the qualities that sets him apart as a director is the care with which he painstakingly observes the details of people’s daily lives, and that is true whether he is working with contemporary characters or characters originating in the past. Some have suggested that Hermanis creates a “documentary” theatre because of the utmost precision with which he observes and interprets the real worlds that he transforms and coaxes into theatre. He creates productions exclusively about what he knows and remembers.

In this sense, Russian audiences are at a distinct advantage for, having grown up with Hermanis more or less in the same country, they share many similar memories with him. On the other hand, Hermanis’s memory is unique. As rich as it is in minute detail, it never descends into a pointless nostalgia for the past, nor does it ever wallow in a vengeful rejection of the past. Hermanis has a highly developed sense of what is phony and contrived in theatre, and thus, what so often makes theatre old-fashioned and abhorrent to young audiences.

In «Shukshin’s Stories» Hermanis did not ask his actors to «imitate» Soviet country bumpkins from the 1970s. On the contrary, he encouraged them to be contemporary people who tell simple and touching human tales that might happen to anyone and could be accessible to all. Moreover, he was adamant about maintaining Shukshin’s original texts in an unadulterated form – the stories are played exactly as they were written.

The set design is a simultaneous mix of minimalism and high-tech. There is a wooden floor and a single row of wooden benches on which the actors sit. Behind them is a wall composed of photographs. Each of the ten stories included in the production has its own composition of portraits of real people which the well-known photographer Monica Pormale made during an expedition, on which the entire cast embarked to the Altai region in August of 2008.

«I had the sensation I was a violinist who was given the opportunity to play on instruments made by Stradivari and Guarneri,» Hermanis declared when asked about his cast, headed by Chulpan Khamatova and Yevgeny Mironov. In August the director and his actors also spent several days in Srostki, the Siberian village where Shukshin was born and grew up.

Alvis Hermanis (Riga, 1965) is a world-renowned director, the recipient of Europe’s highest theatre award, the Prize for New Theatrical Realities, and a Golden Mask, the Russian national theatre award. He has been the Artistic Director of the Jaunais Rigas Teatris (the New Riga Theatre) since 1997. His most famous productions, all of which became international hits, include Nikolai Gogol’s The Inspector General, Long Life (Hermanis’s own piece about seven elderly people); Tatyana Tolstaya’s Sonya and The Sound of Silence, based on the idea of a Simon and Garfunkel concert that never took place in 1968. Hermanis’s work is regularly invited to participate in all of the major European festivals, including those in Edinburgh and Avignon. In recent years Hermanis has toured to Moscow with several of his best productions, winning the respect and interest of critics and audiences alike. Shukshin’s Stories is Hermanis’s first production in Russia.

Theater State Theater of Nations
Director and set designer Alvis Hermanis
Set designer Monica Pormale
Chef dramaturg Roman Dolzhanskiy
Costume designer Viktoria Sevryukova
Choreography Nikolay Androsov
Sound design Pavel Akimkin
Light design Evgeny Vinogradov
Actors Evgeny Mironov, Chulpan Khamatova, Julia Svezhakova, Alexander Novin, Alexander Grishin, Dmitry Zhuravlev, Pavel Akimkin, Natalia Nozdrina
Tour producer Tatiana Kalinina

Taller La composición dramática del sonido 

La maldición sobre la casa de los Labdácidas es uno de los mitos centrales de la antigua Grecia y, por consecuencia, parte de los orígenes del teatro mismo. Los “tres grandes” autores de la tragedia griega –Sófocles, Esquilo y Eurípides- crearon obras sobre estas figuras míticas, en concreto, Edipo rey, en particular Edipo Rey, Los siete contra Tebas, Las fenicias y Antígona. Todas juntas cuentan la saga familiar de Edipo Rey, sus hijos rivales Eteocles y Polinices, y sus hijas Antígona e Ismene. Pero también cuentan la historia de la ciudad de Tebas, cuyo destino político está ligado a esta familia y su destino.

Patrones de disfuncionalidad y destrucción son recurrentes en esta saga sobre una familia poderosa en la cual la violencia engendra violencia, el poder crea un poder opuesto y el miedo alimenta el miedo. Incluso Creonte, el sabio líder y estadista que asume el poder una vez que la ola de muertes ha cesado, intenta compensar su presunta debilidad siendo excesivamente severo. Al hacerlo, destruye la propia ciudad que debiera proteger.

Esta nueva traducción del Deutsches Theater hace un recuento de la historia de Tebas y sus líderes en forma de trilogía. Este camino hacia la catástrofe en tres actos permite al público mirar más allá de los héroes trágicos para ver las interconexiones entre la humanidad, el poder y el mito.

Edipo – Ulrich Matthes
Creonte – Susanne Wolff
Yocasta – Barbara Schnitzler
Tiresias -Bernd Stempel
Antígona – Katharina Marie Schubert
Eteocles / Mensajero de Corinto – Elias Arens
Polinices / Pastor / Guardia – Moritz Grove
Meneceo / Hemón – Thorsten Hierse
Ismene / Asistente de Eteocles – Olivia Gräser

Stephan Kimmig (1959, Stuttgart). Después de prepararse para ser actor, trabajó como asistente de dirección en el Schillertheater de Berlín. De 1988 a 1996 vivió en Ámsterdam, trabajando como director en Holanda y Bélgica. Desde entonces, Kimming ha montado producciones en los teatros Deutsches Theater Berlin, Munich’s Kammerspiele, Burgtheater de Viena y ha trabajado regularmente en el Thalia Theater de Hamburgo bajo la dirección artística de Ulrich Khuon. Varios de sus trabajos han sido invitados al prestigioso festival berlinés Theatertreff. Ha ganado numerosos premios, incluyendo un Nestroy (el más importante galardón teatral de Viena) como Mejor director por su versión de The Golden Fleece. En 2007, su montaje de María Estuardo le mereció los premios Rolf Mares y Faust como Mejor Director. Junto a la diseñadora escenográfica Katja Haß, Kimming recibió el Premio a la Innovación 3-sat por su “visionaria contribución al teatro de lengua alemana” en el festival Theatertreff de Berlín.

El Deutsches Theater de Berlín es una institución teatral con un elenco permanente y aclamado. Detrás de su fachada clásica, su edificio alberga tres escenarios, construidos entre 1850 y 2006. Su repertorio se compone de 50 producciones. Cada temporada se realizan en este espacio unos 30 estrenos.

Director Stephan Kimmig
Escenografía Katja Haß
Vestuario Johanna Pfau
Música Michael Verhovec
Dramaturgia John von Düffel
Con Ulrich Matthes, Susanne Wolff, Barbara Schnitzler, Bernd Stempel, Katharina Marie Schubert, Elias Arens, Moritz Grove, Thorsten Hierse, Olivia Gräser
Maquillaje Andreas Müller
Asistente de dirección Marvin Simon
Diseñador de producción asistente Juliane Grebin
Diseñador de vestuario asistente Karin Rosemann
Asistente dramaturgia Karolin Trachte
Encargado de escena Frank Ulbig
Encargados de utilería Martina Jonigk
Dirección de estudiantes invitados Linda Kersten, Lukas Rosenhagen
Estudiantes invitados Gabriele Poskute
Adaptación técnica Thomas Lachmann
Utilerías Frank Papist
Sonido Wolfgang Ritter
Director técnico Olaf Grambow
Encargado de producción Herbert Weber
Director técnico asistente Oliver Gerds
Construcción Katrin Omlor
Jefe de sonido y video Marek Sawitza
Jefe de maquinarias Jörg Luxath
Jefe de iluminación Robert Grauel, Matthias Vogel
Jefe de utilería Jens-Thomas Günther
Jefe de vestuario Sabine Reinfeldt
Escenografía y vestuarios desarrollados en Werkstätten des Bühnenservice der Stiftung Oper (Berlín)

Taller: El texto clásico en la escena contemporánea
Taller: Clínica dramatúrgica con John Von Düffel: “Relectura y reescritura de tragedias clásicas”

The curse on the house of the Labdacids is one of the central myths of Greek antiquity – and thus part of the origins of theatre itself. The ‘big three’ writers of Greek tragedy – Sophocles, Aeschylus and Euripides – each created plays about these mythic figures, in particular ‘Oedipus Rex’, ‘Seven Against Thebes’, ‘The Phoenician Women’ and ‘Antigone’. Taken together, they chronicle the family saga of Oedipus the King, his rivalrous sons Eteocles and Polynices, and his daughters Antigone and Ismene. But they also tell the story of the city of Thebes, whose political fortune is closely bound up with this family and its fate.

Patterns of dysfunction and destruction recur in this saga of a ruling family in which violence begets violence, power engenders countervailing power and fear feeds fear. Even Creon, the wise ruler and statesman who assumes power after the killing spree has come to an end, tries to compensate for his alleged weakness by being overly harsh. In doing so, he destroys the very city he is meant to protect.

A new translation for the Deutsches Theater recounts the story of Thebes and its rulers as a trilogy. This march to catastrophe in three parts enables us to look beyond the individual tragic heroes and to see the interconnection of humanity, power and myth.

Oedipus – Ulrich Matthes
Creon – Susanne Wolff
Jocasta – Barbara Schnitzler
Tiresias – Bernd Stempel
Antigone – Katharina Marie Schubert
Eteocles / Messenger from Corinth – Elias Arens
Polynices / Shepherd / Guard – Moritz Grove
Menoeceus / Haemon – Thorsten Hierse
Ismene / Attendant to Eteocles – Olivia Gräser

Stephan Kimmig was born in 1959 in Stuttgart. After training to be an actor, he worked as an assistant director at the Schillertheater in Berlin. From 1988 to 1996 Kimmig lived in Amsterdam, working as a director in the off-theatre scene in both the Netherlands and Belgium. Kimmig has worked regularly with artistic director Friedrich Schirmer, first at the StädtischeBühnen in Freiburg and then at the Stuttgart Playhouse where he was an in-house director from 1998 to 2000. Thereafter Kimmig staged productions at the Deutsches Theater Berlin, Munich’s Kammerspiele, Vienna’s Burgtheater and worked regularly at the Thalia Theater Hamburg under artistic director Ulrich Khuon. Stephan Kimmig has won many accolades, including a Nestroy – Vienna’s top theatre award – as Best Director for his production of Franz Grillparzer’s The Golden Fleece. Kimmig’s works have been invited to Berlin’s prestigious Theatertreffen festival several times. In 2007, his staging of Mary Stuart earned Kimmig the Rolf Mares ‘Outstanding Production’ award and the Faust theatre prize for Best Director. Together with stage designer Katja Haß, Kimmig was awarded the 3-sat Innovation Prize for “visionary contributions to German-language theatre” at Berlin’s Theatertreffen festival.

The Deutsches Theater in Berlin is a theatrical institution with a permanent and highly-acclaimed ensemble. Behind its classical façade, the Deutsches Theater building on Schumannstraße is home to three stages: the main stage, built in 1850, with its intimate auditorium that seats 600; the »Kammerspiele«, established by Max Reinhardt in 1906 for modern drama, which holds some 230 spectators; and the Box, a compact black box located in the Kammerspiele foyer, which opened in 2006.  With seating for 80, it’s the venue for theatre that is up-close and personal, featuring new scripts and topical themes. The Deutsches Theater repertoire comprises some 50 productions. Each season the DT celebrates some 30 premieres — around twelve on the main stage and eight in the Kammerspiele.

Director Stephan Kimmig
Set Katja Haß
Costumes Johanna Pfau
Music Michael Verhovec
Dramaturgy John von Düffel
With Ulrich Matthes, Susanne Wolff, Barbara Schnitzler, Bernd Stempel, Katharina Marie Schubert, Elias Arens, Moritz Grove, Thorsten Hierse, Olivia Gräser
Make up Andreas Müller
Assistant director Marvin Simon
Assistant production designer Juliane Grebin
Assistant costume designer Karin Rosemann
Assistant dramaturgue Karolin Trachte
Stage manager Frank Ulbig
Prompter Martina Jonigk
Guest students stage direction Linda Kersten, Lukas Rosenhagen
Guest student stage Gabriele Poskute
Technical adaption Thomas Lachmann
Prop Frank Papist
Sound Wolfgang Ritter
Technical director Olaf Grambow
Production management Herbert Weber
Assistant technical director Oliver Gerds
Construction Katrin Omlor
Head of Sound and Video Marek Sawitza
Head of stage machinery Jörg Luxath
Head of lightning Robert Grauel, Matthias Vogel
Head of prop Jens-Thomas Günther
Head of Costumes Sabine Reinfeldt
Stage and Costumes were made at Werkstätten des Bühnenservice der Stiftung Oper in Berlin

Taller: El texto clásico en la escena contemporánea
Taller: Clínica dramatúrgica con John Von Düffel: “Relectura y reescritura de tragedias clásicas” 

Los discursos pueden ser armas poderosas. A través de los siglos han entusiasmado a incontables masas, incitándolas a la acción, para bien o para mal. Han desatado revoluciones y avivado guerras. Sólo con el poder de las palabras. Pero los discursos no sólo entusiasman a quienes los escuchan. A menudo también arrastrar al orador a un estado de trance, perdiéndose en un torrente de palabras, en una forma de hablar obsesiva, eufórica. El poder de un discurso suele depender del trance de quien habla.

En It’s going to get worse and worse and worse, my friend, Lisbeth Gruwez baila el trance de ese discurseo eufórico. En el proceso aprovecha fragmentos de un discurso enunciado por el “tele-evangélico” americano ultraconservador Jimmy Swaggart. Al comienzo, su forma de hablar es amistosa y pacífica, pero su compulsivo deseo de persuadir refleja una desesperación creciente. A final de cuentas expone su naturaleza más profunda: la violencia.  

Lisbeth Gruwez (°Kortrijk, Bélgica, 1977) empezó como bailarina clásica a los 6 años. En 1991 fue aceptada en el Stedelijk Instituut voor Ballet de Antwerp, donde combinó una educación profesional de danza con la universidad. Después de estudiar danza contemporánea en P.A.R.T.S., comenzó su carrera profesional con Ultima Vez en el Pasolini Project Of Heaven and Hell y con Away From Sleeping Dogs junto a Iztock Kova. Desde 1999 Lisbeth Gruwez ha trabajado con Jan Fabre, participando en As Long As the World Needs a Warrior’s Soul y Je suis sang, producción para el prestigioso Cour d’Honneur en Avignon. En 2001 protagonizó la película Les Guerriers de la beauté de Pierre Coulibeuf sobre el trabajo de Jan Fabre. En 2002 protagonizó Images of Affection para Needcompany|Jan Lauwers. Al año siguiente trabajó con Grace Ellen Barkey en Few Things y Cry Me a River de Riina Saastamoinen. Ese mismo año bailó en Foi, producción de Sidi Larbi Cherkaoui. En 2004 Jan Fabre creó para y con ella Quando l’uomo principale è una donna, que se presentó con éxito de Santiago a Mil 2005. También participó en la instalación Origine junto a Peter Verhelst. Junto a Maarten Van Cauwenberghe fundó en 2006 Voetvolk, debutando en 2007 con Forever Overhead. En 2008 Lisbeth bailó con Melanie Lane in I!2, una creación de Arco Renz, y tuvo un rol protagónico en Lost Persons Area, película de Caroline Strubbe con nominaciones del festival de Cannes y por el cual Gruwez recibió el premio a Mejor Actriz en los Flemisch Movie Awards. En 2008 creó Birth of Prey, performance con la que aún hace giras. En 2009 realizó la coreografía y bailó junto a la actriz y cantante Juliette Lewis en un videoclip para su banda Juliette & the Licks. En 2010 creó su primera performance grupal, HeroNeroZero, y protagonizó un corto de Silvia Defranc. En 2011 creó las performances L’Origine y It’s going to get worse and worse and worse, my friend.

Lisbeth Gruwez|Voetvolk es un grupo de danza y performance fundado alrededor de la bailarina/coreógrafa Lisbeth Gruwez y del músico/compositor Maarten Van Cauwenberghe. Desde su fundación en 2007, ha desarrollado sus actividades como una compañía de danza contemporánea y performance. Lisbeth Gruwez y Maarten Van Cauwenberghe son artistas en residencia del Troubleyn /Laboratorium de Jan Fabre. Hasta ahora han desarrollado 5 performances: Forever Overhead (2007), Birth of Prey (2008), HeroNeroZero (2010), L’origine (2011) y It’s going to get worse and worse and worse, my friend (2012). Una nueva producción se estrenará en junio de 2014.

Las relaciones de poder entre la voz masculina y la bailarina femenina (¿quién manipula a quién?) se transforman en un maravilloso y amenazante pas de deux (…) Lisbeth Gruwez nos deja atónitos, tiesos, tontos. El 2012 acaba de empezar y Gruwez ya está dejando la vara muy alta.

Sarah Vankersschaever – De Standaard

La fusión de sonido, coreografía y luces mantienen al público atrapado. Una vez más, Lisbeth Gruwez|Voetvolk tiene éxito manteniendo a la audiencia bajo su hechizo (…) El trance de la bailarina dispara al público. Nos incendia y atrapa nuestra atención hasta el final del show.

Eline Van de Voorde – Cutting Edge

(Gruwez) consolida su calidad de mujer fuerte, explorando los límites y transgrediéndolos (…) La coreografía dialoga con el ingenioso diseño de sonido construido por Maarten Van Cauwenberghe con fragmentos de discursos de Swaggart (…) Es un alivio ver cómo una clarísima elaboración de una idea, sin transformarla en algo conceptual o pretenciosa artísticamente.

Lene Van Langenhove – ZONE02

Reflexiones lingüísticas en danza

La propuesta de Lisbeth Gruwez es un ejercicio que bien podría sentar cátedra en lo que respecta a las relaciones entre los diferentes lenguajes (en este caso, el verbal y el de la danza) y a la misma esencia de la lengua en sí, en particular a la relación entre significante y significado. Probablemente, lo más interesante de la pieza sea la evolución que sufre la perspectiva que se sostiene sobre la naturaleza del lenguaje. Si al principio Gruwez parecía esforzarse por mantenerse a la altura de lo que se decía verbalmente, el rigor absoluto de su cuerpo ha terminado imponiéndose, hasta el punto que la palabra parece mero eco remoto de lo que el músculo más insignificante humildemente apuntala. 

La interpretación de Gruwez fue total y de una precisión insuperable. La artista no hubiese podido estar más involucrada en ninguno de sus movimientos. Pero no por ello pretendía dejar esa huella que al tiempo que pone nombre lo mancha todo. Cada uno de sus movimientos estaba libre de ese afán de autoría que suele ir en detrimento del creador. Y es que el espectáculo se caracteriza por su singular objetividad, sobre todo allí donde el lenguaje aspira a establecer relaciones definidas y unívocas con el mundo. Pero una vez abandonada esa correspondencia inmemorial, prevalece una ecuanimidad que va mucho más allá de la ejecución imparcial. Gruwez toma posición una y otra vez, pero ese ejercicio es tan físico, y tan connatural a su físico, que nos penetra prácticamente de modo subliminal. El lenguaje que desprende su cuerpo, que sobrepasa todo referente, verbal o no verbal, nos impregna, de manera que acabamos prediciendo posibles gestos, movimientos, acciones. En definitiva: toda una práctica de danza por la danza, donde no cabe cabo suelto alguno y se afila maravillosamente la navaja lingüística.

Carla Carmona – Diario de Sevilla

Compañía Lisbeth Gruwez|Voetvolk
Coreografía e interpretación Lisbeth Gruwez
Composición, diseño sonoro y asistencia Maarten Van Cauwenberghe
Estilismo Veronique Branquinho
Asesor artístico Bart Meuleman
Diseño de iluminación Harry Cole
Producción Voetvolk vzw
Coproducción Grand Theater Groningen, Troubleyn/Jan Fabre, Theater Im Pumpenhaus
Difusión Key Performance
Con el apoyo de Provincie West-Vlaanderen & Vlaamse Gemeenschap 

Encuentro de trasnoche: GAM, A2 Sábado 11 de enero 21:00-21:45

Taller: Las palabras en el cuerpo

Speeches can be powerful weapons. Over the centuries they have impressed countless masses, inciting them to action, for good or ill. They have sparked revolutions and fueled wars. Only through the power of words. But speeches not only arouse the ones who listen to them. All too often, they also send the orator into a state of trance, lost in a torrent of words spoken in an obsessive manner, almost deliriously. Thus, the power of the speech largely depends on the speaker’s trance.

In It’s going to get worse and worse and worse, my friend, Lisbeth Gruwez dances the trance of these euphoric speechifications. In the process, she takes advantage of some excerpts of a speech delivered by «tele -evangelical», ultraconservative American Jimmy Swaggart. At first, his speech is friendly and peaceful, but his compulsive desire to persuade starts unmasking a growing despair. Ultimately, he exposes his deepest nature: violence.

Lisbeth Gruwez (°Kortrijk, Belgium 1977) started classical ballet at the age of 6 and in 1991 she was admitted at the ‘Stedelijk Instituut voor Ballet’ in Antwerp where she could combine a professional dance education with high school. Afterwards she studied contemporary dance at P.A.R.T.S. Later she started her professional career with Ultima Vez, in the Pasolini Project of Heaven and Hell and Away From Sleeping Dogs with Iztock Kova. Since 1999 Lisbeth Gruwez has been working with Jan Fabre, performing in As Long As the World Needs a Warrior’s Soul, followed by Je suis sang, the production for the Cour d’Honneur in Avignon. In 2001 she starred in Pierre Coulibeuf’s film Les Guerriers de la beauté about Jan Fabre’s work. In 2002 she starred in Images of Affection for Needcompany|Jan Lauwers. A year later Lisbeth worked with Grace Ellen Barkey in Few Things and Cry Me a River by Riina Saastamoinen. Still in 2003 she danced in Foi, which was a production by Sidi Larbi Cherkaoui. In 2004 Jan Fabre created for and with her Quando l’uomo principale è una Donna. She also participated in the installation Origine along with Peter Verhelst.

Together with Maarten Van Cauwenberghe she founded Voetvolk in 2006 and in 2007 they premièred with their first creation Forever Overhead. In 2008 Lisbeth danced with Melanie Lane in I!2, a creation by Arco Renz. That year she also had a leading role in Lost Persons Area, a movie by Caroline Strubbe. This motion picture was nominated for the Cannes film festival and for her role she was nominated as Best Female Actress at the Flemisch Movie Awards. Again in 2008 she created Birth of Prey, a performance which is still touring. In 2009 she choreographed and danced together with Juliette Lewis in a videoclip for her band Juliette & the Licks. In 2010 Lisbeth created her first group performance HeroNeroZero and played the leading role in a short movie by Silvia Defranc. In 2011 she created the performances L’Origine and It’s going to get worse and worse and worse, my friend.

Voetvolk is a dance/performance group founded around dancer/choreographer Lisbeth Gruwez and composer/musician Maarten Van Cauwenberghe. Since its foundation in 2007, it has developed its activities as an international contemporary dance and performance company.

Lisbeth Gruwez and Maarten Van Cauwenberghe are ‘Artists-in-Residence’ in the Troubleyn / Laboratorium of Jan Fabre. Until now Voetvolk produced 5 performances: Forever Overhead (2007), Birth of Prey (2008), HeroNeroZero (2010), L’origine (2011) and It’s going to get worse and worse and worse, my friend (2012). Voetvolk is currently working on their new creation AH HA which will premiere at the Rencontres Internationales Chorégraphiques de Seine-Saint-Denis in June 2014.

“The power relations between male voice and female performer (who manipulates who?) becomes a marvellously threatening pas de deux (…) Lisbeth Gruwez leaves us behind flabbergasted, struck dumb. 2012 has only just started, but Gruwez at once sets the standards very high.”

Sarah Vankersschaever, De Standaard

“The fusion of sound, choreography and light keep the public enraptured. Once more Lisbeth Gruwez |Voetvolk succeeds in keeping the audience spellbound with this new performance. (…) The dancer’s trance fires the audience. She inflames us and keeps us in rapt attention till the end of the show.”

Eline Van de Voorde, Cutting Edge

“With ‘It’s going to get worse…’ she consolidates her status of strong woman, exploring borders at the cutting edge and transgressing them.(…) The choreography dialogues with the ingenious soundscape that Maarten Van Cauwenberghe constructed with fragments from Swaggart’s speech (…) It’s a relief to see such a clear elaboration of an idea without it becoming conceptual or arty farty.”

Lene Van Langenhove, Zone02 

LINGUISTIC REFLECTIONS ON DANCE

Gruwez Lisbeth’s proposal is an exercise that may well give lecture with regard to the relations between different languages ​​(in this case, verbal and dance) and the very essence of language itself, particularly the relationship between signifier and signified. Probably the most interesting part of the performance is the evolution experienced by the perspective that is grounded on the nature of language. If at first Gruwez seemed to be striving to keep abreast of what was being said verbally, the absolute rigor of her body finally took the upper hand to the point of making the word look like a feeble, remote echo of what the smallest muscle humbly sustains.

Gruwez’s performance was downright and unmatchable in accuracy. The artist could not be more involved in all of her movements. Yet she did not intend to leave that imprint that, while giving a name, taints everything. In each of her moves she was free of a desire for authorship, which is often detrimental to the creator. Because the show is characterized by its singular objectivity, especially where language aims at establishing clear and unambiguous relations with the world.

But after leaving the immemorial correspondence, a sense of equanimity prevails and goes far beyond the impartial execution. Gruwez takes place again and again, but that exercise is so physical, and so deep-rooted in her body, that it penetrates us almost subliminally. The language instilled by her body permeates us, thus surpassing all references either verbal or nonverbal.

Accordingly, we are only able to anticipate possible gestures, movements, actions. In short, a whole practice of dance for the sake of dance, where there is no room for loose ends and the linguistic razor is brilliantly sharpened.

Carla Carmona – Diario de Sevilla 

Concept, Choreography & Dance Lisbeth Gruwez
Composition, Sound design & Assistance Maarten Van Cauwenberghe
Styling Veronique Branquinho
Artistic Advisor Bart Meuleman
Light Design Harry Cole
Light Assistance Caroline Mathieu
Thanks to Tom de Weerdt
Production Voetvolk vzw
Coproduction Grand Theater Groningen, Troubleyn/Jan Fabre, Theater Im Pumpenhaus and AndWhatBeside(s) Death
Diffusion Key Performance
With the support of Provincie West-Vlaanderen, Vlaamse Gemeenschap & Provincie Antwerpen

¿Qué hace que un hombre necesite romper totalmente con su círculo, y con toda la sociedad?, ¿que necesite enfrentarse a un demasiado bien definido destino llevando una rebelión que carga en sí misma el grito visceral de los vivos? Creada por actores jóvenes, el Raoul Collectif recoge aquellas preguntas en una creación impulsiva y apasionadamente vital. Con la puesta en escena, la escritura y la actuación, el grupo crea un espectáculo que funciona como un tipo de alarma. Con su estilo, lleno de vida, juventud y buen humor, reinterpretan los gestos de (anti)héroes que, un día, escaparon del sistema que los hacía sentir prisioneros.

El espectáculo evoca, a través de arrebatos y citas dispersas, cinco figuras provenientes de cinco biografías reales. Estas figuras no son tanto los protagonistas de una narración, sino elementos de un inventario de dispositivos y una reflexión sobre lo que lleva a los individuos a un punto de quiebre con algunas instrucciones o formas rígidas de la sociedad, y sobre el precio que pagan los individuos que sacrifican mucho por romper con un cerco que los hace sufrir.

Le signal de prumeneur ha recibido los premios Odéon Télérama y Premdio del Público en el Festival Impatience Young European Creation, y el Premio de la Prensa de Bruselas a la Mejor Obra Emergente 2012. Tras su debut en Bruselas, la obra ha girado por Francia y Bélgica. Después de su paso por Santiago a Mil, se presentará en 30 ciudades de Bélgica, Francia y Suiza.

El aprendizaje en el Conservatorio de Liège tiene una importancia fundamental en las reflexiones políticas, psicosociales y filosóficas que fundaron esta compañía de actores. El entrenamiento de los artistas jóvenes allí se compone en gran parte de debates sobre cómo la sociedad contemporánea se vuelve activa frente a las fuerzas que buscan transformarla de forma alternativa desde sus márgenes. Bajo este crisol nace el Raoul Collectif y el embrión de una nueva forma transformada en espectáculo: Le signal du promeneur.

Romain David, Benoît Piret, David Murgia, Jean-Baptiste Szezot y Jérôme De Falloise (en orden arbitrario), exigentes y jóvenes actores, se lanzaron a la a veces utópica, lenta pero fértil, creación colectiva. Juntos elaboraron un método de trabajo que se hace cargo de cada dimensión de la creación y producción (documentación, puesta en escena, diseño de la escenografía, sonidos, luces, textos, giras…), sin dejar de lado recurrir a “ojos externos” y otras fuerzas que rodean al colectivo (asistente, director técnico, diseñador de vestuario). De estas dinámicas -que son una especie de laboratorio democrático llevado a la práctica-, del roce de sus cinco naturalezas, emana una energía peculiar que es palpable sobre el escenario, una alternancia de fuerzas corales y erupciones de singularidades, una tensión encantadora tanto en el contenido como en la forma, entre el rigor y el caos, la gravedad y lo estrambótico.

Su primera obra, Le signal du promeneur, familiar con esta paradoja, intenta dar luces sobre lo que significan los destinos individuales en conflictos radicales, solitarios, violentos y mortales con sus círculos sociales, e incluso con la sociedad entera. ¿Qué deseo, qué energía evidencian esos vuelos, esos exilios, esos tropiezos –a veces desesperados y demasiado tarde- desde los marcos de referencia convencionales a los valores actuales?

Este espectáculo es un pequeño milagro. Una perla en la escena teatral. Un grupo de cinco compañeros, provenientes del Conservatorio de Liège y reunidos bajo el nombre de Raoul Collectif, encantaron a la audiencia durante la primera función de su producción Le signal du promeneur. Descubrimos unos Monty Python a la belga, tremendos, actores al servicio de sus textos lidiando con el significado de la vida, de la desesperanza de estar en una sociedad tan bloqueada como la nuestra, pero todo esto de forma irónica, divertida e ingeniosa. Deseamos larga vida a este colectivo y, como mínimo, que tenga la oportunidad de repetir este primer intento, este primer golpe. 

Guy Duplat – La Libre Belgique

La primera creación del Raoul Collectif es una bocanada de aire fresco elaborada por cinco jóvenes actores que combinan energía, ganas de vivir, humor e inteligencia. Un cóctel explosivo que transforma a Le signal du promeneur en un show impredecible, haciendo mil preguntas sobre la sociedad en que vivimos y sobrevivimos, y sacudiendo los códigos del teatro, tanto que uno sale sonriendo, reafirmado por un nuevo deseo de luchar en esta vida (…) Con el Raoul Collectif, el pensamiento se debate entre el placer y la locura, entre El proyecto de la bruja de Blair, los Monty Python, La bella y la bestia (sin Bella y con muchas Bestias), Into the wild, las películas de Kaurismäki o de Lars von Trier.

Jean-Marie Wynants – Le Soir

Los cinco nativos del Conservatorio de Liège ofrecen algunos brillantes momentos de distracción. Construyendo su obra en torno a cinco aventuras individuales auténticas –entre mentiras mortales, dulces locuras y exploraciones extremas- los actores nos llevan a situaciones fuera del espacio y el tiempo, restando importancia a las probabilidades, la escenografía, la duración, la gravedad y la luminosidad (…) Hacen malabares con el temor y el asombro, sabiendo encontrarse a sí mismos mientras tararean Beethoven a capela. Uno merodea agradablemente por esta obra, buscando señales, palabras, sensaciones…

Télérama

Idea y dirección Raoul Collectif
Por y con Romain David, Jérôme de Falloise, David Murgia, Benoît Piret, Jean-Baptiste Szézot
Director de escena Philippe Orivel
Colaboración artística Natacha Belova (vestuario), Julien Courroye (sonido), Emmanuel Savini (iluminación)
Producción Raoul Collectif
Coproducción Théâtre National – Belgique, Maison de la culture de Tournai
Colaboración Ministery of the french Community, Theatre service
Apoyo Zoo théâtre asbl, Groupov, Théâtre & Publics and L’Ancre – Charleroi
Responsible en gira Theatre National 

What makes a man feel the need to break completely with his circle, and with society? What makes him face a well-defined fate by carrying a rebellion that bears itself the visceral cry of the living? Created by young actors, the Raoul Collectif collects those questions in an impetuous and passionately vital creation. With staging, writing and acting the group creates a show that works as a sort of alarm. With their lively style, youth and good sense of humor, they reinterpret gestures of (anti) heroes who once escaped the system which had made them feel prisoners.

Through outbursts and scattered lines, the show conjures five figures from five real biographies. These subjects are not so much the protagonists of a narrative, but elements in an inventory of devices and a reflection on what leads people to a tipping point with some instructions or rigid forms of society, and the price paid by individuals who sacrifice much to break a wall that makes them suffer.

Le Signal de Prumeneur has received the awards Télérama Odéon and the Audience Award at the Impatience Young European Creation Festival. Additionally, the play was granted the Brussels Press Award for Best Emerging Play 2012. After its debut in Brussels, the play has toured France and Belgium. Once Le Signal de Prumeneur finishes its shows in Santiago a Mil, it will be staged in 30 cities in Belgium, France and Switzerland.

Learning at the Conservatory of Liège is of paramount importance when it comes to exploring the political, psychosocial and philosophical reflections on which this company of actors is founded.

The training of young artists there consists largely of debates about how contemporary society becomes active against the forces that seek to transform it alternately from its margins. This melting pot gave rise to Raoul Collectif and the embryo of a new form now turned into show: Le signal du promeneur.

Romain David, Benoit Piret, David Murgia, Jean-Baptiste Szezot and Jérôme De Falloise (in random order) are demanding and young actors who threw themselves into the sometimes utopian, slow yet fertile collective creation. Together they developed a working method that takes care of every dimension of creation and production (documentation, staging, set design, sound, light, text, tours…) without neglecting the resorting to the «objective eye» and other forces surrounding the collective (assistant technical director, costume designer). Out of these dynamics, which are a kind of implemented democratic laboratory and from the mingling of their five natures, it emanates a peculiar energy that is palpable on stage; they engage in an alternation of choral forces, thus giving room for the erupting of their singularities, a lovely tension both in content and form, between rigor and chaos, gravity and the bizarre.

Acquainted with this paradox, their first work Le signal du Promeneur tries to shed light on what individual destinations in radical conflict mean. Lonely, violent and deadly with their social circles, even the whole society. What do I want, what energy do these flights show, these exiles, these setbacks -sometimes desperate and too late- from the conventional reference frames on to the current values?

«This show is a small miracle. A pearl in the theater scene. A group of five companions from the Conservatory of Liège and gathered under the name Raoul Collectif and charmed the audience during their first staging of their performance Le Signal du Promeneur. We have discovered a group of Belgian Monty Pythons, tremendous performers at the service of their texts dealing with the meaning of life and the hopelessness of being in such a blocked society like ours. But all these qualms are tackled ironically, in a funny and witty way. We wish long life to this group; may they at least have the opportunity to repeat this first attempt, the first blow.»

Guy Duplat – La Libre Belgique

«The first creation of Raoul Collectif is a breath of fresh air produced by five young actors who combine energy, zest for life, humor and intelligence. An explosive cocktail that turns Le signal du promeneur into an unpredictable show, making a thousand questions about the society in which we live and survive, and shaking the theater codes while one leaves the place smiling, bolstered by a new desire to fight for life (…) with Raoul Collectif, thinking is torn between delight and madness, between Blair Witch Project, Monty Python, Beauty and the Beast (with no beauty but many beasts), Into the wild, Kaurismäki films or Lars von Trier’s. »

Jean -Marie Wynants – Le Soir

«The five artists from Liège Conservatory offer some brilliant moments of distraction. Building their show on five individual and real adventures – between deadly lies, sweet madness and extreme explorations- these actors lead us to situations outside space and time, thus downplaying the odds, set design, duration, severity and brightness(…) they juggle with fear and awe, knowing how to find themselves while humming Beethoven. One wanders pleasantly about this work, looking for signs, words, feelings…”

Télérama 

Idea y Direction Raoul Collectif
By and with Romain David, Jérôme de Falloise, David Murgia, Benoît Piret, Jean-Baptiste Szézot
Scene Director Philippe Orivel
Artistic collaboration Natacha Belova (costume), Julien Courroye (sound), Emmanuel Savini (lightning)
Producer Raoul Collectif
Coproducer Théâtre National – Belgique, Maison de la culture de Tournai
Sponsors Ministry of the French Community, Theatre service
Support Zoo théâtre asbl, Groupov, Théâtre & Publics and L’Ancre – Charleroi
On Tour Production Theatre National

Opening night muestra a una compañía de teatro en los frenéticos días previos al estreno de una nueva obra titulada The second wife. Durante el día, los actores ensayan algunas de las escenas más difíciles, y por las noches hacen pasadas de la obra.

La obra comienza durante la noche de una pasada y termina tres días después, en el estreno de la obra. Partes de The second wife se alternan con ensayos, discusiones, conflictos y conversaciones íntimas entre los personajes. Así, Opening night abre una mirada única al tras bambalinas de una compañía de teatro. Pero es más que eso.

Myrtle Gordon, la actriz principal de la compañía, tiene un problema. Le está costando sentirse identificada con el papel que debe interpretar: el de una mujer que ha vivido sus mejores años que se aferra desesperada a su juventud. Myrtle intenta darle esperanzas a su personaje. Encima de todo esto, le preocupa ser cacheteada en escena por el coprotagonista, Maurice, quien además es su ex marido. Aunque la cachetada es obviamente actuada, para ella se siente demasiado real.

Cuando Myrtle presencia la muerte de una joven fan segundos después de haberle dado un autógrafo, a la salida de la primera pasada de la obra, empieza a confundir la vida real con el teatro. No puede sacarse de la cabeza la imagen del accidente y su personaje queda atado a la muerte de la joven Nancy, con quien se siente identificada. Myrtle suele revivir a la chica en su imaginación creyendo que así, tal vez, logrará brillar interpretando su personaje. Sin embargo, Nancy va convirtiéndose en una maldición. Myrtle se siente cada vez más dependiente de ella y sus compañeros la ven asomándose al límite de la cordura.

Desde su estreno en 2006, Opening night ha sido vista a tablero vuelto alrededor del mundo. La obra se ha presentado en París, Budapest, Nueva York, Zagreb, Melbourne, Nantes y Seúl. Jacob Derwig recibió el premio Arlecchino por su rol protagónico en esta obra.

Myrtle, actriz – Chris Nietvelt
Maurice, actor – Jacob Derwig
Manny, director – Hans Kesting
Sarah, autora – Janni Goslinga
Nancy, fan – Hélène Devos
Dorothee, esposa de Manny – Lien Wildemeersch
David, Productor – Bart Slegers
Leo, director de escena – Eelco Smits
Gus, ex marido de Virgina – Daan van Dijsseldonk
Kelly, vestuarista – Servé Hermans
Lena, actriz – Anna Raadsveld

Ivo van Hove (Bélgica, 1958) empezó su carrera como director teatral en 1981, trabajando en obras escritas por él mismo (Ziektekiemen, Geruchten). Entre 1998 y 2004 fue director del Holland Festival, estando a cargo de su programación anual. Desde 2001 es el director general del Toneelgroep Amsterdam (Grupo de Teatro de Ámsterdam), con quienes ha coordinado producciones para grandes festivales como el Festival d’Avignon y el Wiener Festwochen, además de trabajar en Londres, Lisboa, París, Zúrich, Moscú y Nueva York. Con ellos ha realizado obras que llevan a escena el trabajo de cineastas como John Cassavetes, Luchino Visconti, Pier Paolo Pasolini, Michelangelo Antonioni e Ingmar Bergman. Para la temporada 2013-1014, Van Hove dirigirá Largo viaje hacia la noche, del dramaturgo Eugene O’Neill, y El manantial, de la novelista Ayn Rand. Ha recibido numerosos premios, incluyendo dos Obie Awards para la mejor producción off-Broadway en Nueva York por Más mansiones majestuosas y Hedda Gabler. En 2004 fue nombrado Caballero de la Orden de las Artes y las Letras de Francia.

El grupo Toneelgroep Amsterdam es la principal compañía de teatro de repertorio de Holanda, con un rol preponderante en la escena cultural de la capital holandesa. Crean obras de teatro contemporáneo de calidad internacional, producidas en su base, el Amsterdam Stadsschouwburg. Realizan un promedio de 20 obras y 350 funciones anuales, llegando a unas 100 mil personas cada año. El grupo se ha asociado a artistas de talla mundial –algunos de los cuales han sido parte de Santiago a Mil–, como Warlikowski, Christoph Marthaler, Wim Vandekeybus, Johan Simons, Thomas Ostermeier y Grzegorz Jarzyna. Han trabajado por el mundo junto a organizaciones como el Holland Festival, Wiener Festwochen, RuhrTriennale, Festival d’Avignon, Brooklyn Academy of Music, Lincoln Centre Festival New York, Festival Transamerique Montreal, Barbican London, Schaubühne Berlin y el Münchner Kammerspiele.

De John Cassavetes
Dirección Ivo van Hove
Con Jacob Derwig, Hans Kesting, Chris Nietvelt, Hélène Devos, Lien Wildemeersch, Bart Slegers, Eelco Smits, Daan van Dijsseldonk, Servé Hermans, Anna Raadsveld, Janni Goslinga
Traducción Sam Bogaerts, Gerardjan Rijnders
Dramaturgia Koen Tachelet
Escenografía e iluminación Jan Versweyveld
Video Erik Lint
Diseño sonoro Marc Meulemans
Vestuarios An D’huys
Producción Toneelgroep Amsterdam / Ntgent
Jefe técnico Reyer Meeter
Jefe de producción Angelina Kroft
Cámara Menke Visser, Judith Hofland
Técnica en escena Daan Van Oene
Operación de luces Dennis Van Scheppingen
Operación de sonido Peter Zwart
Operación de video Karl Klomp
Operación de subtítulos Erik Borgman
Jefe de utilería David Logger
Armario Jacolien Honders
Peinados y maquillaje David Verswijveren
Coordinación artística Wouter Van Ransbeek
Fotografía Jan Versweyveld
Apoyo The Performing Arts Fund NL

Encuentro de trasnoche TMLC Martes 7 de enero 22:30-23:15

Taller: ¿cine o teatro? El cruce de lenguajes en la interpretación.

Opening night portrays a theatre company during the hectic run-up to the opening night of a new play entitled The Second Wife. During the day, the actors rehearse some of the more difficult scenes and in the evenings they perform previews.

Opening night begins on the evening of a preview and finishes three days later on opening night. Fragments from The Second Wife alternate with rehearsals, discussions, conflicts and personal conversations between the characters. Opening night offers a unique look behind the scenes of a theatre company. But it is more than that.

Myrtle Gordon, the company’s leading actress, has a problem. She is finding it hard to identify with the role she is playing; that of a woman past her prime desperately trying to hang on to her youth. Myrtle tries to incorporate hope into her role. Moreover, she is worried about being slapped on stage by her male co-star Maurice, who also happens to be her ex-husband. Although the slap is obviously makebelieve, to Myrtle it only feels too real.

When she witnesses the death of a young fan shortly after giving her an autograph at the first preview, Myrtle starts to confuse real life with theatre. She cannot rid herself of the images of the accident and her role becomes associated with the death of Nancy, with whom she identifies. Myrtle regularly brings the girl back to life in her imagination: perhaps this way she will master her role in the play. But instead of being a blessing, Nancy gradually becomes a curse. Myrtle finds herself increasingly dependent on the dead girl. Her fellow-actors see her teetering on the brink of insanity.

Since its premiere in 2006 Opening night is performed for sold out venues worldwide. The show travelled to Paris, Budapest, New York, Zagreb, Melbourne, Nantes and Seoul. Elsie de Brauw was awarded the Theo d’Or, the most prestigious Dutch award for an actress in a leading role, while Jacob Derwig received the Arlecchino, the equivalent for an actor in a supporting role.

Myrtle, actress – Elsie de Brauw
Maurice, actor – Jacob Derwig
Manny, director – Hans Kesting
Sarah, writer – Chris Nietvelt
Nancy, fan – Hélène Devos
Dorothee, Manny’s wife – Lien Wildemeersch
David, producer – Fred Goessens
Leo, stage master – Eelco Smits
Gus, ex husband Virgina – Daan van Dijsseldonk
Kelly, dresser – Servé Hermans
Lena, actress – Lien de Graeve

Ivo van Hove (Belgium, 1958) began his career as a stage director in 1981 with productions of his own writing. From 1998 thru to 2004 Van Hove was festival director of Holland Festival. Since 2001 Van Hove is general director of Toneelgroep Amsterdam, where he has directed plays related to filmmakers such as John Cassavetes, Luchino Visconti, Pier Paolo Pasolini, Michelangelo Antonioni and Ingmar Bergman. In season 13|14 Van Hove will direct Long Day’s Journey into Night by

Eugene O’Neill and The Fountainhead by Ayn Rand. Van Hove has received regular many accolades, including two Obie Awards for the best production of an off-Broadway production in New York (for More Stately Mansions and Hedda Gabler). He was made a knight of the Ordre des Arts et des Lettres in France in 2004.

Toneelgroep Amsterdam presents contemporary theatre of an international standard produced from its home base, the Amsterdam Stadsschouwburg. As the Netherlands’ largest repertory company, it holds a prominent place in the Dutch capital’s international cultural scene. With an annual average of 20 plays and performing a total of over 350 performances, the company entertains audiences of 100.000 each year. Toneelgroep Amsterdam is associated with such artists as Krzysztof Warlikowski, Christoph Marthaler, Wim Vandekeybus, Johan Simons, Thomas Ostermeier and Grzegorz Jarzyna and operates internationally with organizations such as Holland Festival, NTGent, the Belgian arts centres in Antwerp and Ghent, Wiener Festwochen, RuhrTriennale, Festival d’Avignon, Brooklyn Academy of Music, Lincoln Centre Festival New York, Festival Transamerique Montreal, Barbican London, Schaubühne Berlin and the Münchner Kammerspiele.

By John Cassavetes
Directed by Ivo Van Hove
With Elsie De Brauw, Jacob Derwig, Hans Kesting, Chris Nietvelt, Hélène Devos, Lien Wildemeersch, Fred Goessens, Eelco Smits, Daan van Dijsseldonk, Servé Hermans, Lien De Graeve
Translation Sam Bogaerts, Gerardjan Rijnders
Dramaturge Koen Tachelet
Set Design / Light Jan Versweyveld
Video Erik Lint
Sound Design Marc Meulemans
Costumes An D’huys
Production Toneelgroep Amsterdam / Ntgent
Technical Manager Reyer Meeter
Production Manager Angelina Kroft
Camera Menke Visser, Judith Hofland
Stage Technician Daan Van Oene
Lighting Operator Dennis Van Scheppingen
Sound Operator Peter Zwart
Video Operator Karl Klomp
Surtitles Operator Erik Borgman
Prop Manager David Logger
Wardrobe Jacolien Honders
Hair & Make-Up David Verswijveren
Artistic Coordinator Wouter Van Ransbeek
Photography Jan Versweyveld
This Project Is Supported by The Performing Arts Fund NL

Encuentro de trasnoche TMLC Martes 7 de enero 22:30-23:15

Taller: ¿cine o teatro? El cruce de lenguajes en la interpretación.

Emmanuel Demarcy-Mota revive el Rinoceronte de Eugène Ionesco, que montó por primera vez en 2004. El protagonista, Bérenger, es un hombre simple, pero cuando se enfrenta a la transformación de sus conciudadanos en animales salvajes, se mantiene fiel a su naturaleza. Demarcy-Mota no elige las obras que monta al azar, menos aún en el caso de Rinoceronte.

Porque, una y otra vez, vuelve a amenazar la tentación de fundirse en la multitud, por flojera o fatiga, Demarcy-Mota continúa el trabajo que comenzó en 2004 y ha retomado repetidas veces, sobre la obra de Ionesco y su “héroe”, Béranger, el único que se rehúsa a unirse a la mayoría convirtiéndose en rinoceronte. Aún cuando lo ha perdido todo, incluyendo la mujer que ama. La obra es de los años 50… ¿Cuándo llegará el día que deje de ser necesario seguir viéndola?

LISTA DE PERSONAJES

Béranger – Serge Maggiani
Jean – Hugues Quester
Daisy – Valérie Dashwood
El dueño del café – Charles Roger Bour
La mesera – Sandra Faure
La dueña de casa – Gaëlle Guillou

La vendedora, Madame Bœuf – Sarah Karbasnikoff
El vendedor – Walter N’guyen
El hombre mayor – Stephane Krähenbühl
El lógico – Gérald  Maillet

Monsieur Papillon – Pascal Vuillemot
Dudard – Philippe Demarle
Botard – Jauris Casanova

DIRECTOR

A los 17 años, Emmanuel Demarcy-mota fundó la compañía Millefontaines con sus compañeros del liceo Rodin, continuando esta experiencia después como estudiante de La Sorbonne, montando obras de autores europeos como Büchner, Shakespeare, Pirandello, Brecht y Kleist. En 1999 recibió el Premio Revelación Teatral del Año del Sindicato Nacional de la Crítica de Teatro de Francia por su versión de Trabajos de amor perdidos, de Shakespeare. En 2001 fue nombrado director de la Comédie de Reims, donde inauguró una política cultural sumamente activa que generó un colectivo artístico y un centro de investigación.

Montó el Rinoceronte de Ionesco en 2004 y Un hombre es un hombre de Brecht en 2007, ambas en el Théâtre de la Ville, del que asumió la dirección en 2008. Hoy es, además, presidente de la Anrat (Asociación Nacional de Investigación y Acciones Teatrales de Francia). En 2011 fue nombrado director del Festival d’Automne à Paris y al año siguiente fue condecorado Caballero de la Legión de Honor de Francia.

Grupo artístico que reúne a los colaboradores que acompañan a Emmanuel Demarcy-Mota desde hace diez años, de la aventura con la compañía de Millefontaines y la Comédie de Reims, hasta hoy, en el Théâtre de la Ville de París. El grupo experimenta con la necesidad constante de  darse tiempo para investigaciones y “laboratorios” que les permiten repasar la obra de un autor y preguntarse, al mismo tiempo, por las nuevas formas de representación e interpretación.

Dirección Emmanuel Demarcy-Mota
Asistencia de dirección Christophe Lemaire
Con Serge Maggiani, Hugues Quester, Valérie Dashwood, Charles Roger Bour, Sandra Faure, Gaëlle Guillou, Sarah Karbasnikoff, Walter N’guyen, Stephane Krähenbühl, Gérald  Maillet,Pascal Vuillemot, Philippe Demarle, Jauris Casanova
Escenografía y diseño de iluminación Yves Collet
Asistencia de diseño de iluminación Nicolas Bats
Música Jefferson Lembeye
Vestuario Corinne Baudelot
Maquillaje Catherine Nicolas
Utilería Clémentine Aguettant
Colaboración artística François Regnault
Asesor literario Marie-Amélie Robilliard
Traducción al español Daniel Zamorano
Producción Théâtre de la Ville, Paris – Grand Théâtre de Luxembourg – Le Grand T, scène conventionnée de Loire-Atlantique

Clase magistral con Emannuel Demarcy-Mota: La metamorfosis del actor.

Taller: El legado de Ionesco

Encuentro de transoche:  sábado 18 de enero 21:10-21:55

Emmanuel Demarcy-Mota revives Eugène Ionesco’s Rhinocéros which he first produced in 2004. Ionesco’s iconic character, Bérenger, is a simple man, but when faced with his fellow citizens’ transformation into wild animals, remains true to his nature. Demarcy-Mota did not choose these plays haphazardly, Rhinocéros least of all.

Because, again and again, the temptation to melt into the crowd threatens, out of laziness and/or fatigue, Emmanuel Demarcy-Mota continues the work he began in 2005 and repeatedly took up again, on Ionesco’s play and its «hero», Béranger, the only one who refuses to join the majority by becoming a rhinoceros. Even if he loses everything, including the woman he loves. The play dates from the 50s… When will the day come when staging Rhinoceros will become unnecessary?

LIST OF CHARACTERS

Béranger – Serge Maggiani
Jean – Hugues Quester
Daisy – Valérie Dashwood
Le Patron du café – Charles Roger Bour
La Serveuse – Sandra Faure
La Ménagère – Gaëlle Guillou

L’Épicière, Madame Bœuf – Sarah Karbasnikoff
L’Épicier – Walter N’guyen
Le Vieux Monsieur – Stephane Krähenbühl
Le Logicien – Gérald  Maillet

Monsieur Papillon – Pascal Vuillemot
Dudard – Philippe Demarle
Botard – Jauris Casanova

DIRECTOR

At the age of 17, Emmanuel Demarcy-Mota brought together several high-school friends to start a drama club at the Lycée Rodin in Paris. The enterprise was continued at the Sorbonne, where the group got larger. With them he worked on Erdmann, Shakespeare, Kleist, Müller and Pirandello. At the end of his three years of college theatre, he founded his own company, “Théâtre des Millefontaines”. In 1997, he directed his first version of Shakespeare’s Peine d’amour perdue. In 1998, he was awarded the Prix de la révélation théâtrale de l’année [Theatre Revelation of the Year Award] by the Syndicat National de la Critique Dramatique [Drama Critics’ National Union]. In 2001 was named director of the Comédie de Reims, where he created an artistic collective and a research centre.

He staged Ionesco’s Rhinoceros in 2004 and Brecht’s Homme pour homme in 2007, both at Théâtre de la Ville, where he assumed the direction in 2008. In 2011 was named director of the Festival d’Automne à Paris and, next year, Chevalier de la Légion d’honneur of France.

Artistic ensemble which gathers Demarcy-Mota collaborators through ten years, from his adventures with the Millefontaines and the Comédie de Reims, until today, at the Théâtre de la Ville in Paris. The group experiments with the constant need of researching and developing “laboratories” which allow them go over an authors work and ask themselves, at the same time, about new ways of representation and interpretation.

Directed by Emmanuel Demarcy-Mota
Assistant director Christophe Lemaire
With Serge Maggiani, Hugues Quester, Valérie Dashwood, Charles Roger Bour, Sandra Faure, Gaëlle Guillou, Sarah Karbasnikoff, Walter N’guyen, Stephane Krähenbühl, Gérald  Maillet,Pascal Vuillemot, Philippe Demarle, Jauris CasanovaScenography and light designing Yves Collet
Assistant light designer Nicolas Bats
Music Jefferson Lembeye
Costumes Corinne Baudelot
Make up Catherine Nicolas
Props Clémentine Aguettant
Artistic collaboration François Regnault

Litterary adviser Marie-Amélie Robilliard

Translation to Spanish Daniel Zamorano

Production Théâtre de la Ville, Paris – Grand Théâtre de Luxembourg – Le Grand T, scène conventionnée de Loire-Atlantique

Master Class with Emmanuel Demarcy-Mota: The Methamorphosis of the Actor.

Taller: El legado de Ionesco

Encuentro de transoche:  sábado 18 de enero 21:10-21:55

Stifters dinge (Las cosas de Stifter) es una composición para cinco pianos sin pianistas, una obra sin actores, una performance sin performers. Se podría decir, un espectáculo sin personas. Primero y principalmente es una invitación al público a entrar en un fascinante espacio de sonidos e imágenes, una invitación a ver y escuchar. El espectáculo explora la conciencia de cosas que en teatro suelen ser parte de la escenografía o sirven de utilería, con un rol meramente decorativo. Aquí se vuelven protagonistas: luz, fotos, murmullos, sonidos, voces, viento y neblina, agua y hielo.

Como el título sugiere, el trabajo remite  a los textos de Adalbert Stifter, autor romántico de principios del siglo XIX. Stifter escribía poniendo tanta atención a los detalles como lo haría un pintor. Sus tramas, con una meticulosa descripción de la naturaleza, prueban su respeto por las cosas: pasajes descriptivos obligan al lector a enlentecer el ritmo de lectura y darse cuenta de cada detalle. Las cosas y la materia cuentan su propia historia, mientras los personajes son a menudo metidos en la trama sin ser sujetos soberanos de sus historias. Los aspectos más contemporáneos y radicales del trabajo de Stifter se evidencian en su intencional enlentecimiento y repeticiones rituales, particularmente significativas para el lector actual.

Stifters dinge se inspira en su proceso de escritura, sin buscar poner en escena sus historias ni los objetos que él describía. La performance/instalación toma su texto como una confrontación con lo desconocido y las fuerzas que los hombres no dominan, como un ruego por adoptar otros criterios y juicios diferentes a los nuestros, e incluso como una oportunidad para reconciliarnos con referentes culturales que no nos son familiares, particularmente en el campo de los desastres ecológicos, los cuales Stifter ya imaginó con su habitual ojo para los detalles.

Heiner Goebbels es compositor y director alemán, nacido en 1952. Graduado de sociología. En música crea teatro musical, conciertos actuados, trabajos de radio, composiciones para grupos y grandes orquestas. Como compositor colabora con las mejores grupos y orquestas (Ensemble Modern, London Sinfonietta, Orchestra of the Age of Enlightenment, Berlin Philharmonics) y directores de orquesta (LotharZagrosek, Sir Simon Rattle, Peter Eötvös, Peter Rundel y muchos otros).

Desde comienzos de los 90 ha compuesto y dirigido trabajos de teatro musical únicos y reconocidos, como Black on White (1996), Max Black (1998), Eislermaterial (1998), Hashirigaki (2000), Landscape with distant relatives (2002), Eraritjaritjaka (2004), Stifters Dinge (2007), Songs of Wars I have seen (2007), I went to the house but did not enter (2008), entre muchos otros, casi todos producidos por el Theatre Vidy Lausanne, e invitados a los más importantes festivales de teatro y música de Europa, Estados Unidos, Sudamérica, Australia y Asia.

Goebbels es profesor del Instituto de Estudios Teatrales Aplicados de la Universidad de Giessen y desde 2006 es presidente de la Academia de Teatro de Hesse. Entre 2012 y 2014 será director artístico del Festival Internacional de Artes Ruhrtriennale. Sus trabajos discográficos han sido dos veces nominado a los premios Grammy y en 2012 Goebbels recibió el Premio Ibsen, uno de los más prestigiosos premios de teatro en el mundo.

Este espectáculo experimental ha sido llamado de muchas formas: una instalación escultórica, una composición performática, una pieza para piano sin pianistas, una obra sin actores, un show sin hombres. Su atención está puesta en los objetos que usualmente forman parte del fondo, la utilería o partes del escenario. Bajo la dirección de Goebbels, uno de los exponentes más destacados de la música y el teatro contemporáneo del mundo, el foco está en la mecánica de la producción. ‘Normalmente, el teatro refleja lo que ya sabemos’, dice Goebbel. ‘Pero eso me parece aburrido. Por cientos de años, los actores han estado en el centro del escenario. Pero olvidamos que allí hay otras cosas que también tienen significado’ (…) Con sus aguas humeantes, sus retratos de un clima terrible, la ausencia de gente y una voz que lee una descripción que hacía Stifter de puntas de hielo bombardeando una expedición en trineos, es fácil interpretar este trabajo como un comentario sobre la amenaza del desastre ecológico.

Kate Connolly – The Guardian (Reino Unido)

A lo largo de los últimos años, Heiner Goebbles se ha establecido como uno de los más brillantemente innovadores creadores de Europa. Su nuevo trabajo, Stifters dinge, fusiona música clásica, jazz e indígena con imágenes, textos e instalaciones escultóricas (…) Despliega una secuencia de imágenes que dejan sin aliento protagonizadas por cinco pianos desnudados hasta la médula y suspendidos, por un paisaje alemán idílico, por un lago sulfúrico y por un lote de maravillas tecnológicas (…) La gloria de este enriquecedor trabajo es que puedes entenderlo de muchas formas: una interpretación ecológica podría ser convincente. El alcance total de esta concepción –desde lo primitivo a lo futurista, abarcando lo campestre y lo industrial- invita a la multiplicidad de lecturas. La prodigiosidad del concepto visual (Klaus Grünberg) y la increíble hechicería tecnológica ayudan a transforman este espectáculo en algo que resuena por largo tiempo en la cabeza.

Barry Millington – Evening Standard

Al promocionar Stifters dinge, el Lincoln Center se ha rehusado a revelar demasiada información sobre la obra, la cual es en partes iguales una performance musical, una presentación teatral, una instalación de art y un espacio medioambiental. Ahora que he visto este extraño y cautivante trabajo, puedo entender la precaución del equipo de relaciones públicas del Lincoln Center. No significa que la experiencia de Stifters dinge quedará arruinada para el público que escuche descripciones de ella. Se trata de que Heiner Goebbels, compositor alemán creador de piezas musical-teatrales poco convencionales y de este trabajo, no quiere que la gente llegue con una idea preconcebida de lo que están a punto de experimentar.

Anthony Tommasini – The New York Times

La puesta en escena, realizada en conjunto con Klaus Grünberg, se mueve, cambia y desafía  constantemente. Trata sobre las disparidades: piscinas de agua burbujeante, lluvia, nieve, hielo, esculturas de desechos, fachadas industriales, teclados deconstruidos, ramas estilizadas, luces tristes, humo espeluznante y paisajes pintorescos. La tecnología en escena es asombrosa -imaginen a Rube Goldberg en ácido- aunque los técnicos sean invisibles (…) La urgencia intelectual de Stifters dinge disminuye a medida que este mosaico expresivo se expande. Obviamente aquí hay mucho más que lo evidente para los ojos y oídos, seguro más que un ingenuo lamento por la naturaleza en decadencia. El mensaje final permanece difuso. Pero Goebbels se las arregla para mantener su foco brillante, su vocabulario valiente y su imagen seductora. Para 70 mágicos minutos, es más que suficiente.

Martin Bernheimer – Financial Times

Stifters dinge es una recreación de una naturaleza que escapa al hombre. Y le atrapa, aunque no de una manera perceptible y rotunda como lo hacía el universo de Eraritjaritjaka. El de este montaje es más íntimo, más huidizo. En cualquier caso, tras la representación, tanto los espectadores atrapados como los que no se agrupan alrededor de ese dispositivo escénico para averiguar cómo funciona ese calculado conjunto. Y es que finalmente Stifters dinge es también una instalación conceptual.

Begoña Barrena – El País (España)

Idea, música y dirección Heiner Goebbels
Escenografía, iluminación y video Klaus Grünberg
Colaboración musical / programación Hubert Machnik
Diseño de sonido Willi Bopp
Colaboración artística Matthias Mohr
Con la colaboración artística y técnica del equipo del Théâtre Vidy-Lausanne
Dirección de escena Nicolas Bridel
Técnico de luces Roby Carruba
Video Stéphane Janvier
Robótica Thierry Kaltenrieder
Asistencia y supervisión musical Matthias Mohr
Asistencia de dirección de escena Jean-Daniel Buri, Fabio Gaggetta
Jefe en gira Elizabeth Gay
Dirección técnica Michel Beuchat
Producción ejecutiva ThéâtreVidy-Lausanne
Coproductores Spielzeit’europa I Berliner Festspiele, Grand Théâtre de Luxembourg, Schauspiel Frankfurt, T&M –Théâtre de Gennevilliers/CDN, Pour-cent culturel Migros
Co-comisionada por Artangel (Londres)
Gira con el apoyo de Pro Helvetia 

Clase magistral con Heiner Goebbels: The drama of the media, el teatro como experiencia.

Stifters Dinge (Stifter’s Stuff) is a composition for five pianos with no pianists; a play without actors, a performance without performers. Indeed, it might be said it is a show without people. First and foremost, it is an invitation to the public to enter a fascinating space of sounds and pictures, an invitation to see and hear. The show explores the consciousness of things that in theater are often part of the set or are used props, thus with a merely ornamental role. Here light, photos, murmurs, sounds, voices, wind and fog, water and ice become the leading performers.

As the name suggests, the work refers to the texts of Adalbert Stifter, a romantic author of the early nineteenth century. Stifter wrote his works paying as much attention to detail as would do a painter. His plots, written with a thorough description of nature, evidence his respect for things: the descriptive passages force the reader to slow down the reading pace and grasp every detail. Things and stuff tell their own history, while the characters are often stuck in the plot without being self-governing subjects of their stories. Most contemporary and radical aspects in Stifter’s work are evident in the intended deceleration of his narrative and ritual repetitions, particularly significant for the modern reader.

Stifters Dinge is inspired in his writing process, without seeking to stage neither his stories nor the objects he described. Instead, the performance / installation takes his text as a confrontation with the unknown and the forces men are unable dominate, as a plea to adopt other criteria and judgments different from ours, and even as an opportunity to come to terms with cultural references weare not familiar with, particularly in the field of ecological disasters, which Stifter already envisioned with his usual eye for detail.

Heiner Goebbels is a German composer and director born in 1952. Graduate in sociology. He creates music theater productions, acted concerts, radio works, compositions for groups and big bands. As a composer, he works with the best bands and orchestras (Ensemble Modern, London Sinfonietta, Orchestra of the Age of Enlightenment, Berlin Philharmonics) and conductors (Lothar Zagrosek, Sir Simon Rattle, Peter Eötvös, Peter Rundel among many others).

Since the early 90s he has composed and directed unique and recognized theater works, such as Black on White (1996), Max Black (1998), Eislermaterial (1998), Hashirigaki (2000), Landscape with distant relatives (2002), Eraritjaritjaka (2004), Stifters Dinge (2007), Songs of Wars I have seen (2007), I went to the house but did not enter (2008), among many others, almost all of them produced by the Théâtre Vidy Lausanne. He has also been invited to the major theater and music festivals in Europe, USA, South America, Australia and Asia.

Heiner Goebbels works as a professor at the Institute for Applied Theatre Studies of the Justus Liebig University in Giessen (Germany) and is President of the Theatre Academy Hessen. From 2012 to 2014 he is the artistic director of the International Festival of the Arts Ruhrtriennale. His works have been twice nominated for the Grammy Awards, and in Goebbels received the 2012 Ibsen Award, one of the most prestigious theater prizes in the world.

“The experimental show has been called many things – a sculptural installation, a performative composition, a piano piece without pianists, a play without players, a no-man show. Its attention is on the objects that would usually form the background, the props or parts of the set. Under the direction of Goebbels, one of the world’s leading exponents of contemporary music and theatre, it is the mechanics of the production that become the work’s focus. ‘Normally, theatre mirrors that which we already know,’ Goebbels says. ‘But I think that’s boring. For hundreds of years, the actors have been centre stage. But we forget there are other things that also have a meaning.’(…)

With its ominous steaming waters, its portrayals of dramatic weather, the absence of people, and a voiced Stifter description of melting icicles bombarding a sledging expedition, it is easy to see the work as a comment on the threat of environmental disaster.”

Kate Connolly – The Guardian (UK)

“Over the past few years, Heiner Goebbels has established himself as one of the most brilliantly innovative creators in Europe. His new work, Stifter’s Dinge, typically fuses classical, jazz and traditional indigenous music with visuals, text and sculptural installation (…) unfolds a sequence of breathtaking imagination featuring five pianos stripped to their guts and suspended, an idyllic German landscape, a sulphurous lake and a plethora of technological marvels (…) The glory of this richly comprehensive work is that you can understand it in many ways: an ecological interpretation would be equally convincing. The sheer scope of the conception — from the primeval to the futuristic, taking in the pastoral and the industrial — invites a multiplicity of readings. The prodigality of the visual concept (Klaus Grünberg) and the stupefying technological wizardry help make this show something that resonates long after in the mind.”

Barry Millington – London Evening Standard

“In its promotion of Stifters Dinge, Lincoln Center has been reluctant to reveal too much about the piece, which is equal parts musical performance, theatrical presentation, art installation and environmental space. Now that I have seen this strange and captivating work, which opened at the Park Avenue Armory on Wednesday night as part of Lincoln Center’s boundary-blurring New Visions series, I can understand the wariness of the public-relations department. It is not that the experience of “Stifters Dinge” will be spoiled for audiences by hearing it described in advance, as I am about to do. But Heiner Goebbels, the German composer and creator of unconventional music-theater pieces, who conceived, composed and directed the work, does not want people to arrive with some fixed idea of what they are going to experience.”

Anthony Tommasini – The New York Times

“The setting, realised in conjunction with Klaus Grünberg, moves constantly, shifts constantly, challenges constantly. It deals in disparities: pools of bubbly water, rain, snow, ice, junk sculptures, industrial façades, deconstructed keyboards, stylised branches, moody lights, spooky smoke and painterly panoramas. The technology on display is staggering – think Rube Goldberg on acid – though the technicians are invisible (…) The intellectual urgency of Stifters Dinge somehow diminishes as the expressive mosaic expands. Obviously there is more here than immediately meets the eye and ear, certainly more than a naive lament for nature in decay. The ultimate message remains vague. But Goebbels manages to keep his focus bright, his vocabulary brave and his appeal sensual. For 70 magical minutes it is enough.”

Martin Bernheimer – Financial Times

«Stifters dinge is a recreation of nature beyond man. And it catches him, although not as visibly and completely as the Eraritjaritjaka universe did. This staging is more intimate, more elusive. In any case, after the performance, both the ensnared viewers and the unmoved ones gather around the scenic device as to figure out how that calculated arrangement works. For ultimately, Stifters dinge is also a conceptual installation.»

Begoña Barrena – El País (Spain)

INFORMATION SHEET

Concept, Music y Direction Heiner Goebbels
Setting, Lightning and Video Klaus Grünberg
Music Collaboration/Programming Hubert Machnik
Sound Design Willi Bopp
Artistic Collaboration Matthias Mohr
With artistic and technical collaboration by Théâtre Vidy-Lausanne
Stage Director Nicolas Bridel
Lightning Technician Roby Carruba
Video Stéphane Janvier
Robotics Thierry Kaltenrieder
Assistant Music and Supervisor Matthias Mohr
Assistant Stage Director Jean-Daniel Buri, Fabio Gaggetta
Tour Manager Elizabeth Gay
Technical Director Michel Beuchat
Executive Production ThéâtreVidy-Lausanne
Coproducers Spielzeit’europa I Berliner Festspiele, Grand Théâtre de Luxembourg, Schauspiel Frankfurt, T&M – Théâtre de Gennevilliers/CDN, Pour-cent culturel Migros
Co-commissioned by Artangel (Londres)
Tour sponsored by Pro Helvetia SCENIC LAB

Master class with Heiner Goebbels: The Drama of The Media.

Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church asume una postura crítica con respecto a la corriente de danza posmoderna que emanó de la famosa Judson Church de Nueva York. Desarrollando su trabajo como un encuentro imaginario entre las estéticas de la Judson Church y del voguing (baile moderno de los años 80 donde los bailarines posan como modelos), Trajal Harrell reescribe el minimalismo de la danza posmoderna con un nuevo conjunto de símbolos.

¿Qué hubiera pasado si en 1963 alguien cercano a la escena del voguing de Harlem se hubiera acercado a baila junto a los tempranos posmodernos de la Judson Church? es la pregunta central de esta pieza de Harrell.

Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church se ha producido en 6 tamaños diferentes: extra small (XS); small (S); medium (M)imosa, en colaboración con Cecilia Bengolea, Francois Chaignaud y Marlene Monteiro; junior (jr.); large (L), que viene a Chile; y made-to-measure (M2M). Más que crear una ficción histórica, estas piezas trasladan una propuesta al contexto actual. Lo que se experimenta no hubiera sido posible en las fiestas de Harlem ni en Judson. Algo nuevo nace, aquí y ahora.

En el caso de Antigone Sr., la tamaño (L), Trajal Harrell busca re-imaginar el teatro clásico de la Antigua Grecia. ¿Es posible que el voguing y este teatro antiguo no estuvieran tan alejados en sus estrategias performáticas? Hoy, cuando vemos a un hombre actuar como una mujer, resulta fácil clasificarlo como drag, travestismo u otras nociones vinculadas a la identidad sexual. Pero las identidades sexuales en la Antigua Grecia no cabían en esas categorías que identificamos hoy. Quizá esta mezcla de géneros tenía sus propios códigos y referencias. ¿Podemos imaginar que existía una verdad del Teatro Griego que, al igual que el voguing, el género, la clase o el estatus social, fuera revelada como una construcción de códigos de la moda y el movimiento? Es fácil olvidar, después de tantas capas de interpretaciones clásicas, que el teatro de la antigüedad era intrínsecamente político, cuyo propósito era educar y problematizar la importante responsabilidad de los ciudadanos de Atenas (todos hombres).

Y más aún, ¿cómo el travestismo en teatro funciona como una forma de activismo para debatir sobre las ciudadanas mujeres? ¿Estos artistas –actores, directores y dramaturgos- usaron esta particular forma de actuación para cambiar las creencias políticas de su tiempo? En Antígona, una mujer joven y de la realeza va contra el máximo líder de sus tierras, el rey, no sólo en acciones y con la ley, sino también con debate e intelecto. Aunque su estatus de mujer hace que sus acciones sean aún más antagónicas, Harrell explora su feminidad como un símbolo de politización para repensar la igualdad de género en la Antigua Grecia, y para ver quizá este contexto actoral antiguo visto como un “conflicto de género” no es tan diferente a los discursos predominantes de nuestros días.

Por lo tanto, la pregunta central se transformó en cómo llevar al voguing la obra Antígona. La tragedia griega no era trágica en términos de la academia clásica. El texto sólo era un elemento dentro de un contexto dionisíaco de libertad y excesos de todo tipo. Así, ¿qué nuevos significados se producen mediante esta operación, así como nuevas relaciones con los públicos de teatro y danza contemporánea? Y más aún, ¿qué hubiera significado voguear Antígona en el contexto de la Judson Church en 1963?, ¿se hubiera generado un anacronismo estético que en el futuro hubiera distanciado al bailarín de Harlem de sus nuevos compañeros de la Judson? Esas son las preguntas que están detrás de esta creación. Es imposible saber con exactitud cómo fue ese teatro. No hay videos, pero re-imaginando las posibilidades, quizá re-imaginemos las nociones que hoy tenemos frente al género, la clase, la sexualidad y la ciudadanía.

Trajal Harrell es un coreógrafo de Nueva York que trabaja en Europa, Asia, América del Norte y de Sur. Es reconocido por su serie de trabajos Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church, los cuales re-imaginan un encuentro entre la primera danza posmoderna y la tradición del estilo de baile conocido como voguing. En 2012 estrenó la última pieza de la serie, siendo la primera obra de danza comisionada por el MoMA PS1. Su más reciente trabajo examina la danza butoh desde la práctica teórica del voguing. Esta obra, Used, Abused, and Hung Out to Dry, se estrenó en el Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York en febrero de 2013.

Cuando lo drag y la danza moderna colisionan

Trajal Harrell es un coreógrafo reflexivo. Hace diez años, se preguntó qué hubiera pasado si, a comienzos de los años 60, los drag Queens de Harlem hubieran llevado su voguing al centro, a Washington Square, para bailar con los vanguardistas posmodernos del Judson Dance Theatre. Poco antes de eso, había presentado un solo minimalista en la Judson Church sobre el posing y el voguing, descubriendo entonces que las fiestas drag de Harlem se hicieron famosas al mismo tiempo que el colectivo de la Judson Church. Entonces se preguntó por qué Judson era una parte aceptada de la historia de la danza, y el voguing no lo era. Durante los últimos años ha explotado esta veta astutamente. El título de su trabajo presentado hace poco en New York Live Arts, Antigone Sr./Twenty Looks or Paris Is Burning at the Judson Church (L), da una pista de lo lejos que ha ido examinando el imaginario encuentro entre ambos mundos. Pero de ninguna manera logró prepararme para lo que vi. Estoy seguro de que nada podría haberlo hecho.

Andrew Boynton – The New Yorker (Estados Unidos)

Trajal Harrell: ¡La próxima Martha Graham ha llegado!

El coreógrafo y artista Trajal Harrell nos demuestra, con tres espectáculos en nueva York y una nominación a los premios Bessie, por qué muchos creen que su trabajo ha estado transformando el arte de la danza de la misma forma que Martha Graham lo hizo en el siglo XX. El graduado de Yale y merecedor de la Beca Guggenheim empuja los límites de la danza incorporando elementos de otras formas artísticas de maneras que a nadie más se le ocurrirían. Valientemente confronta y desafía a sus espectadores, explorando lo “imposible” para revelar lo que es posible. Y todo eso lo hace con humor, drama, emoción y amor. Cuando te metes en su mundo, te das cuenta que su arte, cerebral y seductor –que años atrás empezó a incorporar movimientos de las pasarelas de moda y hoy familiariza al público con el “voguing” de las fiestas de Harlem-, habla de imaginación y esperanza.

Julie Chae – The Huffington Post (Estados Unidos)

Coreografía Trajal Harrell
Bailarines Trajal Harrell, Stephen Thompson, Thibault Lac, Rob Fordeyn, Ondrej Vidlar
Diseño de escenografía Erik Flatmo
Diseño de iluminación Jan Maertens
Diseño de sonido Robin Meier y Trajal Harrell
Dramaturgia Gérard Mayen
Coproducción New York Live Arts | CNDC Angers | CCN Belfort
Apoyo residencia WpZimmer- Antwerp | Workspace Brussels | Pact Zollverein-Essen | Dansens Hus-Stockholm
Apoyo de fundaciones The Jerome Foundation | The Multi-Arts Production Fund | The Joyce Mertz-Gilmore Foundation 

Taller: Voguing en la danza contemporánea

Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church assumes a critical stance towards the current postmodern dance that emanated from the famous Judson Church in New York. A project that he began over 10 years ago, this series looks at the relationship between the voguing dance tradition that originated in the Harlem balls and the establishment of early postmodern dance at Judson Church around the same time in New York in 1963. In this work, TrajalHarrell rewrites the minimalism of postmodern dance with a new set of symbols, thus hinting at the lengths he has gone to in examining the imagined meeting of these worlds.

What would have happened if, in the early sixties, drag queens from Harlem had brought their voguing downtown, to Washington Square, to perform with the pathbreakingpostmoderns of the Judson Dance Theatre?This is main query in Harrell’s work.

Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church has been produced in 6 different «sizes»: extra small (XS); small (S) medium (M)imosa, in collaboration with Cecilia Bengolea, Francois Chaignaud and Marlene Monteiro; junior (jr.), large (L), which is the one to be staged in Chile, and made-to-measure (M2M). Rather than creating a historical fiction, these pieces move a proposal to the current context. What Trajal invites us to experience would have been neither possible in Harlem parties nor in Judson. Then, something new is born, here and now.

In the case of Antigone Sr., size (L) , Trajal Harrell seeks to re- imagine the classic theater of Ancient Greece by looking at the relationship between this ancient theater and the voguing dance tradition. After some research, Harrell concludes that the aesthetic strategies of these two were not so far apart and a voguing ball might be much closer to what the theater of antiquity was like than most of what we see today. Today, when we see a man act like a woman, we readily classify him as drag, transvestite and other notions related to sexual identity. But sexual identities in ancient Greece did not fit into these modern categories. Perhaps this mix of genres had their own codes and references. Can we imagine that there was a «truth of the Greek Theatre» in which, like in that of voguing, gender , class or social status, were revealed as a construction of codes of fashion and movement? After many layers of traditional interpretations, it is easy to forget the fact that the theater of antiquity was inherently political and that its primary aim was to educate and problematize the important responsibility of Athens’ citizens of (all of them men).

And even more, how does transvestism function in theater as a form of activism to discuss about female citizens? Did these artists – actors, directors and playwrights – use this particular acting to change the political beliefs of his time? In Antigone, a young royal woman confronts the leader of the land, the king, not only in actions and the law, but also with debate and intellect. Although her female condition turns her actions even more antagonistic, Harrell explores her femininity as a symbol of politicization for rethinking the notion of gender equality in the Ancient Greece, and perhaps to see this ancient acting context seen as a «gender conflict», not very different from the dominant discourses of our epoch.

Therefore, the central question became how to bring the piece Antigone to the voguing tradition. Greek tragedy was not tragic in terms of the classical academy. The text was only one element within a context of Dionysian freedom and excesses of all kinds. So, what new meanings are produced by this operation? What new relationships between theater viewers and contemporary dance audiences can be established? And furthermore, what would mean Antigone voguing in the context of the Judson Church, back in 1963? Would this have meant an aesthetic anachronism that, in the future, had detached the Harlem dancer from his new fellow dancers from Judson? Those are the questions behind this creation. It is impossible to know exactly how that theater was; there is no footage available. Yet, by re- imagining the possibilities, perhaps we re- imagine the notions we have today regarding gender, class, sexuality and citizenship.

Trajal Harrell is a New York choreographer who works in Europe, Asia, North and South America. He is known for his series of works Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church, which re-imagine an encounter between the first post-modern dance and the voguing tradition. In 2012 he released the final piece of the series, being the first dance piece commissioned by MoMA PS1. His most recent work examines the butoh dance from the theoretical practice of voguing. In February 2013, he premiered this piece called Used, Abused, and Hung Out ​​to Dry at the Museum of Modern Art (MoMA ) in New York.

When drag and modern dance collide

Trajal Harrell is a thinking choreographer. Ten years ago, he asked a question: What would have happened if, in the early sixties, drag queens from Harlem had brought their voguing downtown, to Washington Square, to perform with the pathbreakingpostmoderns of the Judson Dance Theatre? Not long before, he had presented a minimalist solo at the Judson Church based on posing and voguing, and then discovered that the Harlem drag balls and the Judson collective started at around the same time, fifty years ago. He wondered why Judson was an accepted part of dance history and voguing wasn’t. For the past several years, he has been mining this lode, in canny ways. The title of the work he presented at New York Live Arts recently, “Antigone Sr./Twenty Looks or Paris Is Burning at the Judson Church (L),” hints at the lengths he’s gone to in examining the imagined meeting of these worlds. But it in no way prepared me for what I saw. I’m not sure anything could have.

 Andrew Boynton – The New Yorker (USA)

Trajal Harrell: The next Martha Graham has arrived!

Choreographer and artist Trajal Harrell shows us in October with three New York area performances and a Bessie Award nomination why many believe his work has been transforming the art of dance in the same way Martha Graham did in the 20th century. The Yale graduate and 2012 Guggenheim Fellowship recipient pushes the boundaries of dance by incorporating elements from other art forms in ways most would never consider. He courageously confronts and challenges his viewers, exploring the «impossible» to reveal what is possible. And, he does all of this with wit, drama, emotion and love. When you get right down to it, his cerebral, seductive art — which years ago began to feature fashion runway movement and now includes acquainting his audience with the facets of Harlem voguing balls — is about imagination and hope.

Julie Chae – The Huffington Post (USA)

CREDITS

CoreographerTrajal Harrell
Dancers  Trajal Harrell, Stephen Thompson, Thibault Lac, Rob Fordeyn, OndrejVidlar
Stage Design Erik Flatmo
Lightning Design Jan Maertens
Sound Design Robin Meier y Trajal Harrell
Playwright  GérardMayen
Coproduction New York Live Arts | CNDC Angers | CCN Belfort
Residency Support WpZimmer- Antwerp | Workspace Brussels | Pact Zollverein-Essen | Dansens Hus-Stockholm
Sponsoring  The Jerome Foundation | The Multi-Arts Production Fund | The Joyce Mertz-Gilmore Foundation 

Taller: Voguing en la danza contemporánea 

En Fole el movimiento es de expulsar. La práctica es hiperventilar y el deseo es salir de sí. Escogí la hiperventilación como una estrategia para explorar el fenómeno de feedback en la danza que estoy interesada en producir, entiendo el feedback como un proceso en el cual “el efecto de una pequeña perturbación en un sistema incluye un aumento en la magnitud de la perturbación. La respiración acelerada produce concretamente alteraciones en mi estado psicofísico, y así mantengo un proceso de constante actualización de sensaciones. El resultado es una danza que tiende a la inestabilidad, desorientación y exageración, que consecuentemente me llevan a la exploración de la paradoja de mover o ser movido.

Michelle Moura

Michelle Moura es performer y coreógrafa. Sus últimas creaciones son: CAVALO (2010) y Big Bang Boom (2012), donde desenvuelve estrategias para responder temporalmente la pregunta “¿qué mueve un cuerpo?”. Como performer colaboró y trabajó con Dani Lima, Alex Cassal, Fabián Gandin y Vincent Dupont. Fue cofundadora e integrante del ya extinto Couve-Flor Mini comunidad Artística Mundial. Sus estudios en danza ocurrieron en: Casa Hoffmann, Curitiba; Essais – Centro Nacional de Danza Contemporánea d’Angers (dirección artística de Emmanuelle Huynh), Francia; y actualmente cursa la maestría de AMCh Amsterdam Master of Choreography, de AHK.

Fole es un trabajo en proceso de Michelle Moura, presentado en el marco de la residencia Programa Artistas en Residencia. Después de tantos hombres, su delicadeza y suavidad femeninas son un contrapunto bienvenido. Una chica pequeñita y sin pretensiones, de pronto se para en el escenario y, respiración tras respiración, nos mete en un submundo de ambigüedades sensoriales. La obra despliega en la sala una afectividad que inevitablemente involucra al espectador.

Lucía Naser – Diario La Diaria (Uruguay)

Creación y performance Michelle Moura
Sonido Rodrigo Lemos
Luz Fábia Regina
Dramaturgia Alex Cassal
Producción Cândida Monte y Wellington Guitti
Agradecimentos Leticia Skrycky, Elisabete Finger, EspaçoCênico/Nena Inoue, Obragem/Olga Neneve y Eduardo Giacomini, Centro Coreográfico de Río de Janeiro, Tamara Gomez, Lucía Valeta, Vera Garat, Aurora Riet, Renata Moura
Apoyo Programa Artistas en Residencia PAR 2013 / Taller Casarrodante en conjunto con FIDCU – Festival de Danza Contemporánea del Uruguay
Esta obra es subsidiada por Programa Rumos Danza Itaú Cultural 2012-2014 

«In Fole, the movement is that of expelling. Practice is hyperventilating and desire is coming out of oneself. I chose hyperventilation as a strategy to explore the feedback phenomenon which I am interested in producing through dance. I understand feedback as a process in which «the effect of a small disruption in a system implies an increase in the magnitude of the disturbance». Specifically, rapid breathing causes alterations in my psychophysical state, and thus I maintain an ongoing process of updating my sensations. The result is a dance that tends to instability, confusion and exaggeration, which consequently leads me to explore the paradox of «to move» or «to be moved. ‘»

Michelle Moura.

Michelle Moura is performer and choreographer. Her latest creations are CAVALO (2010) and Big Bang Boom (2012), which develops strategies to temporarily answer the question «what moves a body?”. As a performer, she collaborated and worked with Dani Lima, Alex Cassal, Fabian Gandin and Vincent Dupont. She was co-founder and member of the now defunct Couve-Flor Mini World Artistic community. She studied dance at Casa Hoffmann, Curitiba, Essais – National Center of Contemporary Dance d’ Angers (artistic director Emmanuelle Huynh), France. She is currently doing the Amsterdam Master of Choreography (AMCh) at the Amsterdam School of the Arts (AHK).

«Fole is Michelle Moura’s work in process, presented as part of her residency in the Artists in Residency Program. After so many men, her feminine gentleness and delicacy stand for a refreshing counterpoint. A tiny and unassuming girl suddenly stands on the stage and, breath by breath, she gets us into an underworld of sensory ambiguities. On stage, the play unfolds an affectivity that inevitably engages the viewer. »

Lucía Naser – Diario La Diaria (Uruguay) 

Creation and performance Michelle Moura
Sound Rodrigo Lemos
Lightning Fábia Regina
Playwright Alex Cassal
Producer Cândida Monte y Wellington Guitti
Acknowledgements Leticia Skrycky, Elisabete Finger, EspaçoCênico/Nena Inoue, Obragem/Olga Neneve y Eduardo Giacomini, Centro Coreográfico de Río de Janeiro, Tamara Gomez, Lucía Valeta, Vera Garat, Aurora Riet, Renata Moura
Support Programa Artistas en Residencia PAR 2013 / Taller Casarrodante together with FIDCU – Festival de Danza Contemporánea del Uruguay
This play was funded by Programa Rumos Danza Itaú Cultural 2012-2014

Cinco jóvenes que crecieron durante el período del conflicto armado interno en el Perú se reúnen alrededor de una mesa para compartir hechos de su vida. Cinco familiares de personas directamente involucradas en diversos eventos políticos ocurridos en esta época cruzan sus biografías mediante fotos, recuerdos y videos para acercarse a la realidad que les tocó afrontar desde diferentes aristas. ¿Hasta qué punto se es hijo de? ¿De qué manera una experiencia personal se convierte en la historia del país? ¿Cuántas versiones existen sobre un mismo hecho?

Sebastián Rubio es egresado de Artes Escénicas de la Pontificia Universidad Católica del Perú. Estudió actuación con Roberto Ángeles y ha llevado talleres con Carlos Cueva (LOT), Arístides Vargas, el Bread & Puppet de Vermont. Como actor ha trabajado con diferentes directores, como Gisela Cárdenas y Juan Carlos Fisher, y ha formado parte del elenco de Sin Título (técnica mixta) de Yuyachkani, presentada en 2013 por Santiago a Mil. Ha actuado en las películas Cielo Oscuro (2009) y La Navaja de Don Juan (2011), y en diversas producciones para Perú y Latinoamérica. Ha dirigido Bocana – Ofelia Project (2009) y codirigido Colgados (2009), Aulide – Apología de la Familia (2011) y Proyecto 1980/2000 (2012) con Claudia Tangoa.

Claudia Tangoa es egresada de la especialidad de Artes Escénicas de la Pontificia Universidad Católica del Perú. Ha seguido talleres de Performance con Jill Greenhalhg y Rocío Solís, y de teatro con Arístides Vargas y el Odin Teatret. Ha participado como actriz en Bocana – Ofelia Project dirigida por Sebastián Rubio (2009) y Aula Lot dirigida por Carlos Cueva (2011). Ha trabajado como asistente de dirección de Gisela Cárdenas y Carlos Cueva en los últimos tres años. Ha codirigido Colgados (2009) y Aulide – Apología de la Familia (2011). En 2013 fue miembro del Lincoln Center Theater Directors Lab. Actualmente, es asistente de cátedra en los cursos de actuación en la especialidad de Artes Escénicas de la UCSUR.

Todos ellos están en un mismo escenario conversando, bailando, rien­do y llorando. Todos ellos nos restriegan en la cara que somos un solo país y que si ponemos un poco de nuestra parte podemos llegar a serlo. Proyecto 1980/2000, de Rubio y Tangoa, busca reconciliar los dis­tintos puntos de vista durante el conflicto interno y de la época de la corrupción fujimorista, a su vez hacer un ejercicio de memoria para los jóvenes que no lo vivieron. Luego de verla, sigue el emocionado y agradecido silencio –a veces lá­grimas catárticas y sollozos– por sentirte protagonista y, como tal, parte de esa obra también llamada Perú.

Paola Ugaz – Diario La República (Perú)

Gratitud quizás por el hecho de que Proyecto 1980/2000 ha abierto ojos, mentes y corazones al revisitar de manera honesta el pasado do­loroso del Perú, en una producción que es, verdaderamente, un ejem­plo del arte imitando a la vida.

Dann Collyns – CCTV (Estados Unidos)

Dirección Sebastián Rubio y Claudia Tangoa
Producción ejecutiva Claudia Córdova Zignago
Elenco Carolina Oyague, Sebastián Kouri, Manolo Jaime, Amanda Hume, Lettor Acosta
Dirección de arte Sebastián Rubio y Claudia Tangoa
Dirección técnica Mariano Márquez
Diseño de luces Mariano Márquez
Música Sebastián Kouri
Videos Rodrigo Gutiérrez
Fotografía Claudia Córdova Zignago
Diseño gráfico Christopher Sajoux
Asistencia de producción Gabriela García y Fabiola Zurita
Obra ganadora de Ayudas a la Producción y Exhibición de Artes Escénicas en Perú – 2012 del Centro Cultural de España en Lima
Apoyo Promperú, Ministerio de Cultura del Perú 

Conversaciones teatrales: Bolívar en escena: Teatro latinoamericano contemporáneo.

Taller: Memorias en conflicto 

Five young people who grew up during the period of the internal armed conflict in Peru gather around a table to share events in their lives. Five children of those directly involved in various political events at epoch crisscross their biographies with photos, memories and videos so as to approach the reality they had to face from different angles. To what extent are we defined for being the ‘child of’? How does a personal experience become the country’s history? How many versions of a single event can exist?

Sebastián Rubio is a graduate in Performing Arts from the Pontificia Universidad Catolica del Peru. He studied acting with Roberto Angeles and has led workshops with Carlos Cueva (LOT), Aristides Vargas, and the Bread & Puppet in Vermont. As an actor, he has worked with different directors such as Gisela Cardenas and Juan Carlos Fisher, and has been part of the cast of Sin Título (Untitled) (mixed media) by Yuyachkani, released in 2013 by Santiago a Mil. Also, he has appeared in the film Cielo Oscuro (Dark Sky) (2009) and La Navaja de Don Juan (Don Juan’s Razor) (2011), along with various productions for Peru and Latin America. Rubio also directed Bocana – Ophelia Project (2009) and co-directed Colgados (Hung) (2009), Aulide – Apología de la Familia  (2011) and Proyecto 1980/2000(2012) with Claudia Tangoa.

Tangoa Claudia is holds a degree in Performing Arts from the Pontificia Universidad Católica of Peru. She has taken Performance workshops with Jill Greenhalhg and Rocío Solís, and theater workshops with Aristides Vargas and the Odin Teatret. Additionally, she has performed as an actress in Bocana – Ophelia Project directed by Sebastián Rubio (2009) and Aula Lot, directed by Carlos Cueva (2011). For the last three years, she has been working as assistant director to Gisela Cardenas and Carlos Cueva. She has also co-directed Colgados (2009) and Aulide- Apología de la Familia (2011). In 2013, she was a member of the Lincoln Center Theater Directors Lab. Nowadays she is assistant professor of the specialization acting courses in the Performing Arts Program held at UCSUR.

«They are all on the same stage talking, dancing, crying and laughing.  All of them rub their noses in the fact that we are one single country and that, if we all do our bit, we can become united. Proyecto 1980/2000, by Rubio and Tangoa, seeks to reconcile the opposing views during the internal conflict and corruption of the Fujimori era. In turn, it aims at suggesting a memory work on the part of younger people who did not lived those times. After watching it, the moved and grateful silence remains –every now and then releasing tears and sobs – when realizing we are protagonists and, as such, part of that drama also called Peru.»

Paola Ugaz – Diario La República (Perú)

“Perhaps grateful in that Proyecto 1980/2000has opened eyes, minds and hearts by revisiting, with total honesty, a painful chapter in Peru’s past history, in a production that is truly an example of art imitating life».

Dann Collyns – CCTV (United States) 

Direction Sebastian Rubio and Claudia Tangoa
Executive ProducerClaudia Córdova Zignago
Cast Carolina Oyague, Sebastián Kouri, Manolo Jaime, Amanda Hume, Lettor Acosta
Art Director SebastiánRubio and Claudia Tangoa
Technical director Mariano Márquez
Lighting design Mariano Márquez
Music Sebastián Kouri
Video Rodrigo Gutiérrez
Photography Claudia Córdova Zignago
Graphic Design Christopher Sajoux
Assistant Producer Gabriela García and Fabiola Zurita
This play was granted the funding Ayudas a la Producción and Exhibición de Artes Escénicas en Perú – 2012 of Centro Cultural de España, Lima
Sponsoring Promperú, Ministerio de Cultura del Perú 

Conversaciones teatrales: Bolívar en escena: Teatro latinoamericano contemporáneo.

Taller: Memorias en conflicto

Una mañana, un joven y sus vecinos despiertan en su casa golpeados, atados y amordazados. Frente a ellos, dos hombres desconocidos, con modales muy finos, aceptan la responsabilidad de esta situación. ¿Para qué están ahí?¿Un arresto domiciliario? Tal vez. ¿Son asesinos a sueldo? Tal vez. ¿Es una peculiar entrevista de trabajo? Tal vez. ¿Son simplemente unos mal-entretenidos? Tal vez. Mátame, por favor atisba con humor inoportuno un hogar de clase media-alta enfrentándose a la violación de la privacidad. Cuestiona una forma de vivir, de sobrevivir y de pretender morir.

Eduardo Calla (La Paz, 1980). Autor, director y productor de teatro. Fundador y director del colectivo Escena 163. Ganador en dos ocasiones del premio nacional de teatro Bertolt Brecht. Sus obras fueron publicadas en Bolivia, Cuba y España. Realizó residencias de creación en Argentina, Alemania y Francia, y fue becado para estudios de dramaturgia y dirección en España. Representó a Bolivia en importantes festivales internacionales de teatro en Argentina, Chile, Cuba, Perú, Ecuador, Francia, Alemania y España.

ESCENA 163 es un colectivo artístico que trabaja desde el año 2004. Fundado y dirigido por el autor y director Eduardo Calla. Se caracteriza por trabajar principalmente en creaciones teatrales de texto propio y lenguaje experimental, en las que participan actrices y actores de reconocida trayectoria. A la fecha cuenta con ocho producciones, en las cuales predominó la búsqueda de calidad artística y de producción, además del encuentro con el público y el sostenimiento de las obras a través de los años. ESCENA 163, y su director Eduardo Calla, han representado a Bolivia en Chile, Argentina, Perú, Ecuador, Cuba, Alemania, España y Francia.

Misterio, explotación psicológica y supervivencia, como en una obra de Sam Peckinpah y su hijo bastardo, Tarantino (…) El hora y cuarto de sátira tragicómica del grupo salvaje (Escena 163) tiene un pilar sólido: la sobria actuación de Cristian Mercado… Lo que hace Cristian es un auténtico tour de forcé liderando una banda-plan (…) Mátame, por favor nos trae de vuelta a un dramaturgo y director, Eduardo Calla, atrevido y audaz, arriesgado que con un texto propio echa una mirada sobre nuestra sociedad, sus miedos y prisiones, sus taras y esa violencia en todo su esplendor que todo lo cohesiona. 

Ricardo Bajo – La Razón (Bolivia)

La obra logra distinguirse por un libreto solvente y la actuación excelente de Cristian Mercado, como líder de los secuestradores: un malvado intelectual, una suerte de diabólico Bob Patiño, que escribe una novela. (…) Es destacable en la obra su desapego a lo tradicional y su audacia para volar; la fuerza de los monólogos de Mercado; la innovadora dupla del teatro con el video; la música; y la tensión (a veces franca incomodidad) que logra en el público… Después, a casita y a cerrar bien la puerta. 

Liliana Carrillo – Oxígeno Bolivia (Bolivia)

El pequeño, pero impresionante elenco son la clave al momento de crear una atmósfera en la cual la audiencia se articula con los diferentes personajes y se encuentran a sí mismos, literalmente, en el borde de sus asientos a través de toda la representación. Cristian Mercado destaca, ofreciendo una excelente actuación como el jefe de los captores… Es una representación llena de extremos y contrastes: violencia, humor, miedo, chistes, y atrocidades. Sobre todo, se trata de un drama en el que el público juega un papel activo alimentado por el impacto psicológico junto con la misteriosa naturaleza de la obra, lo que provoca una actitud de cuestionamiento entre los espectadores. A través de su propio texto, Calla da una representación de la sociedad que no es muy atractiva, mostrando la desesperación, la humillación y la brutalidad de un mundo no tan perfecto….

Lauren Bell – Bolivian Express (Bolivia)

La nueva obra del joven dramaturgo Eduardo Calla no deja indiferente a nadie (…) Mátame sigue la saga de Calla, quien -como ya dijimos en otra ocasión- prefiere mirar junto a otros jóvenes una porción de nuestro cotidiano que no aparece en las casitas burguesas, en los hogares simpáticos: el maltrato al límite de la perversidad (…) El lleno de todas las butacas y con gente esperando que alguien falte, en el horario de 10 de la noche, muestra que Calla tiene un público cautivo, marcadamente los jóvenes de la democracia, que tienen lecturas diferentes sobre la violencia de este nuevo siglo.

Lupe Cajías – Noticias Fides (Bolivia)

Mátame, por favor es el irónico titulo de la nueva obra de Calla. La que cobra vida por la dupla de perversos: el protagonista, encarnado por el conocido actor Cristian Mercado y el nervioso cómplice, interpretado por Anuar Elías, personaje  bien construido,  que se lleva las risas del público, como servil  ser vil,  o débil Igor, par o complemento del fuerte doctor de la desgracia (Mercado) (…) El logro de Calla está en torcer la tuerca del posible desenlace de la historia más de dos o tres veces, dar cuerda al guión y volcar rápidamente la tortilla. Está en mostrarnos un trabajo más prolijo en video arte, que deja de ser mero complemento, para integrarse a la obra. La video creación pertenece a Álvaro Manzano. También la música, la selección de temas varios (musicalización de Patricia García), alcanza la vida que reclaman las escenas de  la obra, acortando la distancia entre el observador y la parodia. Pero sobre todo el acierto estriba, en dar un lugar  preponderante  a la lectura de un  texto  a modo de confesión (o pseudo Diálogo de la Vagina en el corazón de un hombre perverso), este texto en simbiosis con la música y el video, aparece como un cuadro oscuro inserto dentro del cuadro más grande de la historia.

Ada Zapata – Revista Palabras Más (Bolivia)

La situación recuerda el suspenso y la violencia de películas como La Naranja Mecánica, el argumento en Saw, Tesis, o Funny Games, y el título de la obra suena a algo escuchado en Grotesque. De hecho, toda la dramaturgia descansa en el universo gore que encontramos en los puestitos de películas piratas. La banda sonora, que incluye Like a Virgin de Madonna y una versión alucinada de Brasil, añade el toque de ironía clásico que Eduardo Calla pone en sus producciones, ensayos críticos de la sociedad y “la violencia pura en el Estado de derecho”, donde no falta algún platito, esta vez fideos de arroz chinos y gelatina roja.

Elsa Patton – El País (Bolivia)

Grupo Escena 163
Autor y director Eduardo Calla
Actores Cristian Mercado, Wara Cajías, Anuar Elías, Bernardo Arancibia, Mauricio Toledo
Figurantes en video Miguel Vargas, Arley Delaine
Diseño de arte y vestuario Melany Zuazo
Planos y visualización 3D Giancarlo Venero – Kinza Studio
Realización de vestuario Mitzi Callejas
Musicalización Patricia García
Diseño de iluminación Daniela Cajías
Guión video Álvaro Manzano y Eduardo Calla
Producción de video Denisse Arancibia y Alfredo Abudabi
Edición de video Dessiré Cabrera
Diseño gráfico Anuar Elías
Comunicación Sharoll Fernández
Producción de escena Wara Cajías
Asistencia de producción Sabrina Quisbert
Producción ejecutiva Álvaro Manzano y Eduardo Calla
Una producción de Escena 163
Patrocinio Festival Internacional Santiago a Mil

Créditos soundtrack
Song– Smog
Twisted Nerve – Bernard Herrmann
Sisters! Brothers! Small Boats of Fire are Falling from the Sky – Silver Mt Zion
The Universal – Blur
Like a Virgin – Madonna
Brazil – Ray Connif
Yesterday – Gheorghe Zamfir
A Perfect Day – Lou Reed

Conversaciones teatrales: Bolívar en escena: Teatro latinoamericano contemporáneo.

Encuentro de Trasnoche: GAM, N1 viernes 17 de enero 21:45-22:30

One morning, a young man and his neighbors wake up beaten, bound and gagged. Two refined strangers stand before them and take responsibility for this situation. Why are they there? Is it a house arrest? Maybe. Are they hitmen? Perhaps. Is this a peculiar job interview? Who knows? Are they simply unentertained? Possibly.  With inappropriate humor, Matame, por favor glimpses the home of an upper-middle class family facing the invasion of their privacy. This way, it challenges a way of living, of surviving and aiming to die.

Eduardo Calla (La Paz, 1980). Author, director and Theater Producer. He is founder and director of the collective Escena 163 and twice winner of the Bertolt Brecht National Award for Theater. His works have been published in Bolivia, Cuba and Spain. Additionally, he carried out creation residencies in Argentina, Germany and France, and was awarded a scholarship to study Drama and Direction in Spain. He has represented Bolivia on major international theater festivals in Argentina, Chile, Cuba, Peru, Ecuador, France, Germany and Spain.

ESCENA 163 is an artist collective working since 2004, founded and led by author and director Eduardo Calla. Its main feature is working primarily on their own theatrical creations and experimental language, performed by renowned actors and actresses. To date, the artist collective has eight productions, characterized by the search for artistic and production quality, in addition to the contact with the public and the lasting of the plays through the years. SCENA 163 and its director Eduardo Calla have represented Bolivia in Chile, Argentina, Peru, Ecuador,Cuba, Germany, Spain and France.

«Mystery, psychological exploitation and subsistence, as in a work of Sam Peckinpah and his bastard child, Tarantino ( … ) The hour and fifteen minutes of tragicomic satire by the wild group (Escena 163)” has a solid foundation: Cristian Mercado’s minimalist acting… what Cristian achieves when leading the band-plan is a real tour de force(…)Mátame, por favor (Kill me, please) brings us back to Eduardo Calla, a courageous and bold playwright and director who takes the risk of taking a look on our society through a text of his own. He looks into their fears and flaws, along with the violence which, in all its glory, brings everything together».

Ricardo Bass –La Razon (Bolivia)

«The play succeeds in standing out due to a sound playscript and the excellent performance of Cristian Mercado as leader of the kidnappers; an intellectual villain, a sort of evil Sideshow Bob who writes a novel. (…) The work is remarkable in its detachment from the traditional and its courage to explore beyond boundaries; the force of Mercado’s monologues and the innovative mingling of theater with video and music. Let alone the tension (sometimes plain discomfort) the play fosters in the audience… Then lock the door when you get home. »

Liliana Carrillo – Oxigeno(Bolivia)

«The small but impressive cast are key when creating an atmosphere in which the audience is articulated with the different characters and find themselves, literally, on the edge of their seats throughout the whole performance. Cristian Mercado is outstanding in his role of gang leader… It is a performance full of excesses and contrasts: violence, humor, fear, jokes, and cruelties. Above all, it is a drama in which viewers play an active role fueled by the psychological impact along with the mysterious nature of the work, which causes a questioning attitude among the audience. Through his own text, Calla furnishes a depiction of a not very attractive society, thus showing the despair, humiliation and brutality of a world far from perfect. »

Lauren Bell – Bolivian Express (Bolivia)                                

«The new play by young playwright Eduardo Calla leaves no one indifferent (…) Matame por favor continues Calla’s saga. As previously stated, he prefers to look, together with other young people, into a portion of our everyday life that is not in the middleclass houses, those comfy households: that of abuse bordering on perversity (…) staged the 10 pm timetable, with a full house at every performance and people outside waiting to get the chance to see the play; this demonstrates that Calla has a captive audience, particularly young people born in democracy who have different interpretations of this new century’s violence. »

Lupe Cajías – Noticias Fides (Bolivia)

«Matame, por favoris the ironic title of Calla’s latest play, the one that comes to life through the evil couple: the protagonist, played by famous actor Cristian Mercado, and his edgy coconspirator, a well-constructed character played by Elijah Anuar. The latter engages the audience with humor, playing a servile «mean being» or weak «Igor» who turns a complement or peer of the agent of disaster (Mercado) (…) Calla’s accomplishment lies in turning the screw of the possible outcome of the story more than two or three times, thus turning the tables on the script.  He also shows us a neat video art work, which is no longer mere complement but fully joins the play. The video creation is the work of Alvaro Manzano. The music, the precise selection of a variety of songs (sound effects and background music by Patricia García) brings life to each scene of the play, thus bridging the gap between the observer and the parody. But above all, the success lies in giving prominent place to the reading of a text as a confession (or pseudo Dialogos de la Vagina in the heart of a wicked man), this text in symbiosis with music and video appears as a small, dark picture inserted within the larger picture of history. »

Ada Zapata – Revista Palabras Mas (Bolivia)

«The situation resembles the suspense and violence in films like A Clockwork Orange, Saw’s plot, Tesis, or Funny Games, and the title of the book sounds like something heard in Grotesque. In fact, the entire drama rests on the gore universe found in these little stands where pirated movies are sold. The soundtrack, including «Like a Virgin” by Madonna and a feverish version of Brasil, adds the classic touch of irony Calla Eduardo puts into his productions, critical essays of society and «pure violence in the rule of law» where no saucer is missing, this time filled with Chinese rice noodles and red jelly. »

Elsa Patton – El Pais (Bolivia) 

Artist CollectiveEscena 163
Author and Director Eduardo Calla
Performers Cristian Mercado, Wara Cajías, Anuar Elías, Bernardo Arancibia, Mauricio Toledo
Extras on Video  Miguel Vargas, Arley Delaine
Art design and WardrobeMelany Zuazo
Clip Art and 3D visualization Giancarlo Venero – Kinza Studio
Costume DesignMitzi Callejas
Sound effects and Background MusicPatricia García
Lightning Design DanielaCajías
Video scriptÁlvaro Manzano y Eduardo Calla
Video ProducersDenisse Arancibia y Alfredo Abudabi
Edición de video Dessiré Cabrera
Graphic DesignAnuar Elías
CommunicationSharoll Fernández
Scene ProductionWara Cajías
Assistant ProducerSabrina Quisbert
Executive ProducersÁlvaro Manzano y Eduardo Calla
A Production byEscena 163
SponsorFestival Internacional Santiago a Mil 

“Song”- Smog
“Twisted Nerve” – Bernard Herrmann
“Sisters! Brothers! Small Boats of Fire are Falling from the Sky” – Silver Mt Zion
“The Universal” – Blur
“Like a Virgin” – Madonna
“Brazil” – Ray Connive
“Yesterday” – Gheorghe Zamfir
“A Perfect Day” – Lou Reed

Conversaciones teatrales: Bolívar en escena: Teatro latinoamericano contemporáneo.

Encuentro de Trasnoche: GAM, N1 viernes 17 de enero 21:45-22:30