Elvira López nace este 2013 con una personalidad que juega con la sensualidad, el misterio y la armonía del pop. “Son canciones de amor con algo de exageración”, describe a su trabajo que sintetiza el teatro y la música. De esta manera, Elvira estrena una propuesta conceptual bajo un estilo que ella define como “popvintagemelodrama”.

De niña miraba a la Raffaella Carrá en la tele y lo encontraba lo máximo porque era como cantante y vedette. Eso me seducía mucho, señala la cantautora, actriz y actual docente de la Escuela de Teatro de la Universidad Católica.

En su época universitaria, Elvira siempre encontró la manera de proponer una línea musical a los montajes que debía realizar. Al salir, formó el trío Pink Milk con dos ex compañeras, Gala Fernández y Gabriela Aguilera. Según Elvira, el grupo “surgió muy intuitivamente bajo la inspiración del góspel y del canto lírico,  derivando a la estética de los tríos vocales femeninos de los 40”. Con este proyecto se mantuvo desde 2001 hasta el 2003, momento en que cada una dedicó a formar familia y desarrollarse en la docencia. En el caso de Elvira, se casó con Gonzalo Henríquez, de González y Los Asistentes y hermano del líder de Los Tres. En este periodo fue cultivando su carrera musical y, sobre todo, su faceta de compositora.

Junto a Matías Oviedo (TVN, Julio Pino), Felipe Hurtado (‘Machos’, ‘Volver a Mí’) y Camilo Bianchi (‘Fiebre’) formó, en 2003, la banda de pop/rock Bobo hasta el 2008. Elvira López, en la voz, aprovechó la oportunidad de estrenar las canciones que venía componiendo hace un tiempo. Lanzan el disco ‘Piloto de Prueba’ en 2006 y realizan numerosas presentaciones en el circuito de bares y teatros de la capital.

Luego de esta experiencia, Elvira López profundizó su interés por el teatro y la música, dirigiendo dos obras musicales que estrenó en el Teatro de la Universidad Católica, ‘Ciencia Ficción’ (2010) y ‘Cráneo Vacío’ (Fondart 2011). En esta nueva etapa comenzó una etapa de colaboración artística junto a Pablo Ilabaca, guitarrista de Chancho en Piedra, que se mantendrá hasta la actualidad. En los próximos meses se estrenará en Argentina y Chile, a través de TVN, ‘Horacio y Los Plasticines’, serie animada de los creadores de Los Plumabits y musicalizado por Pablo Ilabaca, donde Elvira López será la voz de uno de los personajes en las canciones de la serie.

Con la experiencia ganada en su diversidad de proyectos, Elvira López inicia en 2013 su carrera como solista con el apoyo Martín Benavides, como productor principal, y la coproducción de Pablo Ilabaca en el single ‘Se Acabó la miel’, single promocional del debut discográfico de Elvira.

Elvira López es una artista histriónica que logra sintetizar el teatro y la música. Música visual en una multiplicidad de personajes que se van presentando en las canciones de ‘Norte’. “Las mujeres enganchan muy bien con mis canciones y, a los hombres, les atrae mi interpretación. A menudo intervengo mis shows con instrumentos poco convencionales como el trompe vietnamita o castañuelas, dándoles distintas sonoridades a las canciones para que siempre se escuchen frescas y renovadas”.

Norte (2013)

Cantante y actriz Elvira López Alfonso muestra en vivo su primer disco

Norte se llama el trabajo que desde esta semana estrena la debutante solista chilena, iniciada en los grupos Pink Milk y Bobo y difundida en estos días por la canción «Se acabó la miel».

Cantante y actriz Elvira López Alfonso muestra en vivo su primer discoElvira López difunde su reciente disco Norte con la canción »Se acabó la miel».

SANTIAGO.- En distintas modalidades sobre el escenario Elvira López Alfonso estará presentando desde esta semana el disco debut que acaba de lanzar: sola, en dúos y con su grupo completo, según los requerimientos de cada ocasión. Es la versatilidad con que esta actriz, cantante y compositora chilena se ha desenvuelto entre la música y la actuación, dos oficios que encuentran cada uno su lugar en ese disco.

Elvira López es la actriz que entre 2001 y 2003 integró el trío musical y teatral Pink Milk junto a Gala Fernández, Gabriela Aguilera y que luego entre 2003 y 2008 encabezó la banda pop Bobo. Son las etapas previas a su debut en vivo como solista en 2011, que dos años más tarde queda confirmado con el lanzamiento deNorte, su mencionado primer disco individual ya difundido por la canción y el videoclip «Se acabó la miel».

Grabado con músicos como Pablo Ilabaca, de Chancho en Piedra; Martín Benavides, tecladista de Francisca Valenzuela y de Los Pata e’ Cumbia, y Patricio Cáceres, solista que también lanza su disco en estos días, Norte incluye influencias del pop, el cabaret, el blues, el folclor y otras vetas, en canciones compuestas en su mayoría por la cantante.

«Es bien intuitiva la manera de componer. Por eso el disco tiene esa variedad: una canción más tirada al folclor o más folk, otra súper pop, otra infantil, otra media bossa, otra mucho más teatral hacia el cabaret…», pasa revista la autora. Y esa variedad queda ilustrada además en sus próximas fechas en vivo en Santiago.

Elvira López actuará como invitada del citado Patricio Cáceres hoy jueves 25 de julio a las 21.00 horas en la Sala SCD Bellavista, de Santa Filomena 110, Recoleta (2737 2813), y junto al cantante Rodrigo Santa María el jueves 1 de agosto en el Bar Catedral, de José Miguel de la Barra esquina Merced (2664 3048) en el barrio Bellas Artes de la capital.

En plan solista en cambio se presentará como telonera de la obra teatral «Concierto» el miércoles 31 de julio a las 20.30 horas en el Teatro del Puente. Y para fin de mes hará el estreno formal del disco con un concierto el 29 de agosto en la citada Sala SCD Bellavista junto a su banda en pleno.

En paralelo volverá al escenario con Pink Milk, quienes se presentarán los próximos 30 y 31 de agosto en el Centro Gabriela Mistral, de Alameda Bernardo O’Higgins 227, con la obra «Radio divas: rosa corazón». Y acaba de estrenar en el Bar Catedral un concierto a trío compartido con Patricio Cáceres y el cantante Zambrano, que los tres tienen previsto presentar en otras ciudades: «Es un formato más acústico, que queremos llevar a regiones», dice Elvira López, para sumar una opción más al repertorio.

EMOL, 25 de julio de 2013

Compositora, cantautora, investigadora inagotable, apasionada de la vida, posee un fuerte arraigo a la tierra y un espíritu explorador que la ha llevado a viajar por distintos lugares de Chile y América. En sus inicios participó en la bandas: Detucunaatutumba, Yamana, Orixango entre otro, interpretando músicas tradicionales de distintos lugares del mundo, recolectando instrumentos, buscando el origen de la música y el espíritu de los territorios.

En 2006 Natalia forma el grupo Venaraíz y compone allí los primeros temas con aires de Música Chilena. El 2008 se sumerge en un profundo estudio de investigación sobre parte de cultura tradicional Chilena, bajo la tutoría de grandes investigadores musicales, Margot Loyola (Premio Nacional de Arte 1994), Patricia Chavarría (Premio Nacional del Folclor Chileno 2005) y Alfonso Rubio (Reconocido Poeta Popular Chileno, como también en un trabajo en terreno con cantores y cantoras campesinos.

Natalia vierte esta investigación en función de la creación, dando vida y apostando a un nuevo repertorio chileno; Tonadas, Cuecas, Decimas, Refalosas, Refranes forman parte de su trabajo, incorporando nuevos elementos sonoros y estéticos a Lo Tradicional Chileno.

El resultado de esto es su primer álbum solista; PUÑADO DE TIERRA; disco más vendido convocatoria Sello Azul 2011 y su segundo trabajo lanzado en agosto del 2013: CORRA LA VOZ. Con ambas placas realiza constantes presentaciones en Chile y en el extranjero. Entre el 2012 y 2013 a realizado giras a San Francisco, California, Córdoba Argentina, San Juan Argentina, España, Francia, Inglaterra.

Puñado de tierra (2011 – Sello Azul)

Corra la voz (2013 – Fondo para el Fomento de la Música Nacional)

Refranero en canción

Que Natalia Contesse sea, además de cantautora, investigadora, distingue de inmediato su trabajo con una hondura por completo excepcional en la escena joven, pues excede los méritos estrictos de su interpretación y la instala más allá: en un flujo vinculado a la tradición, la tierra, la poesía. Corra la voz, su segundo disco, se levanta a partir de su indagación en torno al acervo campesino del refrán. Desde esas máximas de sabia síntesis popular la autora se conecta con su propia inquietud por la preservación: de la palabra, de los ritmos, de las historias, de los recursos naturales (“Que me entierren con semillas” debiese ser el gran himno que necesita hoy la causa contra la voracidad de Monsanto). Natalia Contesse venía desde hace años dando luces sobre el rigor con el que aborda la raíz folclórica chilena, pero en este disco de muchos instrumentos y canto firme esa distinción ya es algo más: es marca superior de un trabajo profundo y que, como tal, también es fresco y envolvente.

Qué Pasa, 11 de septiembre de 2013

Natalia Contesse: Viaje a la semilla

Después de años de tomar rumbos desde la raíz afro y la fusión latinoamericana, esta compositora chilena viene a debutar como solista con un disco de inspiración campesina chilena: tonadas y décimas. «Uno en la ciudad no cacha nada», dice Natalia Contesse.

A grandes rasgos la vida completa de Natalia Contesse, o al menos la música que ha tocado hasta ahora, bien pueden ser consideradas un viaje emprendido desde lo general a lo particular, encaminado por naturaleza hacia Chile. Su apellido es de origen francés; es una mujer con doble nacionalidad, desde que es chilena pero fue a nacer en 1978 a Nueva Orléans en Estados Unidos, y países vecinos de América Latina han marcado su aproximación a la música.

La más reciente de estas estaciones es en cambio un disco inspirado por las tradiciones del folclor chileno, entre la tonada campesina y en la poesía popular en décima. Y es un nuevo comienzo además: Puñado de tierra (2011) se llama el primer trabajo de Natalia Contesse como solista, al que ha llegado tras un itinerario por las estaciones sucesivas de la música de raíz africana y asiática, la fusión latinoamericana, la cueca, la poesía popular, la tonada y, como resultado, la composición de sus primeras canciones.

La tonada «Ay que sí, ay que no» ya circula en un clip como presentación del repertorio de esta cantante, que llega a solista además después de haber integrado una serie de agrupaciones como Los Obreros del Ritmo, Tribu Raíz, Orixangó, Yámana, Detucuna Atutumba y Vena Raíz, un grupo de fusión de músicas latinoamericanas y de otros orígenes con el que publicó el disco Vena Raíz (2008).

El tramo definitivo del viaje se inicia en 2007, cuando llegó con ese último grupo a La Paz y se conectó allá con la música chilena y con Violeta Parra en particular, por la invitación de Vena Raíz a la Feria Internacional del Libro de Bolivia, con Chile como país invitado. A su regreso Natalia Contesse estuvo lista para una seguidilla de encuentros determinantes en su futura vocación, entre Manuel Sánchez y Alfonso Rubio, ambos cantores a lo poeta; Margot Loyola y Patricia Chavarría, ambas folcloristas.

Encuentros con mujeres y hombres notables

Como parte de esa búsqueda ya en 2002 Natalia Contesse había asistido a un taller con Manuel Sánchez, guitarronero, cantor y payador, que motivó los primeros rasgueos de cueca que años después pondría en el disco de Vena Raíz.

La cueca es una exploración que profundizó en 2009, al formar un grupo con compañeros como Dángelo Guerra, Juan Pablo Muñeco Villanueva y Carola Gutman. «Fue una experiencia súper buena, porque tenía que tener repertorio para cada noche, me aprendí hartas tonadas de la tradición». Pero la cueca tampoco fue la última palabra.

-Era un mundo, pero había todo un personaje del roto o el bravo un poco estereotipado en el que los mismos músicos se ponían, y me daba cuenta de que no era el lugar tampoco donde quería expresarme. Y esto de gritar… porque también quiero escribir letras y que la gente pueda escuchar. Para mí es súper importante la palabra. Por eso también me ha gustado estudiar las formas métricas: la décima, la tonada, las distintas maneras de componer que tienen todas. Y busqué qué más hay.

En paralelo a la cueca la cantante se encaminó a la tradición del canto a lo poeta y la décima como expresión de esa poesía popular. Se enroló en un taller con el payador, cantor y guitarronero pircano Alfonso Rubio y emprendió visitas a la ciudad de Pirque, en la zona sur de la Región Metropolitana, en paralelo a la escucha de Violeta Parra. «Don Alfonso me enseñó varias entonaciones, melodías, y empecé a componer melodías para hacer décimas, escuchando a la Violeta (Parra)», explica. Y un paso siguiente, ya en 2009, fue conseguir el teléfono de Margot Loyola.

-Sin conocer prácticamente casi nada del trabajo de la señora Margot Loyola la llamé y le dije «¿puedo ir a verla? Necesito aprender» -recuerda Contesse que dijo a la maestra-. Fui y ese día mismo me quedé como tres o cuatro horas conversando con ella, de la vida, de la tonada, de que existe algo que se llama cantoras campesinas, que la guitarra se afina de otras maneras. Tuvimos feeling, tuvimos onda, se fueron dando las cosas, estaba la prosperidad de los encuentros para acceder a información de música chilena.

-¿Fue una sola vez?

-No, pues, de ahí nunca dejé de ir, hace dos semanas estuve allá. Ellos (Loyola y su compañero, el folclorista Osvaldo Cádiz) están en gestión súper activa de trabajo, formulando proyectos, están súper pila. Siempre que tengo preguntas sé que tienen mucha información de todo. Piensa que (Margot Loyola) tiene 94 años y desde los quince estuvo en los campos, aprendiendo, tiene historias de todo tipo.

-¿Qué importancia tuvo ese encuentro para ti?

-Ahí entré en la dimensión del rol de la mujer en el folclor. Y fue como una señal, la trilogía: mujer, canto, guitarra. Tonada, mujer, guitarra. La cueca, mujer, guitarra. La mujer está siempre con su guitarra en los hitos importantes, tiene que ver con el rol de una mujer en la comunidad, con cómo la cantora retrata los momentos, su conexión con el campo, los elementos, la cosecha, el agua, el amor, el desamor. Que era su forma de expresar todo su quehacer, su sentimento. Me resonaba profundamente.

Margot Loyola fue a su vez el nexo para conocer a Patricia Chavarría, también folclorista eminente y directora del Archivo de Cultura Tradicional de Artistas del Acero, en la región del Bío Bío. Con ella Natalia Contesse visitó a cantoras campesinas cerca de Penco, en la misma región, y también exploró por cuenta propia en el pueblo tradicional de Rari, de la provincia de Linares, región del Maule.

-La señora Patricia (Chavarría) tiene la escuela de las cantoras, y las cantoras te reciben así. Cuando fui a Rari después de un rato me invitaron a que la próxima vez me quedara todo el fin de semana, que invitara a mis hermanos para que llevaran el acordeón. La señora Patricia tiene también esa escuela, de cómo a ella la han recibido.

-¿Fue distinta la aproximación al folclor con ellas dos?

-Sí, porque la señora Margot me enseñaba más sobre las investigaciones suyas, con ella es otro contexto. No es que me pueda ir con ella en micro al campo, como sí lo hice con la señora Patricia, y de ella me ha llegado más específicamente la guitarra, las afinaciones, los distintos rasgueos.

-¿Tampoco es llegar donde una cantora campesina y pedirle que cante? ¿Toma tiempo ese proceso?

-Sí, es súper de azar, he ido a lugares y no he encontrado a nadie. O cuando fui a Rari la gente del pueblo cercano me decía «A qué va a ir, ya no hay cantoras, hay puras brujas en Rari». Te metes en el mundo, en el misterio de la gente. Uno en la ciudad no cacha nada. O sea, cachai todo en otro aspecto, pero no te das cuenta de todo eso que también es parte. Escuchando a las cantoras me doy cuenta realmente de cómo Violeta Parra sacó de ahí tanto, en todos sus trabajos de creación, reconozco esa guitarra, esa forma de escribir, esas palabras que se refieren a tal celebración. A medida que voy estudiando escucho a la Violeta de nuevo y entiendo más, más.

El clic de la tierra en esta parte de Sudamérica

El movimiento viene desde antes en la vida de Natalia Contesse. «Yo viajo un montón por América, participo en una agrupación que tiene que ver con volver a mirar ciertas ceremonias muy antiguas y con realizar estas ceremonias que están en todo el continente», dice, con países como Ecuador, Perú, Colombia y México entre esos rumbos.

-Es bañarse de América Latina, pero no sólo de la música, sino de su gente, sus tradiciones, su cultura más de ritual, como se puede sentir en el disco. Es una dimensión que engloba todo con palabras, lenguajes, temáticas, con los elementos y con una cosa más chamánica. No es la la palabra, sino cómo la gente la dice, tiene que ver con la sabiduría ancestral, con este recorrido por las tradiciones espirituales de América.

-¿Todas estas dimensiones se fueron sucediendo o se dieron simultáneas: los viajes, la cueca, Pirque, la tonada, Margot Loyola, Patricia Chavarría…?

-Todo simultáneo. Escuchaba una tonada, la aprendía, la sacaba, la tocaba, veía la afinación y pensaba en componer algo. Siempre iba filtrando desde mi experiencia.

-¿La idea fue siempre componer canciones propias? ¿No pensaste en un disco de recopilación?

-Siempre tenía claro que esto es lo que tenía que hacer. Me estaba preparando, sabía que iba a ser en su momento. Tenía que estudiar, y no sólo de un cuaderno, sino ir a los lugares, ir a bailar, todo el abanico, y a partir de eso iba a tener el fundamento y la certeza de lo que estoy haciendo. Cuando volví de Bolivia (en 2007) me hizo un clic que la tierra en esta parte de Sudamérica habla con ese lenguaje. Eso sentí: iba a la montaña, al río, y el agua se está expresando en ritmo de tonada, por eso sale acá eso, por eso las cantoras acá cantan así y en otros países cantan otra cosa. En ese momento pensé que lo que estoy haciendo es lo correcto, que es donde debo estar y puedo defenderlo porque tengo conocimiento.

-¿Valoras más la intuición o el estudio?

-Pienso que hay que ser coherente, como ser humano y como artista. Sí la intuición hay que tenerla para decidir qué paso dar y para el arte también. Pero si digo que hago folclor, o si soy súper pachamámica, por ejemplo, la pregunta es cuál es el fundamento. He estado estudiando y aprendiendo, lo veo como parte de mi recorrido. La vida me puso en el momento.

-¿Pero también es un valor no seguir al pie de la letra la tradición?

-Creo que para poder romper las reglas es bueno saber cómo son. Es mi humilde opinión. Esto es así y ahora lo rompo y hago esto otro. Es importante la intuición y arriesgarse, pero tienes que ser claro en decirlo, porque también confundes a la gente. Yo también sé súper poco y me queda mucho por aprender. Y eso es lo bonito.

Si hasta ahora el rumbo de Natalia Contesse ha parecido un viaje a la semilla, el destino del viaje podría cambiar, esta vez en relación con el lugar natal de la cantante, en Nueva Orléans, donde nació en 1978 durante una estada de estudios de sus padres en ese país.

-Es súper loco, porque partí en la música con grupos bien afro, como Yamana, Detucuna Atutumba -conecta ahora-. Y cuando nací no estuve por una semana con mi madre, a mí me amamantaron las negras. Después de ene tiempo supe. Muy loco.

-¿Leche de mujer negra durante los primeros días?

-Sipo. Mi mamá no medio leche porque no pudo, quedó súper débil. La primera semana. Para mí es muy especial. Y por ejemplo la cueca viene de distintas vertientes pero el afro es el más fuerte. He hablado con la misma señora Margot y tiene mucha influencia afro. El rito, la danza, afro total. Entonces tengo muchas ganas de ir a Nueva Orléans. Porque sé que algo va a pasar. Hay algo que siento que tengo que ir a estudiar allá. Nunca he ido, quiero aprender el blues, hay una energía ahí que no es casualidad. Es lindo porque siempre vuelvo a los orígenes, a donde nace. Siempre ando en esa búsqueda.

EMOL, 12 de junio de 2011

Composer, songwriter, tireless researcher, passionate about life, Natalia Contesse is strongly rooted to land. Her spirit of adventure has led her to travel around different places in Chile and Latin America. At the beginning of her career, she joined the bans Detucunaatutumba,Yamana,Orixango among others, playing traditional music from around the world, collecting instruments, looking for the source of the music and the spirit of the territories.

In 2006 Natalia founded the group Venaraíz and composes her first songs with a tinge of Chilean Music. The 2008, she immersed herself in a deep research study on part of the Chilean traditional culture, under the supervision of great music researchers; Margot Loyola (National Art Award 1994), Patricia Chavarria (National Prize of the Chilean Folklore 2005) and Alfonso Rubio (Recognized popular Chilean poet. She also did field work with Chilean musicians and singers of peasant and popular folklore.

Natalia conveyed this piece of research to the realm of creation, thus bringing new music pieces to life and backing on a new Chilean repertoire; Tonadas, Cuecas, Decimas, Refalosas, and Refranes are part of her work, in which she incorporates new sound and aesthetic elements to the Tradicional Chileno. (Chilean Tradition).

The result is her first solo album PUÑADO DE TIERRA (HANDFUL OF EARTH); the best selling album Sello Azul 2011 Call and her second record released in August 2013: CORRA LA VOZ (SPREAD THE WORD. She presents her two albums with performances in Chile and abroad. Between 2012 and 2013, she toured San Francisco, California, Argentina Córdoba, San Juan Argentina,Spain, France, and England.

Puñado de tierra (2011 – Sello Azul)

Corra la voz (2013 – Fondo para el Fomento de la Música Nacional)

Natalia Contesse: Journey to the seed

After years of following paths that ranged from the African roots to Latin American Fusion, the Chilean composer comes to debut as a solo artist with an album comprising her inspiration from the Chilean rural culture: tonadas and decimas. «When you’re in the city, you’re in the dark» says Natalia Contesse.

Generally speaking, Natalia Contesse’s whole life, or at least the music she has played so far, may well be considered a journey undertaken from the general to the particular, naturally aimed to Chile. Her surname is of French origin; she is a woman with dual citizenship since she is Chilean but was born in 1978 in New Orleans, United States. Also, neighboring countries in Latin America have marked her approach to music.

The most recent of these stopovers is instead an album inspired by the traditions of Chilean folklore, between the rural tonada and the folk poetry found in the decima. And this is also a fresh start: Puñado de tierra (Handful of Earth, 2011) is the name of Natalia Contesse’s first solo album, which has come after a journey along the successive music stations of African and Asian roots, Latin fusion, cueca, folk poetry, the tonada and, as a result, the composition of her first songs.

The tonada «Ay que sí, ay que no» (Oh yes, oh no) is already making the rounds on media, in a video which is part of the singer’s repertoire. Natalia started a solo career after joining a series of bands such as Los Obreros del Ritmo, Tribu Raíz, Orixangó, Yámana, Detucuna Atutumba and Vena Raíz a fusion music group of Latin American and other music sources with which she released the album Vena Raiz (2008).

The ultimate leg of the journey began in 2007, when she arrived with the latter group to La Paz and connected there with the Chilean music, particularly with Violeta Parra. The group had been invited by Bolivia to take part in the Feria Internacional del Libro de Bolivia, which had Chile as special guest. On her return, Natalia Contesse was ready for a string of decisive encounters in her future career with Manuel and Alfonso Sánchez Rubio, both of them singers and poets, and Margot Loyola and Patricia Chavarria, both of them folklorists.

Meetings with remarkable men and women

As part of that search, by 2002 Natalia Contesse had already attended a workshop with Manuel Sánchez, guitarronero, singer and minstrel, who led her to her strumming the cueca tunes she would include in the album by Vena Raiz some years later.

Cueca is an exploration she went deeper into in 2009, when forming a band with peers such as Dangelo Guerra, Juan Pablo Muñeco Villanueva and Carola Gutman. «It was a great experience, because I had to have repertoire for every night, so I learned a lot of tonadas from the rural tradition.» But the cueca was not the last word either.

-It was another world, but there was this whole character of the ‘roto’ or the ‘bravo’ which was a bit stereotypical and which musicians themselves had adopted, and then I realized that was not the place where I wanted to express myself either. And this crying thing…because I also want to write lyrics and that people can listen to them. The word is crucial for me. That’s why I also like to study metrical forms: the decima, the tonada, and their different ways of composing and compose with them. So I endeavored to search beyond that.

In parallel to the cueca, the singer headed to the tradition of poetic singing and the decima as an expression of that popular poetry. She joined a workshop given by minstrel, singer and guitarronero pircano Alfonso Rubio and undertook visits to the city of Pirque, in the southern area of the metropolitan area, while she was listening to Violeta Parra. «Don Alfonso taught me various vocal tones, techniques, melodies, and as a result I started composing tunes for decimas, listening to Violeta (Parra),» she explains. And a next step, in 2009, was getting Margot Loyola’s phone number.

Knowing virtually nothing about the work of Mrs. Margot Loyola, I called her and said, «Can I pay you a visit? I need to learn,» Contesse recalls asking the teacher. That same day I went and I stayed three or four hours talking with her about life, the tonada, that there is something called rural singers, that the guitar can be tuned in so many ways. We had a special connection, things went along very well; there was the prosperity of the meetings to access information about Chilean music.

– Did you meet only once?

– No at all, I never stopped visiting her ever since, actually I was there two weeks ago. They (Loyola and fellow folklorist Osvaldo Cádiz) are super active in their labor, always formulating projects, they have extraordinary stamina. Whenever I have questions I know they have plenty of information to share with me. Let’s remember she (Margot Loyola) is 94 years old and has been learning in the countryside since she was 15; she knows stories of all kinds.

– How important was that meeting for you?

That encounter allowed me to enter the dimension of the role of women in folklore. And it was like a sign, the trilogy: tonada, woman, and guitar. Cueca, woman, and guitar. The woman is always present with her guitar at the key social milestones. It has to do with the role of women in the community and how the singer portrays life, her connection to the country, the elements, the harvest, water, love, and heartbreak. That was her way of expressing all her work, her feelings. It deeply resonated with me.

Margot Loyola was in turn the link to meet Patricia Chavarria, another prominent folklorist and director of the Archivo de Cultura Tradicional de Artistas del Acero (Archive of Traditional Culture of Steel Artists in the Bío Bío). With her, Natalia Contesse visited peasant singers near Penco, in the same region, and also explored by herself the traditional village of Rari, in the province of Linares, Maule Region.

‘Mrs Patricia (Chavarria) has a singing school, and the singers welcome you accordingly. When I went to Rari, after a while I was invited to stay the whole weekend next time. And they invited me and my brothers so they could bring the accordion. Mrs. Patricia also has that tradition, which reflects the way she was received there.

– Did you have a different approach to folklore with both of them?

Yes, because Mrs. Loyola taught me more about her own research; it was a different context with her. Not that I could take the bus and go with her to the countryside, as I did with Mrs. Chavarria. What I’ve particularly learned from her has to do with guitar tunings, different strumming.

– Not that you meet a rural singer and ask her to sing, right? Does the process take time?

Yes, it’s super random; I’ve gone to places and found no one. Or when I went to Rari, for instance, people from the nearby village told me «There’s no point in going there. There is no singing, only witches in Rari». You get into the world, into the mystery of those people. When you’re in the city, you’re clueless; you’re in the dark. I mean, you get the other side of things, but you don’t realize that this is another important part of the whole story. By listening to the singers I realized how Violeta Parra really got a lot from that world and put it in her creative work. I recognize that guitar, that writing, those particular words referring to a certain celebration. As I study, I listen to Violeta and I grasp more and more from all that.

The realization of the land in this part of South America

Movement came early on the life of Natalia Contesse. «I travel a lot through Latin America, I am member of a group that is involved with looking back at some very ancient ceremonies and performing these ceremonies that take place all over the continent,» she says, with countries such as Ecuador, Peru, Colombia and Mexico among those routes.

– It is immersing yourself in Latin America, not only in its music but in its people, its traditions, its ritual culture, as you can feel it in the album. It is a dimension that encompasses everything in words, language, themes, with the elements and with a shamanic nature as well. It’s not about words, but rather about how people speak them; it has to do with ancient wisdom, with this journey to the spiritual traditions of Latin America.

– Did you enter all these dimensions sequentially or were they simultaneous: traveling, cueca, Pirque, the tonada, Margot Loyola, Patricia Chavarria…?

– All of them happened simultaneously. I listened to a tonada, I learned it, and then I played it. I saw the tuning and thought of composing something. I was always drawing on my experience.

-Did you always have the idea of writing your own songs? Didn’t you ever consider a compilation album?

– I always knew that this was what I had to do. I was getting ready, as I knew the time would come. I had to study, and not only from a notebook, but I had to go places, go dancing, the full range, and from that I would get the foundation and certainty of what I’m doing now. When I returned from Bolivia (in 2007) I realized that the land in this part of South America speaks that language. I felt it: when I went to the mountains, the river and the water were expressing with a tonada rhythm. That’s why here in Chile we have that, that’s why the Chilean rural singers sing that way and in other countries they sing something else, they sing differently. At that moment I understood that what I am doing is right, this is where I should be and I can defend it because I have knowledge of it.

– Which do you value more, intuition or study?

– I think you have to be consistent, both as a human being and artist. Yes, you have to have intuition so as to decide what step to take, and the same happens with art. But if I say ‘I do folklore’, or if ‘I am super pachamámica’, for example, the question is what the basis for that is. I have been studying and learning; I see it as part of my journey. Life put me at this time and place.

– But is it also a value the fact of not following tradition to the letter?

I think that in order to break the rules it is good to know how them. It is my humble opinion. I have this thing, now I break it and make this other thing. It’s important to have Intuition and take risks, but you have to be clear in saying it, because you might also mislead people. Besides, I know so very little and I have so much to learn. And that’s the nice thing.

If so far Natalia Contesse’s path had resembled a journey to the seed, her destination might change, this time in relation to the singer’s birthplace in New Orleans, where she was born in 1978 during a study period her parents had in the US.

It’s pretty insane, because I started my music career with African groups such as Yamana, Detucuna Atutumba- she says while making connections- And when I was born I couldn’t spend even a week with my mother; I was breastfed by black women. I learned it long after. Crazy indeed.

– You got Black woman’s breast milk on your early days?

– Yeah. My mum didn’t breastfeed me because she was unable to, she got really weak. My first week. That’s very special for me. And for example the cueca comes from different strands, but the African is the strongest one. I talked to Margot herself and she is highly influenced by the African culture. The ritual, the dance, full African. So I am looking forward to visiting New Orleans, because I know something will happen there. I have the feeling that there’s something I have to go and study there. I’ve never been to New Orleans, and I want to learn the blues. There’s an energy there which is no coincidence. It’s nice because I always go back to the origins, where things are born. I’m always in that search.

EMOL, June 12, 2012

Banda integrada por  Manuela Infante, Fernando Milagros y Daniel Marabolí. Una propuesta que mezcla diferentes estilos, muy coral, de composiciones sencillas, pero con muchos arreglos de voces, ritmos e instrumentos seudo playeros, y letras que evocan nostalgia. Su disco debut, Stand Scared, se encuentra disponible para descarga gratuita desde  www.discosriobueno.com, y se caracteriza por influencias que van desde la música barroca del violín, hasta las bandas corales de los años 50´s. Actualmente, se encuentran trabajando en su próximo disco.

Stand Scared (2011)

ESA BELLA DESOLACIÓN

Bajo el seudónimo de Bahía Inútil y con la compañía y producción de Fernando Milagros, la dramaturga Manuela Infante, autora de obras como Prat y Cristo, lanzó en septiembre de 2011 un disco en el que da rienda suelta a la que debe ser su faceta menos conocida: la composición musical. Son solo siete canciones en poco más de 20 minutos. Con arreglos simples, sutiles juegos de voz, algunas cuerdas y una atmósfera contemplativa. Como una banda sonora. El disco se llama Stand scared, solo está disponible en formato descargable, y aunque debe ser de lo mejor editado el 2011, pasó casi desapercibido para la crítica. Aquí, la fundadora de la influyente compañía Teatro de Chile, revela el lado musical de su talento creativo.

¿Desde cuándo haces canciones?

Es una respuesta difícil de dar porque lo hago desde muy chica, pero pongo como fecha oficial el 2007, cuando formé la banda Simón junto a Cristóbal Carvajal, que era bajista del grupo Holden.

¿Cómo nació la idea de grabar un disco?

A mediados de 2010 cuando le mostré a Fernando (Milagros) algunas maquetas que tenía. Después juntamos a los músicos Daniel Marabolí, Jorge Arecheta y Sebastián Orellana y arrendamos una casa en Punta Arenas donde, concentrados solo en la música, grabamos con muy pocos elementos y total austeridad el disco. Hicimos las mezclas en Santiago y masterizamos en Nueva York.

¿De dónde sacaron el nombre Bahía Inútil?

Es un homenaje a un lugar de Tierra del Fuego que se llama así. Un territorio que se caracteriza por ser de pura desolación y silencio, pero, a la vez, grandioso y sobrecogedor. Un espacio que no sirve para más que emocionarse.

¿Tiene algo teatral la música del grupo?

Lo único que podría denominarse teatral es su tono emotivo.

¿Tienen proyecciones con el grupo o es solo un proyecto paralelo?

Aunque funcionará en paralelo a otras cosas, queremos proyectarlo. De todas formas habrá un segundo disco, en marzo empezamos a trabajar en él.

Primero fue la música, casi como un impulso natural, luego el teatro. De niña, la dramaturga Manuela Infante vivía en Canadá y hablaba y componía canciones muy básicas en inglés. Después se vino a Chile, estudió teatro, fue la creadora musical de la compañía de teatro El Hijo y desde entonces no se ha detenido en su prolífica carrera teatral.

Stand scared, el disco debut de Bahía Inútil, se puede descargar en www.discosriobueno.com

Revista Paula, 3 de marzo de 2012 

Bahia Inutil is a band formed by Manuela Infante, Fernando Milagros and Daniel Maraboli. Their proposal mixes different styles; they have a highly coral style, with simple compositions but with many vocal arrangements, rhythms and pseudo beach instruments, along with lyrics that arouse nostalgia. Their debut album, Stand Scared, is available for free download from www.discosriobueno.com, and is characterized by influences ranging from the baroque violin music to the choral bands of the 50s. They are currently working on their next album.

Stand Scared (2011)

THAT BEAUTIFUL DESOLATION

Under the pseudonym Bahia Inutil (Useless Bay) and with the collaboration and production of Fernando Milagros, playwright Manuela Infante, author of plays such as Prat and Cristo, in September 2011 released an album that gives full rein to what must be her lesser-known facet:  that of the music composer. These are only seven songs in just over 20 minutes. Their main features are their simple arrangements and subtle plays of voice, some strings and a contemplative atmosphere; just as a soundtrack. The album is called Stand scared and is only available in downloadable format and,despite it must be the best album released in 2011, it remained almost unnoticed by the critics. Here, the founder of the influential Company Teatro de Chile reveals the musical side of her creative talent.

How long have you been composing songs?

That is difficult to answer because I have been doing it from an early age. But I set 2007 as the official year, when Simon formed the band with Cristóbal Carvajal , who was a bassist in the band Holden.

How did you come up with the idea of recording an album?

In mid-2010 when I showed Fernando (Milagro) some demos I had. After that, we assembledthe musicians Daniel Maraboli, Jorge Arecheta and Sebastian Orellana and rented a house in Punta Arenas where we only focused on music and recorded the album with very few elements and overall minimalism. We mixed the tracks in Santiago and mastered them in New York.

Where did you get the name Useless Bay from?

It stands for a tribute to a place in Tierra del Fuego called like that. It is a territory characterized by pure desolation and silence but, at the same time, it is immenseand overwhelming. It is a space meant to be heart-rending.

Is there anything theatrical in the band’s music?

The only thing that could be called theatrical is its emotional tone.

Do you have any future plans with the band, or is it just a side project?

Although it will run in parallel with other things, we want to project it into the future. Anyway there will be a second album; we will start working on itin March.

First came the music, almost like a natural impulse; then the theater. As a child, playwright Manuela Infante lived in Canada, where she spoke and composed songs in veryelementary English. Then she came back to Chile, studied theater and became the musical creator of the theater company El Hijo (The Son). Since then, her prolific stage career has been unstoppable.

Stand scared, Bahia Inutil’s debut album is now available for download at www.discosriobueno.com

Paula Magazine. March 3rd, 2012

Inti-Illimani, sol del Illimani, nevado imponente que se yergue en las alturas andinas de La Paz, Bolivia.  Es el nombre con que el grupo fue bautizado en agosto de 1967 por el guitarrista de ascendencia boliviana Eulogio Dávalos, dada la fuerte pasión por la música del altiplano andino que ya en sus inicios muestra el grupo. Después de cuarenta años transcurridos desde entonces, su nombre se identifica con la historia musical del continente latinoamericano, con sus instrumentos más característicos, con la historia de sus pueblos y los del mundo, sus luchas, con su geografía y sus sabores, significa amistad y solidaridad. Inti Illimani es música. Más aún, es cultura.

Es una historia traspasada e influenciada por los tiempos y vientos sociales. Inti-illimani  surge  fiel  a los nuevos aires que brotan en muchos lugares del mundo durante la  década de los 60 que, en el caso chileno, a partir de Violeta Parra, cambia la manera de entender y cultivar la canción y en general, la música latinoamericana.

Nacido en mayo de 1967 en el seno de la Universidad Técnica del Estado, Inti illimani se constituyó rápidamente en uno de los grupos emblemáticos del notable movimiento musical chileno conocido como la nueva canción chilena. Su trabajo instrumental multifacético, habla también de una búsqueda que entrecruza disciplinas muchas veces separadas; lo popular y lo clásico se vuelve un todo en sus creaciones que parecieran mostrarnos el folclore de un país imaginario, pero también real.

La historia de Inti illimani, como se ha dicho, está traspasada e influenciada por los tiempos y vientos sociales. Períodos de grandes oleajes humanos por sus derechos y la independencia de sus naciones, de reconocimiento de sus culturas, de vivencias que dignificaron a los habitantes del continente latinoamericano.

Por diversas razones – distintos modos de entender el oficio del músico, divergencias en la mirada futura y en los ineludibles cambios para enfrentarla – esta complicidad se quebró y el grupo se dividió.

Luego de un inevitable enfrentamiento judicial surgieron dos Inti illimani: el histórico y los nuevos. Son dos grupos diferentes, porque aquel sin apellido no existe. Al menos para quienes vivieron o conocen la historia que se ha esbozado, no es posible que esto ocurra.  Los nuevos, sin alternativas, han optado por cambiar su música, según sus propias palabras.

Sin embargo, hay un rasgo característico de todos los tiempos del Inti-illimani que se repite en los Históricos: la  dirección musical, sin la cual es difícil entender el paso de tantos integrantes a través de los años. Al menos 15, si se considera su historia musical a partir del primer disco, aquel del dios chimú, diseñado por los hermanos Larrea y hasta el disco Amar de nuevo. Ahí está Horacio Salinas y también José Seves, colaboradores estrechos del núcleo creativo de este grupo que junto a Horacio Durán, charanguista de alta musicalidad, se han unido para continuar una historia que ellos conocen, que comparten y que saben desentrañar.

Este es el Inti-illimani Histórico, cuya estética es inseparable de quienes la crearon en tantas canciones y temas instrumentales, así como en recreaciones y arreglos memorables de todo un repertorio del folklore del mundo.

Junto a los dos Horacios, Salinas y Durán, y José Séves, trabajan en la actualidad Jorge Ball, Camilo Salinas, Fernando Julio y Danilo Donoso.

Esencial (2006 – La Oreja)

Travesura (2010 – Feria Music)

Inti + Eva (2012 – Edición independiente)

Antología en vivo (2006 – Autoedición)

Esencial (DVD) (2006 – La Oreja)

Inti+Quila: Música en la memoria (2005 – La Oreja)

Catedral en coma. Vol. 1 (2006 – Edición independiente)

Mil voces Gladys (2006 – Dicap)

A la salud de la música chilena. Inti-Illimani Histórico (2009 – Feria Music)

INTI-ILLIMANI HISTÓRICO CIERRA UN EXITOSO AÑO CON DOBLE RECITAL

El 28 y 29 de diciembre la agrupación se presentará en el Teatro Nescafé de Las Artes para dar fin a un año marcado por su presencia internacional y abrir el 2011 con una invitación al festival de Cosquin.

Inti Illimani Histórico cierra un año donde fue reconocido como ícono musical entre sus pares del mundo. Ampliando trayectoria llevando la música de Chile, de Violeta, de Víctor Jara, Patricio Manss, Luis Advis, Horacio Salinas, entre otros, a diversas latitudes del planeta. Mientras, el grupo acoge las invitaciones a do simportantes festivales del cono sur: El Festival del Huaso de Olmué, el 21 de Enero y Festival de Cosquín el Argentina el 22 de Enero.

La agrupación resumirá también su buen año con dos conciertos en el Teatro Nescafé de las Artes, cerrando uno de sus mejores años de carrera artística. En esta oportunidad el invitado especial es violinista penquista Freddy Varela, y actual concertino de la orquesta del prestigioso Teatro Colón de Buenos Aires.

A seguir, los Carnavales Culturales de Valparaíso, con más de 10.000 espectadores en un gran concierto sinfónico realizando un homenaje al bicentenario de Colombia, México, Argentina y Chile, con artistas invitados como Manuel García, Francisca Valenzuela, Camila Moreno y Nicole.

Siguen en la senda sinfónica realizando una importante gira por el norte de nuestro país, donde visitaron las ciudades de María Elena, Antofagasta, Iquique acompañados de la Orquesta Sinfónica de Antofagasta junto con las cantantes Denisse Malebrán, Nicole y Amaya Forch.

La Nación, diciembre 2010

Inti Illimani, or Illimani sun; a snow-capped mountain which rises impressively in the Andean highlands of La Paz, Bolivia. This is the name by which the group was labeled in August 1967 by Bolivian descent and guitarist Eulogio Davalos, due to the strong passion for music of the Andean highlands the group showed from its beginnings. After forty years since then, its name has been associated with the musical history of Latin America, with its most characteristic instruments, with the history of their people and the world;  its struggles, its geography and its flavors, and Inti Illimani has meant  friendship and solidarity. Inti Illimani embodies music. Moreover, it is culture.

It is a history transfixed and influenced by the times and social winds. Inti Illimani comes true to the new life springing up in many parts of the world during the 60s. Particularly in Chileas from Violeta Parra’s breakthrough,which changed the way of understanding and cultivating the song and, in general, Latin American music.

Founded in May 1967 at Universidad Tecnica del Estado, Inti Illimani quickly established  itself as one of the emblematic bands of the remarkable Chilean musical movement known as the New Chilean Song . Its multifaceted instrumental work also tells us of a quest that intertwines disciplines many times disjointed; thus, the popular and classical become one single tune in their creations, which seemed to show us the folklore of an imaginary, yet real country.

As previously stated the history of Inti Illimani, is crisscrossed and influenced by social changes; periods of large human waves fighting for rights and independence of their nations, aiming at the recognition of their cultures and the extolment of experiences that dignified the people of Latin America.

For various reasons – different ways of understanding the musician profession and disagreements in the outlook to face the inevitable changes the future would bring- this complicity broke and the band finally split.

After an inevitable legal showdown two bands called Inti Illimani emerged: the historical and the new band. They are two different groups, because the band name will no longer exist without a prename. At least for those who lived or know the history that has been outlined, this is not likely to occur. The New IntiIllimani, left with no options, have opted to change their music, in their own words.

However, there is a salient feature present in all Inti – Illimani that recurs in the Historical band: musical direction, without which it is difficult to understand the passing through of so many members over the years. At least 15 of them, considering their musical history- from their first album, that of the Chimu god designed by Larrea brothers- up to the album To Love Again. There is Horacio Salinas and also José Seves, close associates of the creative core of this group who, together with Horacio Duran –a charango player with high musicality- have united to continue a story known to them, which they share and know how to unravel.

This is the Historical Inti- Illimani, whose aesthetic remains inseparable from those who shaped it in so many songs and instrumentals, as well as in memorable arrangements of an entire repertoire of the world folklore.

The two Horacios, Salinas and Duran, are currently working with Jose Seves, Jorge Ball, Camilo Salinas, Fernando Julio and Danilo Donoso.

Esencial (ESSENTIAL,2006 – La Oreja)

Travesura (MISCHIEF, 2010 – Feria Music)

Inti + Eva (2012 –Independent label)

Antología en vivo (LIVE ANTHOLOGY, 2006 – Autoedición /Self-published)

Esencial (DVD) (ESSENTIAL DVD, 2006 – La Oreja)

Inti+Quila: Música en la memoria (INTI+QUILA, MUSIC IN THE MEMORY, 2005 – La Oreja)

Catedral en coma. Vol. 1 (CATHEDRAL IN A COMA, 2006 –Independent label)

Mil voces Gladys (A THOUSAND VOICES GLADYS 2006 – Dicap)

A la salud de la música chilena. Inti-Illimani Histórico (A TOAST TO THE CHILEAN MUSIC, 2009 – Feria Music)

En el año 2008, un grupo de amigos chilenos radicados en Gottenburgo, Suecia, dieron vida a LecheBurre, un espacio para la música experimental y la diversión. Este trabajo es el producto de varios proyectos, que combinan teatro, video, poesía y por supuesto, música. En 2009, con su actual formación, LecheBurre comenzó una carrera musical como banda establecida, apareciendo en una serie de eventos culturales, fiestas, clubes bohemios y diversos festivales en Escandinavia. En 2011 grabaron su primer álbum, buscando mediante este trabajo resumir su historia y conseguir audiencia internacional.

Suportumon (2012)

In 2008, a group of Chilean mates living in Gothenburg, Sweden, gave life to LecheBurre, a space for experimental music and fun. This work is the product of several projects that combine theater, video, poetry and of course, music. In 2009, with their current lineup, LecheBurre began a career as an established band, appearing in a series of cultural events, celebrations, bohemian nightclubs and festivals in Scandinavia. In 2011 they recorded their first album; through this work they seek to condense their story and get international audience.

Guillermo Cuti Aste ha explorado los sonidos y tendencias más diversas: electrónica, rock, jazz, sonidos precolombinos. Compositor, arreglador, ha colaborado en obras de teatro, cine y televisión. Ha participado de bandas trascendentales para la música nacional, como Javiera y Los Imposibles, Los Mismos y Electrodomésticos.

Es miembro fundador de un grupo único de investigación musical, La Chimuchina, participó como invitado en numerosos conciertos del grupo Los Tres, y desde el año 2000 integra un trío de teatro, música y humor llamado Hermanos Martínez.

Cuti Aste lanza su disco Ven a Ver, con 10 canciones de su autoría más una versión de la canción By This River del artista Brian Eno.

Tras años de ser el tecladista de bandas como Electrodomésticos, Javiera y los Imposibles, Los Mismos, entre otras y músico invitado de Los Tres, Cuti Aste graba en Estudios Raf, junto a Marcelo Filippi en batería, Jorge Koyote en bajo, Christián Rebolledo en guitarras e Irene Bustamante en coros, su segundo disco solista tras Estatuas de Sal (2009, Oveja Negra). El disco será editado por el Sello Evolución.

En este disco hay más orquestación y la producción es de óptimo nivel. Nos tomamos el tiempo de grabar y mezclar con muchos instrumentos clásicos en algunas canciones, ya que el disco tiene un lado bien rockero y otro más sinfónico. Cada canción es distinta de la otra y el disco completo es un paseo por estilos diferentes dentro de una misma estética.

Estatuas de sal (2009 – Oveja Negra)

La negra Ester (2001 – Sony Music)

Diarios de motocicleta (2004 – Universal)

Cuti Aste, músico ‘comodín’ y polemista de Facebook: “Me asusta la nueva camada de fascistas”

De la cueca, Bachelet, la radio Moscú y el orgasmo de las chilenas, pasando por la nacionalización del cobre y su propia influencia en la música popular, en entre otros temas, nos habla el músico ‘polifuncional’ y siempre bien acompañado en entrevista exclusiva para El Dínamo.

Está grabando su segundo disco en solitario, todavía sin título, que espera lanzar en marzo. Vuelve tres años después de lanzar Estatuas de sal, su primer trabajo solista que hizo en su casa, una criatura a la que dedicó mucho trabajo pero que abandonó por sus colaboraciones con Javiera y Los Imposibles, Los Electrodomésticos, las clases y otras aventuras. Ahora aprovecha el ofrecimiento de Cristián Rebolledo, su mecenas en esta aventura, y también alentado por gente como Alfredo Lewin, que considera Estatuas de sal, un trabajo de culto, para aventurarse con nuevas canciones.

Cuti Aste es también un protagonista en las redes sociales. Su cuenta de Facebook es un foro de debate, donde el artista polemiza, descarga sus rabias y descree de la cara bonita de los éxitos chilenos. Ácido y crítico, Cuti repasa la agenda chilena sin desperdicio.

El mito

¿Sobre qué va tu disco?

El primero fue acústico, muy folk, folclore urbano. Ahora hay un poco más de rock y de electrónica pero cada tema es distinto, de texturas variadas. Me gusta explorar y cada canción apunta donde quiere. Hay historias de amor, una canción que se llama Paren de mentir, que la hice viendo el noticiero, para desahogar la rabia por tantas mentiras.

¿En qué consiste la leyenda de Cuti Aste?

Soy un mito. Hay gente que dice que Cuti Aste es el mejor músico de Chile, y la verdad es que no hay ningún instrumento que yo toque bien. En el teclado me defiendo. He grabado con muchas bandas haciendo poco. Tengo el honor de haber tocado con el Tío Roberto, Lalo Parra, los Electrodomésticos, Javiera y Los Imposibles, Los Tres, y con amigos del mundo de teatro, que son de otra especie.

Has tocado mucho con otros, ¿y tu ego de solista?

Me cuesta concentrarme en mi mismo, y no renuncio a las bandas con las que toco.

¿Qué le das a Carlos Cabezas, Álvaro Henríquez, Javiera Parra?

Quizás el buen sentido del gusto, saber hasta donde hay que tocar. La simpleza, no soy virtuoso.

¿Todo empezó con La negra Ester?

La Negra devolvió el folclore a los chilenos. Hicimos música viva, sencilla, de acordes llanos. Con Los Tres (He barrido el sol ) ocupamos el acordeón que estaba lejos del pop y del rock. Y después en el unplugged de MTV (1995) tocamos acordeón y dos cuecas del Tío Roberto. Sin pretensión, abrí un camino a ese instrumento de los abuelitos. Hasta entonces, Chile había sido escuchado con la música de izquierda, aymara, más nortina, y que consideramos chilena después que les robamos a esos pobre países.

¿Si investigaras la cueca qué encontrarías?

Nadie me ha dicho con certeza de dónde viene la cueca.

La ruta de la cumbia

Acabas de viajar por Africa y América investigando sobre la cumbia.

Como soy comodín, me invitaron a ese proyecto, de Cristóbal Brown, a medias con un italiano al que le llamó la atención que en Chile todos bailáramos cumbia. Y nos fuimos a buscar los orígenes africanos de la música popular en Nigeria y Camerún, desde donde partió la mayoría de esclavos que fueron a dar a Colombia. Después, seguimos el camino de la cumbia desde México hasta Chile.

¿Cuál es el secreto del éxito de la cumbia?

Su gracia es que puedes bailarla como se te antoje. Tiene un pasito cortito de traslado lateral donde se mueven las caderas pero en cada país se baila como cada uno quiere; el paso original es cortito porque estaban encadenados. No es como la salsa que si no sabes la niña te echa de la pista a los cinco minutos y te vas humillado.

Santiago pop

¿Qué recomiendas de la movida musical santiaguina?

Estoy poco actualizado. En la feria del libro de Guadalajara vi a Astro, una banda que me llamó harto la atención. Y están los que todos sabemos: Javiera Mena, Gepe, Manuel García, Chinoy, Pascuala Ilabaca, pero no me entero de la generación de reposición que viene debajo de ellos.

En España dicen que Santiago es la nueva capital del pop. ¿Qué tienen estos artistas?

Me gusta su imperfección. Ninguno tiene una voz perfecta pero el mensaje es tan fuerte que se impone la emoción que se expresa. La gente aplaude esa honestidad, hay mérito en ese gesto.

La onda corta y radio Moscú

Y tus influencias, ¿qué te abrió el camino?

Influyó una radio y una antena que instaló mi padre. En la onda corta escuchaba radios argentinas, africanas, chinas, y muchos ruidos de las ondas. Y caí en radio Moscú, que transmitía para Chile. Tenía 10 años y empecé a escuchar cosas, supe que existía Colonia Dignidad, cosas que no sabía. La onda corta y los radioaficionados eran el internet de ese tiempo.

Y se abrió tu mirada política.

Y mi intuición. Radio Moscú me hizo aprender a ver debajo del agua.

¿Qué te parece la canción de nuestros nobles soldados de esta semana?

La gente se espanta con los marinos cantando eso pero todos hacemos lo mismo. En un ensayo si un músico llega atrasado, dice, ‘vengo más atrasado que Bolivia’. Yo tengo fotos de mi abuelo trabajando en Huanchaca, que era Bolivia, así que voy borrando esos seguidores, por huevones.

Cuti político

¿Tu opinión sobre el éxito chileno?

Nos transformaron en un país boutique, un laboratorio de economistas. Caminamos en sentido contrario a la corriente latinoamericana que nacionaliza los recursos, como los derechos de agua, que es una cosa tan básica. Regalar el cobre es ridículo. Prestamos el territorio por poco dinero y en ese sentido somos la puta de Latinomérica. Allende logró que el 75% fuera nacional y gracias a eso han vivido desde Pinochet hasta la Concertación y Piñera. Sin la nacionalización del cobre jamás habríamos salido adelante.

A veces dices que hay mucho fascismo en Chile, ¿dónde está?

Tenemos dos corrientes, los viejos que no van a cambiar, pero también hay una nueva generación de neofascistas, que los veo en Facebook, y algunos son alumnos míos, que son más duros, intransigentes, crueles de lo que pueden haber sido los que lucharon contra la Unidad Popular. Hay pendejos de 20 años, que son anti indígenas y que no saben mirarse en el espejo. Me asusta la nueva camada de fascistas.

¿Esperas a Bachelet?

La centro izquierda no tiene relato ni proyecto, sólo tiene a Bachelet, flotando como una boya en medio del mar. Ella es una mujer dulce, pero durante su gobierno se construyeron más termo eléctricas que nunca.

La canción del orgasmo

También has sido objeto de deseo en la cultura popular chilena.

Tengo bisabuelos de la Liguria, un abuelo alemán nacido en Traiguén, una abuela paterna boliviana mestiza de ojos azules. Eso ayuda. Y el encanto, claro.

¿Cómo ves los cambios femeninos?

Nos pasaron a llevar, tienen el sartén por el mango, aunque sabemos que todavía ganan menos que los hombres, que son discriminadas en muchas cosas, y en otras no. Las veo bien, se han hecho cargo de sus vidas, y más desinhibidas. Ahora exigen su orgasmo, algo que no existía en la época de mis padres, y quizá en la mía tampoco.

¿A la altura de qué disco se empezó a exigir el orgasmo?

Creo que a partir de los ochenta, tendría que citar a Rafaella Carrá: “para hacer bien el amor hay que venir al sur/ y si te deja no lo pienses más, búscate otro más bueno”. Pero las mujeres chilenas lo entendieron 20 años después.

¿Cuál sería la canción chilena que inicia la exigencia de orgasmo?

Humedad, de Javiera Parra.

El Dínamo, 8 de febrero de 2013

Electronic music, pop, pre-Columbian sounds, incidental music, rock and jazz.

Guillermo Cuti Aste has explored the most varied sounds and trends: electronic music, rock, jazz, pre-Columbian sounds. Composer and arranger, Cuti Aste has worked in theater plays, film and television. He has also taken part in seminal music bands that have been of paramount importance in national music, as Javiera y los Imposibles (Javiera and The Impossibles), Los mismos (The Same Ones) and Electrodomesticos (Household Appliances).

He is founding member of a unique group of musical research, La Chimuchina, has participated as a guest in numerous concerts of the band Los Tres, and since 2000 he joins in a trio of drama, music and comedy called Hermanos Martínez

Cuti Aste launches his album Ven a Ver (Come and See), with 10 songs written and composed by him, plus a cover of Brian Eno’s song By This River.

After years of being keyboardist in bands such as Electrodomesticos, Javiera y los imposibles, and Los Mismos among others, Cuti Aste resumes his solo career by recording at Raf Studio his second solo album, which follows his debut album Estatuas de Sal (Salt Statues, Oveja Negra 2009). Featuring Marcelo Filippi in drums, Jorge Koyote in bass, Christián Rebolledo in guitars and Irene Bustamante in vocals, his second studio album will be released under the label Evolucion.

In this album there is orchestration and the production is first-rate. We have taken our time to record and mix with many classic instruments on some songs, as the album has a very rocker side and another symphonic one. Each song is different from the other and the whole album is a journey through different styles within the same aesthetics.

Estatuas de sal (2009 – Oveja Negra)

La negra Ester (2001 – Sony Music)

Diarios de motocicleta (2004 – Universal)

Cuti Aste, ‘wildcard’ musician and Facebook polemicist: «The new breed of fascists scares me»

Going from the cueca, Bachelet, the Moscow Radio and the orgasm of Chilean women, to the nationalization of copper and his own influence on popular music, among other things, we talked with ‘multitasking’ and always in good company musician, in an exclusive interview for  El Dinamo.

He is recording his second solo album, as yet untitled, which is expected to be released in March. He comes back into the scene three years after the release of Estatuas de Sal (Salt Statues), his first solo album he did at home; a creature to which he devoted a lot of work but that finally left unfinished due to his hectic schedule: collaborations with Javiera and Los Imposibles, Electrodomesticos, his classes and other adventures. Now he is taking advantage of the offer made by Cristián Rebolledo, his backer in this adventure, as well as he is being encouraged by people like Alfredo Lewin -who regards Estatuas de Sal as a cult album- so as to venture with new songs .

Cuti Aste is also a player in social networking sites. His Facebook account is a big discussion forum, where the artist debates, releases his anger and disbelieves the pretty face of the Chilean success. Caustic and critical, he reviews the Chilean agenda without wasting a bit of it.

The myth

What’s the essence of this new album?

The first was one was acoustic, very folk, urban folklore. Now there’s a little more rock and electronic but each song is different, there are varied textures. I like exploring, and each song aims at getting where I want to. There are love stories, too. There’s a song called Paren de mentir (Stop lying) which I wrote while watching the news; it’s my way of venting the anger at so many lies around.

What is the legend of Cuti Aste about?

I’m a myth. Some people say that Cuti Aste is the best musician in Chile, and the truth is that there is no instrument that I play well. I manage with the keyboard. I have recorded with many bands doing very little. I am honored to have played with Tio Roberto, Lalo Parra, Electrodomesticos, Javiera y los Imposibles, Los Tres, and with friends from the world of theater, which are of another species.

You’ve played with many people. What about your ‘soloist ego’?

I have problems focusing on myself, and I never give up the bands I play with.

What do you give Carlos Cabezas, Alvaro Henriquez, Javiera Parra?

Perhaps I contribute with a good sense of taste; I know how far to go playing an instrument. And I give them simplicity, I’m not a virtuoso.

Did it all begin with La negra Ester?

La Negra gave folklore back to the Chilean people. We made lively, simple music, with plain harmonies. With Los Tres (He barrido el Sol) we used the accordion, an instrument which had been far from pop and rock. And then on the MTV Unplugged (1995) we played accordion and two cuecas by Tio Roberto. No pretense, I opened a path to that instrument played by old men. Up to then, Chile had been associated with the music from the left, Aymara, northern music we deem as Chilean music after we stole it from those poor countries.

If you did research on the cueca, what would you find?

Nobody has told me exactly where the cueca comes from.

The route of the cumbia

You’ve just travelled around Africa and Latin America investigating about the cumb

Since I am a wildcard artist, I was invited to this project. Christopher Brown carried out this research together with an Italian who was struck by the fact that we all dance cumbia in Chile. And we went to find the African origins of popular music in Nigeria and Cameroon, from where most slaves that arrived in Colombia had come from. Then we followed the path of the cumbia from Mexico to Chile.

What is the cumbia’s secret of success?

Its trick is that you can dance to it as you want. It has this short step with which you move laterally, and your hips swing. However, from one country to another everyone dances it the way they want; the original step is very short because they used to be chained steps. It’s not like the salsa; if you don’t know how to dance salsa the girl kicks you out of the dance floor in no time, and you leave humiliated.

Pop Santiago

What do you recommend of Santiago’s music scene?

I’m not really up-to-date when it comes to the latest music trends. In the Feria del libro de Guadalajara (Guadalajara Book Fair) I saw Astro, a band that really caught my attention. And there are those that we all know: Javiera Mena, Gepe, Manuel García, Chinoy, Pascuala Ilabaca, but I have no idea about the next generation coming after them to replace these artists in the scene.

In Spain they say that Santiago is the capital of the new pop. What is so special in these artists?

I like their imperfection. None has a perfect voice, yet the message is so strong that the emotion they express takes the upper hand. People approve this honesty; there is merit in that gesture.

Shortwave and Radio Moscu (Radio Moscow)

And your influences, what music paved your way?

I got my music influences from a radio and antenna that my father set up at home. On shortwave, I listened to Argentinian, African, Chinese radio stations along with wave sounds. And then I bumped into Moscow radio station, transmitting to Chile. I was 10 and started listening to some things; I learned that there was a place called Colonia Dignidad, things I never knew. Shortwave and amateur radio enthusiasts were the Internet of those times.

And your political view was opened.

And so did my intuition. Radio Moscow made me learn to read between de lines.

What do you think about the song of our noble soldiers this week?

People are frightened at marines singing to that, but we all do the same. In a rehearsal, if a musician is late, he says, ‘I am as late as Bolivia’. I have pictures of my grandfather working on Huanchaca, which used to be part of Bolivia, so I’m deleting those followers, ‘cause they’re idiots.

Political Cuti

Your comment about the Chilean success?

We were turned into a boutique country, an economists’ laboratory. We are walking in the opposite direction to the Latin American current, which is nationalizing resources such as water rights, such a basic thing. Giving our copper is ridiculous. We lend our territory for little money, and in that sense we are Latin America’s hooker. Allende managed to have the 75 % of copper as national, and people ranging from Pinochet to Piñera and the Coalition have been living out of that, thanks to what Allende did. Without the copper nationalization we would never have gone ahead.

Sometimes you say that there’s too much fascism in Chile, where is it?

We have two streams, the old ones who will never change, but there is also a new generation of neo-fascists. I see them on Facebook, and some of them are my students. They are tougher, more inflexible, and cruel than those who fought against the Popular Unity. These are 20-year-old idiotic kids, who are anti- indigenous and don’t look at themselves in the mirror. I’m scared at this new breed of fascists.

Are you waiting for Bachelet’s government?

The center-left has neither story, nor project; they only have Bachelet floating like a buoy in the middle of the sea. She is a sweet woman, but never before had more thermoelectric plants been built than during her rule.

The orgasm song

You have also been the object of desire in Chilean popular culture.

I have great grandparents from Liguria, a German grandfather born in Traiguén, a Bolivian grandmother who was a blue-eyed mestiza. It helps. And the personal charm, of course.

How do you see the female changes?

Women surpassed us and now have taken the upper hand, although we know that they still earn less money than men, are discriminated against in many ways, but not in others. I see women are doing well; they have taken charge of their lives, and are more uninhibited.  Now they demand their orgasm, something that did not exist at the time of my parents, and perhaps neither in mine times.

If we associated these phenomena with albums, at the time of what album did orgasm begin to be demanded?

I think that back in the eighties, and I should quote Rafaella Carra: “para hacer bien el amor hay que venir al sur/ y si te deja no lo pienses más, búscate otro más bueno” («if you wanna make love well you have to come south/ and if he leaves you, don’t think twice; get yourself a better one.») However, Chilean women got it 20 years later.

What is the Chilean song that starts the demand for the female orgasm?

Humedad (Wetness), by Javiera Parra.

El Dinamo , February 8, 2013 

Con tres discos editados a la fecha, Fernando Milagros se instala como referente importante de la música alternativa chilena de la última generación. Mezclando sonidos populares y de raíz folclórica americana, con texturas mas ligadas al pop y al rock, Milagros arma un tejido que aúna las voces genuinas y tradicionales con los sonidos más universales y actuales.

Fernando Milagros lanza su disco Por su atención gracias bajo el sello Armonica/Oveja Negra. Producido por Cristóbal Carvajal (Holden, Gran Shuffle), este trabajo busca acercar a un sonido más pop la música de raíces folclóricas y urbanas, destacando las letras y la historia en sus canciones.

A Principios de 2010 el realizador y creador de La Blogotheque, Vincent Moon (Arcade Fire, Grizzly Bear, REM, entre otros) lo convoca para filmar el primer Take Away Show chileno, en Valparaíso, lo que le permite lograr una vitrina internacional que lo lanzará a festivales como South by South West, en Austin,Texas; y Primavera Sound en Barcelona , España.

Actualmente se encuentra en plena promoción de su tercer disco San Sebastián, creado bajo la mirada del productor musical Cristián Heyne (Javier Mena, Gepe, Denver). Este álbum cuenta con las colaboraciones especiales de artistas como Gepe y la cantante danesa/española Christina Rosenvinge. Esta producción discográfica fue destacada como uno de los mejores discos 2011, según la crítica musical (www.musicapopular.cl), y le permitió presentarse por segunda vez consecutiva en el festival San Miguel Primavera Sound. De la mano de este álbum Fernando Milagros logró telonear a uno de los cantautores de mayor renombre en España, Nacho Vegas, durante su reciente gira promocional a España (Valencia, Madrid, Barcelona) y a Alemania (Berlín), donde recibió muy buenos comentarios de la prensa local.

Vacaciones en el patio de mi casa (2007 – Neurotyka)

Por su atención gracias (2009 – Oveja Negra)

San Sebastián (2011 – Quemasucabeza)

Fernando Milagros en Estudio Elefante (2010 – Autoedición)

San Sebastián remixes vol. 1 (2013 – Quemasucabeza)

Neurotyka 2999, volumen 2 (2007 – Neurotyka)

Neurotyka 2999, volumen 3 (2007 – Neurotyka)

Neurotyka 2999, volumen 4 (2008 – Neurotyka)

Primer almuerzo: sesiones para Radio Guerritas 2009 (2009 – Edición independiente)

Mi mujer favorita (2010 – Oveja Negra)

+ folk. Canción de autor (2010 – Oveja Negra)

EP: el compilado (2012 – Edición independiente)

LOS MILAGROS DE FERNANDO

Comenzó a hacer música con un balón de gas y un colchón que encontró en la bodega de su casa. Que Fernando Milagros (33) sea hoy uno de los artistas más prodigiosos de la escena actual, se debe, en gran parte, a una serie de mujeres que le enseñaron a ver belleza en lo cotidiano. Sus canciones que él define como “pop chileno” tienen pocos acordes. Su vida, muchos más. Uno de ellos es el encuentro tardío con su padre, al que solo conoció en 2005.

Mucho antes de que Fernando Milagros irrumpiera en 2006 en el circuito musical chileno, con su voz rasposa y su look de vaquero triste, era simplemente Fernando Briones vera: el hijo de una madre soltera, nacido en Talcahuano en 1980, que vacacionaba en Yumbel, al sur de Los Ángeles, en la casa de su bisabuela Olga.

Su madre, Jeannette, lo dejaba bajo el cuidado de la abuela y la bisabuela, cuando en el verano tenía que trabajar como parvularia del Ejército. Fernando creció bajo el alero de tres generaciones de mujeres que, además de arreglárselas para sobrevivir, lo llevaban a pasear en tren comiendo huevos duros. “Siempre me llamó la atención lo cargadas que iban _mi bisabuela y todas las mujeres del campo, mientras los _hombres eran unos satélites: iban y venían. Mi abuelo era contador pero tocaba acordeón. Era el alma de la fiesta”, cuenta Fernando al recordar ese imaginario agreste de infancia que de a poco se fue colando en sus canciones: en 2011 su tercer y último disco, San Sebastián nace como un homenaje a esas raíces.

Reconocido como uno de los mejores álbumes de ese año por la crítica chilena, San Sebastián se titula así por el santo al que miles de feligreses iban a ver cada 20 de enero cuando él era niño. “Era un evento ir a ver llegar a los pasajeros a la estación porque Yumbel pasaba de ser un pueblo desolado a tener protagonismo. Recuerdo que me pasé tardes enteras escuchando el silbato del tren. Un ejercicio que ahora miro con nostalgia porque es un mundo que se extinguió”, explica.

Fernando Milagros está a cargo del diseño del show que Carlos Cabezas con Electrodomésticos harán por primera vez en el Teatro Municipal en julio. además, está componiendo su cuarto disco.

San Sebastián, también cambió la vida del músico. De la mano del productor Cristián Heyne (Gepe, Javiera Mena) ese viaje por las raíces consagró al artista en escenarios importantes como el Lollapalooza Chile y el más famoso festival de música europeo, el Primavera Sound de Barcelona, además de llevarlo a tocar a México, Berlín, Madrid y Texas. En dos de los temas participa la española Christina Rosenvinge, otra de las razones que tuvo el público de habla hispana para aplaudirlo.

En la canción Reina japonesa se repite la frase “Despídete antes de irte”. En tu música siempre alguien está de paso.

O alguien que en el camino está buscando cosas. Mis canciones son como un recorrido. Harta gente me dice que las escucha en la carretera y es loco, porque supongo que esa ha sido la naturaleza de mi vida.

¿Ser un nómada?

Sí. Porque de chico me tocó vivir en varias ciudades por el trabajo de mi madre que era itinerante. Eso de estar en movimiento me modificó para bien y para mal. Por un lado estoy amaestrado para generar vínculos rápidamente con las personas, por otro, cultivo poco los vínculos.

¿En qué se traducía el trabajo de tu madre para el Ejército?

Mi mamá era milica. Llegó a teniente, se metió con otro milico, quedó embarazada de mí y, como en esa época era un tabú la relación entre dos miembros de la misma institución, como no estaban casados, hasta ahí nomás llegó su carrera. La dieron de baja y mi viejo no encontró otra cosa que _irse. Mi mamá fue resiliente. Había estudiado Educación Parvularia y consiguió que la reincorporaran como empleada civil. Así siguió trabajando en el Ejército pero sin la responsabilidad militar. ¿Mi padre? Solo lo conocí por fotos.

HECHO EN CASA

En uno de esos viajes con su madre por San Felipe o Magallanes, el niño Fernando agarró la manía de improvisar música. Con las revistas La Bicicleta aprendió a tocar solo la guitarra a los 11 años. Más tarde, en 2003, formaría su primera banda de post rock, María Milagros, la que abandonó para seguir su camino solista en 2005.

Fernando se quedó con el apellido artístico Milagros y se dio cuenta que avanzaba mucho más cuando se encerraba a componer en soledad. Percutiendo un balón de gas, un colchón que encontró en una bodega, fabricando baquetas con tallarines amarrados con cintas. Y sobreviviendo como diseñador teatral (su primera profesión) de controvertidas obras, como Prat, Juana y Cristo con la dramaturga Manuela Infante, logró sacar en sus tiempos libres las diez canciones de su primer disco: Vacaciones en el patio de mi casa. Como le fue bien, continuó con Por su atención gracias. “Me di una vuelta larga, pero con San Sebastián supe que mi prioridad es la música. Ese es mi lugar”, dice Fernando.

“Mi mamá era milica. Llegó a teniente, se metió con otro milico, quedó embarazada de mí y, como no estaban casados, hasta ahí no más llegó su carrera. La dieron de baja y mi viejo no encontró otra cosa que echarse el pollo. A él solo lo conocí por fotos”.

¿Cúanto te marcó haber sido hijo de militares?

Me pesó harto. Recuerdo que me daba vergüenza y por mucho tiempo no lo contaba, porque nunca estuve de acuerdo con la dictadura. Curiosamente en mi casa se escuchaba harto folclore. Desde Los Huasos Quincheros, que me parecían cerdos, hasta Víctor Jara y Violeta Parra, que fueron los que finalmente, a los 12 años, me dieron otra conciencia. En mi pubertad nos asentamos en Santiago. Buscando discos en el Biobío empecé a cultivar mis referencias musicales. Ya no había dudas: era la oveja negra de mi casa.

¿Qué es de tu madre hoy?

Está ahí. Separada, con dos hijos que tuvo con mi padrastro, encontrándose consigo misma después de haber criado a tres seres humanos. Ahora que está más vieja y más relajada nos sentamos en la mesa y yo le hago bromas sobre las cuentas de Pinochet en el Riggs, o sobre que votó por Piñera. De a poco se ha ido dando cuenta de que se equivocó. De a poco la he ido convirtiendo en una persona de izquierda. O al menos, con eso sueño.

Hiciste la dirección de arte del filme El año del tigre, de Sebastián Lelio. ¿Fuiste a ver Gloria, su última película?

Fui con mi mamá y le encantó. Es tan notable la película. Retrata a un segmento de la sociedad que nunca se mira porque estamos acostumbrados a ver en la tele a la mina bonita y perfecta, a la gente joven. Es la raja que te abran los ojos… está bueno que alguien te refriegue en la cara que el mundo no se acaba cuando cumples 40 o 50.

¿Y de tu papá no supiste nada más?

Lo conocí recién en el año 2005. Con la ayuda de mi mamá, comencé a buscarlo y lo encontré en Santiago. Nos juntamos en un café. Fue raro conocerlo. Cuando lo vi, apenas me reconocí en ese viejito de campo que ahora vive en Osorno. Sabía que era mi sangre, pero en verdad me preguntaba: ¿Quién es él? Después nos rebotamos un par de mails pero nada significativo. Creo que es una persona llena de miedos, y no sé si su familia nueva sabrá que existo yo. Mi papá es una duda permanente que no sé si resuelva algún día. ¿Qué pensará cuando abre algún diario y aparezco yo? Debe sentir curiosidad.

¿Y le contaste quién eras tú?

No mucho porque encontrarse con tu viejo tardíamente es como leer Demian ahora, no te va a gustar, lo vas a encontrar ingenuo, debiste haberlo leído a los 15. Han pasado tantas cosas en mi vida que no sabía por dónde comenzar y, cuando caché que lo iba a ver una pura vez, no tenía sentido. Ya fue el momento. Fue mi madre la que hizo de papá y mamá.

Como en la cinta Gloria, donde los hombres siempre se van.

Los hombres siempre se van, eso es verdad. Probablemente yo también me termine yendo.

Revista Paula, 8 de junio de 2013

With three albums released to date, Fernando Milagros sets himself as an outstanding reference of the latest generation of Chilean alternative musicians. By mixing popular tunes of American folk roots with textures closer to pop or rock , Milagros weaves a musical tapestry that combines genuine and traditional voices with the most universal and contemporary sounds .

Fernando Milagros released his album Por su atención gracias (Thanks for your attention) under the Armonica/Oveja Negra label. Produced by Christopher Carvajal (Holden, Gran Shuffle), this work seeks to bring folk music with urban roots to a more pop sound, thus emphasizing the lyrics and the storyline in his songs.

In early 2010, the director and creator of La Blogotheque, Vincent Moon (Arcade Fire , Grizzly Bear, REM , etc.) convened Fernando Milagros to film the first Chilean Take Away Show, in Valparaiso, which enabled him to achieve an international showcase that will lead him to festivals such as South by South West in Austin, Texas , and Primavera Sound in Barcelona, ​​Spain .

He is currently in the midst of promoting his third album San Sebastian, created under the watchful eye of music producer Cristian Heyne (Javiera Mena, Gepe, Denver). This album features special collaborations from artists like Gepe and Danish/Spanish singer Christina Rosenvinge. The production was regarded as one of the best albums of 2011, according to music critics (www.musicapopular.cl), and allowed him to appear for the second time in the San Miguel Primavera Sound festival. Thanks to this this album, Fernando Milagros managed to open for Nacho Vegas, one of the most renowned songwriters in Spain during his recent promotional tour to Spain (Valencia, Madrid, Barcelona) and Germany (Berlin), where he received very good feedback from local press .

Vacaciones en el patio de mi casa  (Vacation in my backyard, 2007 – Neurotyka)

Por su atención gracias (Thanks for your attention, 2009 – Oveja Negra)

San Sebastián (2011 – Quemasucabeza)

Fernando Milagros en Estudio Elefante (2010 – Autoedición)

San Sebastián remixes vol. 1 (2013 – Quemasucabeza)

Neurotyka 2999, volumen 2 (2007 – Neurotyka)

Neurotyka 2999, volumen 3 (2007 – Neurotyka)

Neurotyka 2999, volumen 4 (2008 – Neurotyka)

Primer almuerzo: sesiones para Radio Guerritas 2009 (2009 – Edición independiente)

Mi mujer favorita (2010 – Oveja Negra)

+ folk. Canción de autor (2010 – Oveja Negra)

EP: el compilado (2012 – Edición independiente)

FERNANDO’S MIRACLES

He began making music with a butane bottle and a mattress he found in his house’s cellar. The fact that Fernando Milagros (33) is today one of the most prodigious artists of the current scene, is due in large part to a series of women who taught him to see beauty in everyday life. His songs, which he defines as «Chilean pop”, have few chords. His life has many more. One of them is the recent encounter with his father, whom he met just in 2005.

Long before Fernando Milagros broke into the Chilean music scene in 2006 with his raspy voice and his sad cowboy look, he was simply Fernando Briones Vera: the son of a single mother, born in Talcahuano in 1980 and who vacationed in Yumbel, south of Los Angeles at the home of her great-grandmother Olga.

His mother, Jeannette, left him in the care of his grandmother and great grandmother during the summer, as she had to work as a nursery teacher in the Army. Fernando grew up under the wing of three generations of women who, in addition to help him manage to survive, took him on train rides eating boiled eggs. «It always struck me the fact that they travelled loaded down like a pack mule –my grandmother and all the women in the countryside- while men were just satellites: coming and going. My grandfather was an accountant but he played the accordion; he was the life of the party», says Fernando remembering the wild imaginary of his childhood which slowly went creeping into his songs: in 2011 his third and latest album, San Sebastián, was born as a tribute to those roots.

Acknowledged as one of the best albums of that year by the Chilean critic, San Sebastian is called after the saint whom thousands of parishioners would worship each January 20 when he was a child. «It was a huge event to go and see the passengers reach the station, because Yumbel went from being a desolate village to take center stage. I remember spending entire afternoons listening to the train whistle. An activity that now I look back wistfully because it is a world already gone,” he explains.

Fernando Milagros is in charge of designing the show that Carlos Cabezas and Electrodomésticos will perform for the first time at Teatro Municipal in July. Moreover, he is writing the songs for his fourth album.

San Sebastian also changed the life of the musician. Working hand in hand with producer Cristian Heyne (Gepe, Javiera Mena) that journey to his roots made him into a well-known artist in major venues such as Lollapalooza Chile and the most famous festival of European music, Primavera Sound in Barcelona, along with taking him on tours to Mexico, Berlin, Madrid and Texas. Spanish Christina Rosenvinge collaborates in two of the songs, another reason the Spanish-speaking audience had to applaud him.

The phrase «Say goodbye before you leave» is often repeated in the song Reina japonesa (Japanese Queen) There is always someone passing through in your music.

Or maybe is someone who’s looking for things on the way. My songs are like a journey. Many people have told me that they listen to my songs on the road, and it’s crazy, because I guess that’s been the nature of my life.

You mean being a nomad?

Yes, because as a boy I lived in several cities due to my mother’s job, which was pretty itinerant. That constantly being on the move finally changed me, for both good and evil. On the one hand I am trained to quickly create bonds with people; on the other hand, I don’t nurture those bonds much.

What was your mother’s work for the Army about?

My mom was a milica. She became lieutenant, got laid with another milico, he got her pregnant. Since at that time a relationship between two members of the same institution was taboo, and as they were not married, the whole thing put an end to her career. She was dismissed and my dad had nothing to do but leave. My mom was resilient. She had studied Early Childhood Education and managed to rejoin the army as a civil employee. So she continued to work in the army but without military responsibility. My father? I’ve only seen pictures of him.

HOMEMADE

On one of these trips with his mother along San Felipe or Magallanes, young Fernando got the fixation of improvising music. With magazines like La Bicicleta, he taught himself to play the guitar at age 11. Later, in 2003, he formed his first post rock band, María Milagros, which he left to pursue his solo career in 2005.

Fernando kept the artistic name Milagros and realized that he progressed a lot more when he shut himself to compose on his own. Beating a butane bottle and a mattress found in a warehouse, manufacturing drumsticks with raw spaghetti sticks tied with ribbons. And surviving as a theatrical designer (his first profession) of controversial works, such as Prat, Juana and Cristo, along with playwright Manuela Infante. Among all this, he managed during his free time to write ten songs for his first album Vacaciones en el patio de mi casa (Vacation in my backyard). As he did well, he went on with Por su atención gracias (Thanks for your attention). «I ok the long road, but with San Sebastian I finally realized that my priority is music. That’s my place, «says Fernando.

“My mom was a milica. She became lieutenant, got laid with another milico, he got her pregnant. As they were not married, that meant the end of her career. She was dismissed and my dad just took to his heels. I’ve only seen pictures of him.”

Has your life been marked by the fact of having military parents?

It has carried some weight. I remember I felt embarrassed and I did tell anybody for a long time because I never agreed about the dictatorship. Interestingly, we used to listen to folklore at home; ranging from Los Huasos Quincheros, which to me were disgusting, to Victor Jara and Violeta Parra. The latter two raised my awareness when I was 12. We settled in Santiago during my puberty. Looking for old albums at the Biobío market I began to cultivate my musical references. There was no doubt: I was the black sheep of my home.

How’s your mother doing today?

She’s there. Separate with two children she had with my stepfather; finding herself after raising three human beings. Now that she’s older and more relaxed we sit at the table and I make jokes about Pinochet’s accounts at Riggs, or why she voted for Piñera. She has gradually come to realize that she was wrong. Little by little I have turned her into a left person. Or that’s my dream, at least.

You did the art direction of the film El año del tigre (The Year of the Tiger) by Sebastián Lelio. Did you see Gloria, his latest film?

I went with my mom and she loved it. It’s such a remarkable film. It portrays a segment of society we never look at because we are used to seeing on TV only the beautiful and perfect girl, the young people. It’s pretty cool that someone comes and opens your eyes…it’s good that someone rubs their nose in the fact that the world does not end when you turn 40 or 50.

And what about your father? Have you had any news from him?

I met him recently, in 2005. With the help of my mother, I began to look for him and found him in Santiago. We met at a cafe. It was kinda weird. When I saw him, I barely recognized myself in that old man from the countryside now living in Osorno. I knew he was my blood, but I really wondered: Who is he? After that we sent each other a couple of mails, but nothing important. I think he is full of fear, and I don’t know if his new family knows anything about me. My dad stands for a permanent doubt I don’t know whether I will ever resolve someday. What does he think when he reads a newspaper and sees a picture of me in it? I guess he must be curious.

And did you tell him who you were?

Not much because meeting your old man late in life is like reading Demian at this age; you won’t like it, you’ll find it naïve. You feel you should have read it when you were 15. I’ve gone through so many things in my life that I wouldn’t know where to start from. And when I realized that I would see him only once, there was no point in making so much effort. The time passed; there’s no going back. It was my mother the one who was both my Mom and Dad.

As in the film Gloria, where men always leave.

-Men always do, that’s true. I’ll probably end up leaving too.

 Paula Magazine, June 8, 2013 

Músico y compositor de renombrada trayectoria a nivel latinoamericano. Guitarrista que dio su sonido característico a los temas de Los Prisioneros. Creador además de uno de los grupos de culto de los años 90, Profetas y Frenéticos. Como solista ha publicado dos discos, Claudio Narea y El Largo Camino Al Éxito, que han tenido rotación en medios de comunicación masivos de Chile y el extranjero. Fue uno de los impulsores de la Asociación de los Trabajadores del Rock, del cual nacieron las Escuelas de Rock, que hasta el día de hoy se mantienen como uno de los programas de cultura gubernamental de más larga data. En las Escuelas de Rock fue coordinador, productor musical y docente.

Ha escrito su autobiografía Mi vida como prisionero, y trabajado en radio y televisión. Permanentemente comparte su experiencia en charlas motivacionales e historia de la música contemporánea en Santiago y regiones. Actualmente, Claudio Narea se encuentra grabando un nuevo disco como también desarrollando sus tres proyectos musicales: Profetas y Frenéticos junto a los integrantes originales, el repertorio clásico de Los Prisioneros junto a Miguel Tapia y también su música solista junto a Los Indicados.

Claudio Narea (2000 – Autoedición)

El largo camino al éxito (2006 – Sony BMG)

Claudio Narea vuelve a los escenarios con su hijo y su banda “Profetas y Frenéticos”

Junto a los mismos integrantes de los años 90, el grupo liderado por el ex Prisioneros se vuelve a reunir para realizar diferentes presentaciones en Chile.

“Profetas y Frenéticos”, es el grupo liderado por el ex Prisioneros, Claudio Narea, quienes después de su separación en los años 90´ vuelven a reunirse con los integrantes originales de la banda, para iniciar una serie de conciertos.

En marzo comenzaron sus presentaciones, con la incorporación del hijo de Claudio en los teclados, Juan Pablo Narea, quién a sus 22 años se integra por primera vez a un grupo musical junto a su padre.

El 18 de abril participarán en forma inédita en un espectáculo gratuito y cercano con el público en los “Audiomusica Session”, encuentros donde los intérpretes pueden acercarse a su público, contando sus experiencias y su relación con la música, además, de una presentación en vivo con sus mejores repertorios.

La agrupación pretende desarrollar un nuevo disco y lanzar prontamente un nuevo single. Sobre este tema, el ex Prisioneros nos cuenta: “Debo terminar un disco junto a Miguel Tapia y luego grabaremos el disco de ‘Profetas y Frenéticos’. Estamos recién comenzando el proceso, no tenemos todavía tantos temas nuevos como para hacer un disco de inmediato, eso vendrá con el tiempo. La idea es lanzar pronto un single”.

Formados en 1991 tras la salida de Claudio Narea de Los Prisioneros, “Profetas y Frenéticos” fue una banda de culto, que se especializo en el rock and roll clásico o rockabilly, logrando materializar dos discos Profetas y Frenéticos (1991) y Nuevo Orden (1992).

El Mostrador, 15 de abril de 2013 

Musician and composer with an outstanding career in Latin America, Claudio Narea is the guitarist who gave Los Prisioneros’ songs their signature sound. Additionally, he is creator and founder of one of the cult bands of the 90s, Profetas y Freneticos (Prophets and Frantic). Narea has released two solo albums, Claudio Narea and El Largo Camino al Exito (The Long Road to Success), which have been promoted through mass media in Chile and abroad. Claudia Narea is also was one of the initiators of the Asociacion de los Trabajadores del Rock (Association of Rock Music Workers), as from which the Escuelas de Rock (Schools of Rock) were born. Until now, these schools remain as one of the most longstanding governmental culture programs. In the Schools of Rock he was coordinator, music producer and lecturer.

Narea has written his autobiography Mi vida como Prisionero (My life as a Prisioner), and worked in radio and television. He permanently shares his experience in pep talks as well as he gives lectures on history of contemporary music in Santiago and regions. Presently, Claudio Narea is recording a new album as well as developing his three musical projects: Profetas y Freneticos with the original members, the classical repertoire of Los Prisioneros with drummer Miguel Tapia and his solo work with Los Indicados.

Claudio Narea (2000 – Autoedición, Self-released album)

El largo camino al éxito (2006 – Sony BMG)

Formada el 2010 y dirigida por los hermanos Camilo y Abel Zicavo, La Moral Distraída nace como un impulso para torcerle la mano a ciertas concepciones moralistas que restringen la vida social. Por ello, la banda mezcla cálidos ritmos latinos que incitan al baile, a moverse ante las conductas sociales que someten al cuerpo a su inhibición.

Aprovechando la estrecha relación que el grupo de músicos mantiene con el teatro, la banda edifica sus canciones como piezas dramatúrgicas, haciendo que letra y composición musical mantengan expectantes al público a lo largo de un show que se sirve de ritmos como la salsa, el merengue, la timba, la cumbia, el reggaetón, el hip-hop, el funk, etc. que fusionadas sugieren el eclecticismo propio de un cuerpo latinoamericano con penas y glorias.

Con dos EP editados a la fecha, la banda se encuentra por estos días en la producción de su primer disco, con el desafío de plasmar en él la energía e impacto que generan sus presentaciones en el público. El primer single de este trabajo será estrenado en enero del 2014.

Tres años con La Moral Distraída

La banda nacional, que prepara su primer disco, celebrará su tercer aniversario revisando lo mejor de su “charquicán bailable”, elaborado con salsa, reggaetón y un extenso catálogo de ritmos latinoamericanos.

Habiendo formado parte de la banda de acompañamiento que musicalizó la obra de teatro “El Gran Bang”, un grupo de amigos actores decidió armar un proyecto musical para seguir explorando ese lado artístico. Así, en el año 2010, nació La Moral Distraída, una banda que desde sus orígenes mantuvo el espíritu de las letras con crítica social, y de la fusión sin escrúpulos de estilos como la salsa y el reggetón, como Calle 13.

Después de haber publicado singles y tres EP’s, la banda de nueve integrantes se prepara para componer un disco de larga duración que será lanzado a finales de año, y para un show que promete ser el mejor de su carrera, en el cual celebrarán tres años de fiesta y música. Abel Zicavo, uno de los vocalistas del grupo, habla sobre la evolución y las experiencias de la banda a tres años de su formación.

—En qué etapa se encuentran ahora, ¿componiendo, grabando?

—Tenemos harto material nuevo, pero está muy guardado. Después de este show que haremos en La Batuta el 26 de abril, en el que hemos estado trabajando durante varias semanas, queremos encerrarnos para perfecciona nuestro material y experimentar con nuevas cosas para grabar un disco. Porque podríamos seguir sacando EP tras EP, pero ya llevamos tres años, y queremos materializar todo este trabajo en un disco que refleje nuestras nuevas inquietudes y lo que hacemos en vivo.

—¿Cómo resumirías estos tres años de trabajo?

—Ha sido todo muy especial, porque nuestro tipo de música, que es una especie de fusión bailable, no es algo que se acostumbra a ver acá. En el país hay mucha cumbia, y hay excelentes bandas amigas que se dedican a ese estilo, pero lo nuestro es distinto, es una mezcla de salsa, de hip hop, de muchas cosas. Entonces, encuentro muy especial que a la gente le haya gustado tanto nuestra

—¿Ha habido cambios de concepto o evolución en su música, o mantienen el espíritu original?

—Yo creo que han cambiado algunas cosas, por ejemplo, se han ido afirmando ideas como la fusión del hip hop y con la música bailable, y el uso del reggaetón bueno. También hemos ido afirmando nuestras técnicas, depurando arreglos. Los músicos que han ido entrando son de excelentísimo nivel. La idea de la banda ha sido siempre la misma, hacer fusión con géneros latinos, pero ahora podemos hacerlo mucho mejor que antes.

—Hablaste que ustedes usaban el reggaetón bueno, ¿cómo distingues el reggaetón bueno del malo?

—Igual como se diferencia a toda la música. Hay música que te entretiene, y esto puede ser desde una balada que te emociona, hasta una cumbia que te hace bailar. Y por otro lado está la música fome, que es esa que abusa de ciertos recursos, y que como no es original no te provoca nada. De repente hay reggaetones que tienden a no ser originales y a abusar de conceptos machistas y retrógrados.

—Hay un dejo de Calle 13 en su música, e incluso en sus letras de crítica social. ¿Los reconocen como influencia, o se sienten más cercanos a otros sonidos?

—Yo diría que Calle 13 es el único referente de fusión y critica social, que utiliza el reggaetón y el hip hop de una manera elaborada, que llega a Chile. Son unos referentes para nosotros, pero también lo son Teo calderón, Los Salvajes, Los Van Van, La Charanga Habanera, que acá no son conocidos.

—Ustedes tienen una canción llamada “Lais”, en la cual se burlan de las mujeres ABC1. ¿Cómo ha sido tocar esa canción en fiestas y lugares donde seguramente, gran parte del público se ve representado con esa letra?

—Es un fenómeno interesante, porque efectivamente nosotros nos hemos movido en un ambiente en que hemos conocido a mucha gente como la que describimos en la canción. Pero no es ningún ataque, es un retrato divertido, entonces el público se ríe, lo toma como una humorada que muestra varios lugares comunes de ese estilo de vida. Claramente la crítica subyace a todo ese humor, pero es una buena forma de presentarla.

MSNChile

Formed in 2010 and led by brothers Camilo and Abel Zicavo, La Moral Distraida was born as an attempt to challenge certain moral conceptions restraining social life. Therefore, the band blends warm Latin rhythms that make you dance and move as a response to the social behaviors that subject the body to its inhibition.

Taking advantage of their close relationship with theater, the musicians build their songs as dramatic pieces, thus enabling lyrics and musical composition to keep the audience excited during a show that uses rhythms like salsa, merengue, timba, cumbia, reggaeton, hip- hop, funk, etc. All these mixed tunes suggest the archetypal eclecticism of a Latin American body that has undergone pains and glories.

With two EP released up to now, these days the band is working on the production of their first album. Their challenge is imprinting in the album all the energy of their live performances and the impact they have on the audience. The first single of this work will be released in January 2014.

Pascuala Ilabaca (1985) es una cantante, acordeonista y compositora de la ciudad de Valparaíso. Licenciada en Música en la PUCV, estudió composición con Eduardo Cáceres y Boris Alvarado en Chile y canto con Pashupatinath Mishra en India.

Desde 2005 forma la banda Pascuala Ilabaca y Fauna editando 2 discos de autor: Diablo Rojo Diablo Verde (2010) y Busco Paraíso (2012) y 1 disco homenaje a Violeta Parra (Pascuala canta a Violeta).

Los hitos de su carrera son: Ganadora Festival del Huaso de Olmué 2010, Mejor Videoclip Chileno 2010, Lollapalooza 2013, Ganadora Independent Music AWARDS NEW YORK 2013 con su disco Busco Paraíso, En Noviembre de 2013 se estrena como animadora de TV en canal UCV del programa Territorios Imaginados (todos los Sábados a las 19.30pm).

Junto a su banda Fauna ha realizado giras musicales en Chile, Argentina, Perú, Colombia, México, India, España, Portugal, Alemania, Bélgica y Francia.

Pascuala canta a Violeta (2008 – Autoedición)

Diablo rojo, diablo verde (2010 – Edición independiente)

Busco paraíso (2012 – Edición independiente)

Caleidoscopio (2005 – Edición independiente)

+ folk. Canción de autor (2010 – Oveja Negra)

Música x memoria (2011 – Fondart)

PASCUALA ILABACA: NÓMADA

Compositora, pianista, acordeonista y cantante, a los 25 años la porteña Pascuala Ilabaca estremece los escenarios musicales de Chile con su voz dulce, que se pasea por ritmos hindúes, tangos, cuecas, cumbias o trotes andinos. Aquí se presenta.

Mi primer recuerdo musical es la emoción que sentí la primera vez que puse un casete en la radio de mi casa. Tenía 4 ó 5 años y mis padres me pillaron bailando, inspiradísima, Tiempos gitanos, de Emir Kusturica. Como mi papá es el pintor Gonzalo Ilabaca y mi mamá es vitralista, en mi casa siempre escuché mucha música, la misma que ellos escuchaban para inspirarse.

Mi primera incursión en un escenario fue a los 6 años. Teloneé a Los Parkinson, en Concón. Eran amigos de mis papás. Canté una ranchera a lo María José Quintanilla.

Janis Joplin fue mi primera influencia musical. Me gusta el trabajo femenino en el arte en un mundo que suele ser muy masculino. Yo estudié Composición en la Universidad Católica y nunca me enseñaron el trabajo de una compositora mujer, tampoco tuve una profesora mujer y, cuando terminé la carrera, era la única mujer del curso.

Ser mujer en este ambiente tiene un aspecto que asumo con gusto pero que tal vez sea hora de cambiar: eres la mamá de tu banda y tienes muchas responsabilidades: eres el roadie, la técnico, la que canta y la que cuida a sus pollitos para que no se escapen ni se pongan a pinchar cuando tenemos que hacer cosas.

Violeta Parra es mi santa patrona. No entiendo por qué en Chile dudamos de nuestra identidad en circunstancias de que es tan evidente de que está en Violeta Parra. En ella está todo: la queja, la crudeza, la simpleza, el análisis, la depresión y también la pasión y la creación.

Viajando por otros países descubrí la música étnica. A los 12 viví en la India con mis papás y, a los 15, en México. Con mi grupo, Samadi, hemos investigado profundamente la música del mundo. De hecho, el año pasado estudié Música durante un año en la India con mi pareja, que también es integrante de la banda.

Arte + carácter. Más que pensar que hay grupos o cantantes subvalorados, creo que es el carácter la llave que abre puertas para desarrollarte como artista. Por ejemplo, Álvaro Peña, de Valparaíso. Fue el primer punk chileno y fundó The Clash con Joe Strummer en Inglaterra, pero tiene un carácter tan insoportable que se ha convertido en el muro de su propio trabajo, que es muy bueno. Lo admiro mucho.

Cada uno tiene un pasaje interno. Estés donde estés, la identidad no cambia. Por ejemplo, cuando estoy en una playa me dan ganas de hacer cumbias y, si llego a una montaña, me da ganas de tocar trotes andinos. Mientras estuve en la India con mi pareja hicimos un disco, Perfume o veneno, que acabamos de lanzar, y que se inscribe en el concepto World music y que fusiona influencias musicales de la India con mi acervo chileno. Usamos instrumentos como la tabla hindú, acordeón y percusiones orientales. Pero también llegué con un trabajo mío, propio, personal, Diablo rojo, diablo verde, de cuecas, trotes y tangos. Ése es mi corazón interno, el secreto que guardo para mí cuando estoy en la montaña, por decirlo de alguna manera, y que me lleva a hacer una oda a las cholitas.

Perfume o veneno se trata de cómo es vivir en el infierno y en el paraíso a la vez. Eso fue lo que viví en la ciudad de Varanasi, en la India: estaba toda la inspiración musical que buscaba pero a la vez me iba poniendo flaca de tanto enfermarme. Y como si mueres en Varanasi te liberas de toda la cadena de la reencarnación, todos los hindúes caminan hacia esa ciudad como último trayecto, antes de la muerte definitiva. Vi a mucha gente morir, vi perros comiendo cadáveres, vi niños flotando en el río. A eso le puse música y lo bauticé Perfume o veneno.

Soy estudiosa, me gusta saber, necesito descubrir la esencia de la música. Cuando algo me emociona hasta el alma, como Violeta Parra, lo respeto, lo cuido y, sobre todo, lo estudio. Por eso fue muy duro para mí que mis papás no me mandaran al colegio cuando chica. Mis papás me enseñaron a leer mientras recorríamos Chile de arriba a abajo, pero no había día en el que no les pidiera que, por favor, me mandaran al colegio. Yo necesito estudiar.

Revista Paula, 25 de marzo 2010

Pascuala Ilabaca (1985) is a singer, accordionist and songwriter from the city of Valparaiso. She is Bachelor of Music from PUCV, and studied music composition with Eduardo Cáceres and Boris Alvarado in Chile. She also studied singing with Pashupatinath Mishra in India.

Since 2005 she formed the band Pascuala Ilabaca y ​​Fauna and released two albums: Diablo Rojo Diablo Verde ( Red Devil, Green Devil, 2010) and  Busco Paraiso (Seeking Paradise , 2012) as well as she released a tribute album to Violeta Parra (Pascuala canta a Violeta).

Additional career highlights include: winner of the 2010 Edition of the Festival del Huaso de Olmue, Best Chilean Music Video 2010, Lollapalooza 2013, and winner of the 2013 Independent Music AWARDS NEW YORK for her album Busco Paraiso. In November 2013 she debut as TV host of the program Territorios Imaginados (Imagined Territories) on UCV TV channel (broadcast on Saturdays at 7:30 p.m.).

Along with her band Fauna, she has performed concert tours in Chile, Argentina, Peru, Colombia, Mexico, India, Spain, Portugal, Germany, Belgium and France.

Pascuala canta a Violeta (2008 – Autoedición, self-released album)

Diablo rojo, diablo verde (2010 – Edición independiente, independent label)

Busco paraíso (2012 – Edición independiente, independent label)

Caleidoscopio (2005 – Edición independiente, independent label)

+ folk. Canción de autor (2010 – Oveja Negra)

Música x memoria (2011 – Fondart)

PASCUALA ILABACA: NÓMADA

Born in Valparaiso, composer, pianist, accordionist and singer Pascuala Ilabaca shakes the music scene in Chile at her 25 years of age and with her sweet voice that wanders around Hindu rhythms, tangos, cuecas, cumbias or Andean trotes. She introduces herself here.

My first musical memory is the excitement I felt the first time I put a tape into the cassette player we had at home. I was 4 or 5 and my parents caught me dancing –almost trancelike- Time of the Gypsies by Emir Kusturica. As my father is painter Gonzalo Ilabaca and my mom is a stained glass artist, at home I always listened to a lot of music, the same they listened for inspiration.

My first foray into stage was when I was 6. I opened for Los Parkinson, in Concon. They were friends of my parents. I sang a ranchera in the style of Maria Jose Quintanilla.

Janis Joplin was my first musical influence. I like the work of women in art in a world that is often very male-centered. I studied composition at Universidad Catolica and they never taught me the work of a female composer, neither had I had a woman teacher. When I graduated, I was the only woman in the class.

Being a woman in this environment has one aspect that I take with pleasure, but maybe it’s time to change: you’re the mom of your band , so you have a lot of responsibilities; you’re the roadie, the technician, the one singing and raising her chicks so they do not escape or start flirting around when we have things to do.

Violeta Parra is my patron saint. I do not understand why in Chile we doubt our identity when it is so obvious that our essence is comprised in Violeta Parra. Everything is in her: the moan, the roughness, the simplicity. In her work there is analysis, depression and also passion and creation.

I discovered ethnic music traveling to other countries. At 12 I lived in India with my parents and, when I was 15, in Mexico. With Samadi, my band, we have deeply investigated the music of the world. In fact, last year I studied music for a year in India with my partner, who is also a member of the band.

Art + character. Rather than thinking that there are underrated bands or singers, I think character is the key that opens doors to develop yourself as an artist. Let’s take for example Álvaro Peña, from Valparaiso. He was the first Chilean punk and founded The Clash with Joe Strummer in England, but he’s such an insufferable character that has become the wall of his own work, which is very good. I admire him a lot.

Everyone has their inner landscape. Wherever you are, your identity does not change. For instance, when I’m at the beach I feel like playing cumbias and if I get to a mountain, I feel like playing Andean trotes. While I was in India with my partner we recorded an album, Perfume o Veneno (Perfume or Posion) which we have just released, and it fits the concept World Music in that it merges musical influences from India with my Chilean heritage. We use instruments such as the Indian tabla, accordion and oriental percussions. But I also got here with a work of my own; my album Diablo Rojo, Diablo Verde (Red devil, green devil) which compiles cuecas, trotes and tangos. That’s my inner heart; the secret I keep to myself when I’m in the mountain, so to say, and that leads me to make an ode to the cholitas.

Perfume o Veneno speaks of how it is to live in hell and heaven at once. That is what I lived in the city of Varanasi, India; I found all the musical inspiration I was seeking, yet I was getting skinnier as I got sicker and sicker every day. And as if you die in Varanasi you get rid of the whole chain of reincarnation, all Hindus walk to the city as the last path before the final death. I saw many people die; I saw dogs eating corpses, dead children floating in the river. I put all that to music and called it Perfume o Veneno.

I am a studious woman, I like knowing things, and I need to discover the essence of music. When something moves me to the core, as Violeta Parra, I respect it, I care for it and, above all, I study it. So it was very hard for me that my parents had not sent me to school when I was a little girl. My parents taught me to read while touring Chile, yet there was no day that I didn’t ask them to please send me to school. I need to study.

Paula Magazine, March 25, 2010 

El teatro,  el cine, la televisión, y el canto popular, le tienen entre sus principales figuras; la cueca y el canto popular de Chile y América, están enraizados en su garganta y en su voz.

Desde hace ya  2 años, con su nueva agrupación musical Los Marujos, ha explorado con pasión el origen y dispersión de nuestra música en América.

Daniel Muñoz  se encuentra nuevamente nominado al Copihue de Oro como mejor actor nacional de series televisivas, por su rol protagónico en la serie Los ‘80. Además, el disco CUECA, dirigido artísticamente por  Daniel Muñoz junto a María Sánchez como productora general  y a los talentosos músicos de Los Marujos, también ha sido nominado al Copihue de Oro 2013.

A la fecha, se encuentra, una vez más, invitado como Jurado de Sala a la versión 2014 del Festival de Olmué.  Su agrupación musical Los Marujos, bajo su dirección, son  invitados  artistas estelares, en el mencionado festival.

Los Tricolores con Daniel Muñoz (2005 – Chile Profundo)

Cueca (2013 – Autoedición)

Daniel Muñoz presenta nuevo disco cuequero con «Los Marujos»

El también actor agendó presentaciones en la Sala SCD de Bellavista y en el Teatro Municipal de Las Condes. «Pa’ agarrarse de una cueca» es el primer adelanto del álbum.

Música Chilena El nuevo disco de «Daniel Muñoz y Los Marujos» estará disponible desde el lunes.

El nuevo disco de «Daniel Muñoz y Los Marujos» estará disponible desde el lunes.

Con una presentación en la sala SCD del Bellavista, «Daniel Muñoz  comenzará este lunes 9 de septiembre la presentación de su nueva etapa musical junto a «Los Marujos», con quienes mostrará su nuevo disco titulado «Cueca».

El álbum está inspirado en los trabajos de Margot Loyola y su investigación respecto al género en países como México, Bolivia, Argentina y Perú.

«Pa’ agarrarse de una cueca» es el primer adelanto de la placa, una composición de René «Torito» Alfaro que aborda todas las consideraciones necesarias para interpretar una cueca brava.  En total son 11 canciones y una décima las que componen el trabajo, el que según anuncian sus gestores pretende dar cuenta de la versatilidad del género tanto en Chile como en el extranjero.

Tras esta primera presentación, «Daniel Muñoz y Los Marujos» realizarán tres conciertos consecutivos, a partir del viernes 12 de septiembre, a las 20.00 horas, en el Teatro Municipal de Las Condes.

Las entradas para la actuación del grupo en la SCD tienen un precio único de 4 mil pesos y se pueden adquirir en las boleterías de Santa Filomena 110, en el Barrio Bellavista. Los boletos para las presentaciones en Las Condes van de los 8 mil a los 15 mil pesos y están disponibles en el mismo teatro o a través del call center llamando al 29 44 72 22.

El disco «Cueca» de «Daniel Muñoz y Los Marujos» estará disponible en el mercado desde el lunes y de manera particular, en el marco del show de presentación en la SCD.

Cooperativa, viernes 6 de septiembre de 2013

Theater, film, television, and popular song have him among their leading figures; the cueca and the popular song of Chile and America are deep- rooted in his throat and his voice.

For 2 years now and together with his new musical group Los Marujos, he has passionately explored the origin and spread of our music in America.

Daniel Munoz has been once again awarded a Copihue de Oro (Gold Copihue) for best performance by an actor in a television series – drama, for his leading role in the series Los ’80 (The 80s). In addition, the album CUECA has also been nominated for the 2013 Copihue de Oro. The album was artistically directed by Daniel Muñoz with Maria Sanchez as its general producer, together with the participation of the talented musicians from Los Marujos.

To date, Daniel Muñoz has been invited again to be part of the Judging panel of the 2014 Edition of Olmue Festival. His band Los Marujos -under his leadership- will be guest stars in this event.

Los Tricolores con Daniel Muñoz (2005 – Chile Profundo)

Cueca (2013 – Autoedición, self-released album)

Daniel Muñoz presents new cuequero album with «Los Marujos»

The actor and singer scheduled presentations at Sala SCD Bellavista and the Teatro Municipal de Las Condes. «Pa’ agarrarse de una cueca» is the first single of the album.

Chilean Music

The new album by «Daniel Muñoz and Los Marujos» will be available as of Monday.

Daniel Muñoz will start on Monday September 9 the performance of his new musical stage with «Los Marujos” with whom will show their new album entitled «Cueca». The presentation will take place at the SCD Bellavista room.

The album is inspired by the work of Margot Loyola and the research on the music genre he has done in countries such as Mexico, Bolivia, Argentina and Peru.

«Pa’ agarrarse de una cueca» is the first single of the album, a composition by René «Torito» Alfaro addressing all the considerations necessary to perform a cueca brava. The album is made up of 11 songs and one decima in total. According to the managers, the album seeks to give account of the versatility of the genre both in Chile and abroad.

After this first presentation, «Daniel Muñoz and Los Marujos» will perform three consecutive concerts from Friday, September 12, at 20.00 pm in the Teatro Municipal de Las Condes.

Tickets for the group’s performance in SCD have a single price of 4000 pesos and can be purchased at the ticket office located in 110 Santa Filomena St., in Barrio Bellavista. Tickets for performances in Las Condes range from 8000 to 15000 pesos and are available in the same theater or through the call center by calling at 29 44 72 22.

The album «Cueca» by «Daniel Muñoz and Los Marujos» will be available on the market from Monday and in particular, in the framework of the presentation show at Sala SCD.

Cooperativa, Friday September 6, 2013 

El concierto Música para todos nace con el propósito de acercar a los niños a la música docta. Con esta finalidad, se realiza un concierto con un repertorio cercano y pensado en las distintas edades. Crea un espacio de interacción  en el cual los niños se sienten parte de la música y a través de la participación en ella, logran romper con los estigmas y estereotipos creados acerca de este tipo de espectáculos clásicos.

Sus presentaciones comienzan en el año 2010 y hasta la fecha, han disfrutado de este espectáculo más de 80 mil niños, desde la Región de Antofagasta hasta el Bío Bío, en más de 150 establecimientos educacionales y en diversos escenarios de nuestro país, interpretando distintas piezas musicales que van desde música de dibujos animados hasta Mozart.

Dirigido por Patricio Andrade Olate (P.U.C) y realizado con un equipo profesional de músicos doctos, egresados principalmente de los Conservatorios de la Pontificia Universidad Católica de Chile y de la Universidad de Chile.

The concert Musica para Todos came about with the aim of bringing children to classical music. For this purpose, a concert is performed with a familiar repertoire, conceived for people of all ages. It creates an interactive space where children feel part of the music. Through their involvement, they manage to break down the stigmas and stereotypes created around these types of classical events.

Its performances began in 2010 and, to date, more than 80 thousand children have enjoyed this show, from the Region of Antofagasta to Bio Bio, in over 150 educational institutions and in various stages of our country. The concerts stage the performing of different pieces of, ranging from cartoon music to Mozart.

Directed by Patricio Andrade Olate (PUC), the concerts are performed by a professional team of learned musicians, mainly graduates from the Conservatory of the Pontificia Universidad Católica de Chile and Universidad de Chile.

Periodista de profesión, animador de oficio y músico de vocación: ese es Sergio Lagos. Con una carrera que se ha divido en 3 aristas, Lagos ha logrado llevar una vida meteórica.

La música en este penquista llegó a mediados de los 90’ junto a Rodrigo Castro, con Marciano, quienes en nueve años tuvieron un trabajo intensivo de 5 discos de estudio (Come astronautas, Obnibula, Polarizado, Panamericana y Absuluto), además de giras en todo Chile y Europa. En 2006 la dupla decide tomarse un receso que se extendió a siete años, volviendo a las pistas el 2012 en el festival “Creamfields”, además del lanzamiento de un EP en 2013.

Pero el período de receso junto a Marciano no fue sinónimo de descanso para Sergio, al contrario, este inquieto músico se encerró durante un año en un estudio para sacar a flote “SOLO”, primer trabajo de su nueva etapa, el cual lo llevó por todo el país en una extensa gira, además de colocarlo en grandes escenarios de Estado Unidos (LAMC) y México, y ser parte del Tour Garage Music 2008, el único tour de bandas y gratuito que ha logrado recorrer Chile antes cientos de miles de personas.

Un año después lanzó “Concepción”, álbum que sirvió como base para el DVD “Sala master 2009” y reencontrarse con el sonido desde un plano más personal aún, lo que se refleja en la composición de sus letras.

La última incursión musical de Sergio es junto a su banda Los Gaffers con “Irreversible”, trabajo que el 2012 vio la luz con buena recepción y grandes críticas, destacándose además de por su calidad musical, por la gran realización del trabajo audiovisual. Sus singles son respaldados por notables videoclips. Al igual que con sus discos anteriores, Sergio y su banda han recorrido diversos escenarios girando canciones sin detenerse.

Actualmente Irreversible prepara su edición en DVD. 

Marciano:

Come astronautas (1998)

Obnibula (2000)

Polarizado (2002)

Panamericana (2003)

Absoluto (2005)

Solista:

Solo (2007)

Concepción (2008)

Sergio Lagos y Los Gaffers:

Irreversible (2012)

Sergio Lagos lanza nuevo disco: «La música es mi lado oscuro»

El animador acaba de editar «Irreversible», su tercer álbum solista. «Me halaga que alguien se tome el tiempo de escuchar mis canciones», confiesa.

Después de 4 años -tiempo invertido casi por completo a su ajetreada carrera en TV-, Sergio Lagos (39) retorna a la música con un nuevo título bajo el brazo: «Irreversible», su tercer álbum solista.

Y acaba de estrenar el primer single, con videoclip: «Lengua», filmado en Chiloé, «un lugar con mucha mitología y muy potente», enfatiza.

Entre 2007 y 2008 las composiciones fluyeron de forma rápida y espontánea, lanzando «S.O.L.O.» y «Concepción». Pero su reciente placa demoró en gestarse a causa de «los avatares de la vida». Aunque «no fue fácil resistirse a las ganas de tocar. Las canciones estaban hechas de antes, súper estructuradas y perfectamente podrían haber salido antes a la calle, pero preferí esperar».

Por esto, indica el intérprete, «hoy estoy tratando de mantenerme lo más concentrado en mi espíritu, porque comienza la hora de canalizar todo».

Y agrega: ««Irreversible» habla de que no sólo somos carne y hueso, sino que también hay algo que nos constituye: espiritual y energético… En este tiempo me ha tocado despedir a mucha gente. Pero mi sensación es que esas personas no se van del todo. Creo que esta pasada por la vida es mucho más rápida de lo que uno intuye, pero hay cosas nuestras que permanecen».

-¿Te costó volver a la música, en medio de la vorágine de la TV?

-Siempre me las he arreglado. Me las arreglé cuando estaba en el colegio cuando tuve una banda, en la universidad y también en la vida profesional. De hecho, mi proyecto Marciano siempre tuvo que coexistir con eso… La música es mi lado oscuro, privado, mi poesía… Me halaga mucho que alguien se tome el tiempo de escuchar mis canciones.

-Has animado «Mundos opuestos», el Festival de Viña… ¿La música es tu válvula de escape?

-No me dedico a la música con una perspectiva de carrera, sino que lo hago porque la necesito, porque sin ella me ahogo, no tengo aire. Desde mi infancia que la música me constituye y me hace feliz… Me imagino dejando otras cosas, pero esto no.

«Hay un método dentro de esta locura creativa»

«Irreversible» es bastante rockero, y así lo demuestran los tracks «Estrellaré», «Alarma» o «Dame». También hay dosis acústicas, como en «Presente» y «Sabrás rezar»… Guiños «conscientes e inconscientes» a Gustavo Cerati y su «Té para tres», por ejemplo. «Así como él, también hay influencias de Charly García y de toda la música que escucho… En este disco decidí hacer temas con guitarra, que envolvieran todo, que la batería no fuera el motor. De hecho, las guitarras muchas veces se comen la voz. De esa forma, las canciones tienen vida propia», señala Lagos.

Su esposa, la cantante Nicole, colaboró con él en la etérea partida de «Sabrás rezar»… Pero no es un dueto. «Era súper tentador y hubiese sido un súper gancho cantar juntos. Si bien su participación es muy acotada, es valiosísima… Este disco también está dedicado a ella».

-¿Cómo han vivido su nuevo embarazo?

-Estamos viviendo la maravilla de esperar a una criatura, y el próximo lunes sabremos si es niñito o niñita; ya cumpliremos 4 meses de embarazo… León (su hijo mayor) está grande y es un pequeño hombrecito maravilloso… Agradezco que la vida sea así de buena con nosotros. Somos muy afortunados, pero debo reconocer que hay un método dentro de esta locura creativa: Una capacidad de encerrarse, mirar para adentro y no obnubilarse con tantas cosas que pasan por nuestro camino.

Por el momento, Sergio alista sus próximos shows por Concepción, Arica, Temuco y Puerto Montt. «Viene harto de aquí a fin de año… Y nos vamos a Perú. He estado en Lima sólo unas horas, así que será un paseo muy bueno», advierte.

Y remata: «Espero que algún día nos encontremos con mi mujer para juntar nuestros nervios esparcidos y hacer algo juntos… Las canciones, finalmente, serán la herencia que les dejaremos a nuestros hijos».

La Segunda, viernes 07 de septiembre de 2012

Sergio Lagos estrena nuevo videoclip de «Ayer»

«Ayer» es un homenaje a Valparaíso y del entorno de las calles de la ciudad porteña, es el telón de fondo para que Sergio Lagos de rienda suelta junto al director del video Andrés Mardones, a la magia y el misterio que se esconde en cada uno de los recovecos de la ciudad.

Con tomas aéreas y una filmación que se realizó la noche de año nuevo del 2013, «Ayer» es uno de los clips con mayor trasfondo estético realizados hasta el momento del álbum «Irreversible» y , sin duda, uno que promete dejar huella por su
contenido e historia, el clip cuenta con la participación de la actriz Geraldine Neary.

«La idea desde un comienzo fue que hiciéramos historias con pequeñas ingredientes que nos sacan de la realidad que conocemos», expresó Andrés Mardones.

En casi 4 días, «Ayer» ya es uno de los clips más vistos en las redes sociales de nuestro país. En menos de 4 días de que se hiciera público, «Ayer», el tercer video clip de Sergio Lagos que perteneciente al álbum Irreversible, ya ha sido visto por más de 8,000 personas.

Publimetro, 13 de febrero de 2013

Sergio Lagos was born in Concepcion, Chile on November 12, 1972. In the mid- 90s he formed the band Marciano (Martian) together with Rodrigo Castro. With great success, the duo toured around Chile and part of Latin America, and participated in major festivals in Europe. The band released 5 albums and featured 2 tribute albums to poet Pablo Neruda, thanks to their electronic adaptation of the Poem 20.

The band had a break, and Sergio locked himself in his studio to compose his own music and lyrics. As a result, his debut album was born: Solo (Alone, 2007), an album he showed throughout the country on an extensive tour, which later led him to the United States (NYC- LAMC 2007) and Mexico. The same album that led him to participate in the most ambitious tour ever carried out in Chile: Garage Music Tour 2008, where he gathered over 120 thousand people.

Months later, Sergio released his second studio album Concepcion, which was the basis for the DVD Sala Master (Master Room, 2009) a DVD that records a special concert at the Master Room of Universidad de Chile. These days Sergio Lagos is promotes his single Tu (You), whose video has been acclaimed by national and foreign media.  In this animation video, the musician time travels changing some events in the history of Chile.

At present, he continues promoting his latest album called Irreversible (2012) with which he has toured much of the country.

Marciano:

Come astronautas (1998)
Obnibula (2000)
Polarizado (2002)
Panamericana (2003)
Absuluto (2005)

Solo albums:

Solo (2007)
Concepcion (2008)

Sergio Lagos y Los Gaffers:

Irreversible (2012)

SERGIO LAGOS RELEASES NEW ALBUM: «MUSIC IS MY DARK SIDE»

The TV host has just released «Irreversible», his third solo album. «I’m flattered at the thought of someone taking their time to listen to my songs,» he confesses.

After 4 years –almost entirely spent on his hectic TV career – Sergio Lagos (39 years old) makes his comeback by presenting his latest album “Irreversible». Besides, he just released the first single and video: Lenguaje (Language), shot in Chiloé, «a powerful, mythological place» he emphasizes.

Between 2007 and 2008, his compositions flowed swiftly and spontaneously, thus releasing «SOLO» and «Concepcion». But his recent album took time to see the light because of «life’s ups and downs.” Although «it was not easy to resist the urge to play. The songs had been made in advance; they were so perfectly structured that they could have come out way before, but I preferred to wait.»

Therefore, says the artist, «today I’m trying to keep myself focused on my spirit, because the time has come to channel everything.”

And adds: «Irreversible speaks of the fact that we are not just flesh and blood, but there is something else we are made of; spirit and energy… These days I have had to say goodbye to many people, but my feeling is that people do not leave completely.  I think this stopover in life is much faster than one can sense, yet part of our essence remains».

Was it difficult to come back to music, being in the hustle and bustle of TV?

I’ve always managed. I managed to have a band during my school days and when I was at university. I have also managed in my professional life. Actually, my project Marciano has always have to cope with that…Music is my dark side, my private world, my poetry…I feel really honored that someone takes their time to listen to my songs.

-You’ve hosted Mundos Opuestos, The Festival de Viña…Is music your scape mechanism?

-I don’t devote myself to music with a career prospect, but I do it because I need it, because I can’t breathe without music, I have no air. Music is a part of me since my early childhood, it makes me happy…I picture myself giving up on other things, not this one.

 “There is a method behind this creative madness”

Irreversible is pretty much of a rock album, proof of this are the tracks Estrellaré (I’ll crash) Alarma (Alarm) or Dame (Give me). There are also some acoustic nuances, like in Presente and Sabrás Rezar (You’ll know how to pray). There are winks, either conscious or subconscious, at Gustavo Cerati’s song Té para Tres (Tea for Three), for instance.

His wife, Chilean Singer Nicole, collaborated in the ethereal startup of the track Sabras Rezar…but it is not a duet. “It was really tempting; singing together would’ve been a great hook. Although her featuring is quite small, it’s priceless…this album is also dedicated to her.

How are you living this pregnancy?

We are experiencing the wonder of expecting a baby, and next month we’ll know whether it is a boy or a girl; she’s going to be 4 months pregnant now…Leon (his eldest son) is older and is a wonderful little man…I am thankful that life has been so good to us. We are very lucky indeed, but I must admit there is a method behind this creative madness; a capacity to withdraw into myself, look within and don’t let myself be dazzled by the things I come across on the way.

Currently Sergio is preparing his upcoming shows in Concepcion, Arica, Temuco and Puerto Montt. «There’s a lot to come by the end of the year…and we’re going to Peru. I have been to Lima only a few hours, so it will be a very good ride,» he anticipates.

And he rounds off: «I hope someday my wife and I will meet to gather our scattered nerves and do something together…After all, our songs are the legacy we will leave to our children.»

La Segunda (newspaper).  Friday, September 7 2012. 

Quinteto formado el año 2006 en Santiago, Chile. Un trío de piano, bajo y batería, a lo que se sumó la voz de un Mc y los efectos espaciales de un Dj. En una misma plataforma se reúnen elementos del jazz, música clásica, hip-hop, rock y electrónica, creando una mezcla profundamente original, cohesionada en capas de energía, emoción y atmósfera.

Koala Contreras, voz

DJ Spacio, tornamesas y efectos

Gabriel Paillao, tecladista

Sebastián Muñoz, bajo

Felipe Salas, batería

Cómo Asesinar a Felipes (2008 – Potoco Discos)

Un disparo al centro (2009 – Potoco Discos)

Colores y cadáveres (2010 – Potoco Discos)

Comenzará de nuevo (2012 – Potoco Discos)

Operación Teatro Oriente DVD (2010 – Potoco Discos)

Participaciones:

Rumos (2009 – Edición extranjera)

Catedral en coma. Vol. 4 (2009 – Edición independiente)

Música x memoria (2011 – Fondart)

Al final… desde la quebrada del ají (2012 – Edición independiente)

EP: el compilado (2012 – Edición independiente)

Cómo Asesinar a Felipes: “Nuestro objetivo no es sonar en las radios”

Cómo Asesinar a Felipes, banda de hip-hop jazz formada el 2007, lanza “Comenzará de Nuevo”, su cuarto disco en el Anfiteatro del Museo de Bellas Artes. Es la consolidación de un sonido aclamado por la crítica, pero esquivo a las masas. Acá la experiencia de una banda que ha sabido hacer música en Chile, no sonar en las radios, y sobrevivir en el intento.

Vestidos de verano están Sebastián, el bajista de pelo largo y Felipe, el batero que juega con su bigote mientras habla. Ellos son el 40% de Cómo Asesinar a Felipes (CAF), una banda que puede ser muchas cosas, pero se resume en ser la fusión de todas.

El 6 de diciembre lanzarán su cuarto disco en el Museo de Bellas Artes. Será un show para 300 personas. Un lugar chico, pero los músicos de CAF saben que lo suyo nunca ha sido una vocación de masas. La música de CAF es densa, las canciones son largas. “Nos dicen que somos depresivos” reconocen también. Pero también dicen que ellos hacen música para ellos, y se alegran de que la gente se sume a eso.

Se dice que su cuarto disco, “Comenzará de Nuevo”, es esperado pero ellos no saben por qué. Una pista: el disco fue producido por Billy Gould, bajista de Faith No More. También es su estreno en Koolarrow, el sello independiente de Gould, lo que les dará distribución en Estados Unidos y Europa. Además, es un nuevo sonido según dice Felipe. “Íbamos en un estilo bien hip hop/ jazz y nos metimos un poco a un túnel, nos salimos un poco del curso natural que íbamos llevando”.

¿A qué túnel se metieron?
Felipe: Al comienzo nos catalogaron harto de hip-hop/ jazz, y ahora lo fuimos dejando de lado… pero nunca fuimos tan jazz. Es que nada de nosotros es tan-tan. Fuimos buscando un sonido “latinoamericano” y desde el comienzo siempre quisimos incluir algo más de nuestra región. Y en este disco lo descubrimos a nuestra manera. No es que haya una cueca ni La Tirana tampoco.

Este disco fue producido por Billy Gould, bajista de Faith No More, ¿cómo lo consiguieron?
Felipe: Pagamos. Jaja, no. Le mandamos la música por correo y le interesó. Nos juntamos las veces que vino con su banda, nos ofreció ser parte de su sello y obviamente le dijimos que sí y ahí empezó una relación. Después, en otra visita lo invitamos a tocar con los Felipes. Él se sacó un par de temas nuestros y ese fue el momento que él pudo descifrar como funcionaba nuestra música, al meterse en ella.

Y hasta el momento, ¿cómo habían trabajado? ¿Autogestión?
Seba: Totalmente. Para el primer disco puso plata cada uno y de ahí en adelante logramos sacar recursos y ponerle más calidad. Pero nunca hemos hecho discos de 15, 20 millones de pesos. No estamos en ese rango, y aún así creo firmemente que estamos haciendo un trabajo de calidad. Pero la producción musical siempre la hacemos nosotros. Nunca trabajamos con alguien que de afuera venga a decirnos algo. Ahora por primera vez lo hicimos con Billy Gould, pero él tampoco se metió en la música, su producción es de mezcla y masterización.

En Chile siempre se critica que los discos chilenos tienen un sonido de demo, que suena como casero. ¿Hay que trabajar con extranjeros para superar eso?
Felipe: Yo creo que es algo personal y depende de la música que querai hacer. Si querí hacer pop, teni que sonar super limpio. Pero no sé si eso va de la mano con la calidad musical. En Chile hay super buena música. Y eso es lo que más genera calidad. No es necesario juntar tanta plata para poder hacer un trabajo de calidad. Pero como ahora no existen los sellos, todos somos independientes.

INTERNET KILL THE RADIO STAR

¿Tienen intención de llegar a un público masivo? Su música no es muy fácil de digerir.
Felipe: Es que nosotros hacemos música sin pensar en crear un producto que sea fácil. Es lo que nos sale y no nos ponemos reglas respecto a eso. Para estar en la radio y hacer música más pegajosa hay que seguir ciertas reglas. Y nosotros no seguimos ni una regla, hacemos lo que queremos no más. Sabemos el riesgo que es, pero si a alguien le gusta la banda, hay que mantenerlo porque sabemos que cuando a la gente le gusta, se convierten en nuestros embajadores.

¿No faltará que las radios abran un poco más el espectro de lo que tocan?
Seba: Nosotros en el tercer disco dijimos ‘hagamos canciones más apacibles, que entren más fácil en la oreja’. No sé si para lograr la masividad. Pasó que en las tocatas veíamos que era un poco densa la cuestión, nosotros somos bien retraídos y nos enfrentamos a la gente con la música. Igual nuestro objetivo no es sonar en las radios, siempre lo hemos dicho. Pero al final uno siempre trata de sonar en la radio. Para la música es el medio más importante por su masividad.

Y una banda que no sale en la radio, ¿dónde se hace conocida?
Felipe: Internet, que es un arma de doble filo como el nombre de nuestro single, jaja. Llegai a más personas, pero hay muchas más personas mostrando lo suyo también. Nosotros nos hemos manejado por puro Internet, partimos con Myspace, harto Facebook y ese es nuestro medio de difusión.

Seba: Claro, pero también llevamos cuatro discos y los cuatros los hemos entregado a la radio. Es una obligación para un músico, mostrarle la música a la radio y el que agarra, agarra.

Hoy que los grandes sellos multinacionales van en retirada y las bandas se promocionan por otros medios, ¿Cuál es el rol que le asignan a los sellos?
Felipe: Potoco es nuestro sello acá. Siempre es bueno estar en un sello, aunque sea chico, porque sumai fuerzas a tu proyecto. Más que lo que aportan con lucas, es estar inmerso en un lugar donde hay otras bandas. Es como una familia.

¿Cómo ven el panorama de la música chilena?¿ Habrá otra gran banda ahora que no hay grandes sellos?
Felipe: Estamos muy encima como pa darnos cuenta qué esta pasando en la música, pero es un cambio fuerte. Como en la época en que no existía la música grabada y luego empezaron a salir los vinilos, miles de músicos se quedaron sin pega, porque de pronto apareció una maquinita que hacía lo que ellos hacían. Es como la película El Artista, hay que adaptarse y es difícil que haya una mega banda, porque mirando pa afuera tampoco hay una mega banda que sea de esta era y sea no sé, U2 o Metallica.

En este panorama, ¿dónde se sitúan ustedes?
Felipe: Nos situamos en la nueva generación de músicos chilenos. Yo me sitúo al lado de Gepe y al lado de Astro y de todos ellos porque somos de una misma generación, hacemos distintos tipos de música pero yo creo que ya no va tanto por el estilo, sino por la forma de trabajar. Todos somos independientes, nos conocemos. Esa es nuestra ubicación. Somos las bandas nuevas.

The Clinic, 27 de noviembre de 2012

Quintet formed in 2006 in Santiago, Chile. A trio of piano, bass and drums, joined by the voice of an MC and the spatial effects of a DJ. One single platform gathers elements from jazz, classical music, hip-hop, rock and electronic, thus creating a deeply original mixture, cohesive and layered in energy, emotion and atmosphere.

Koala Contreras, vocals

DJ Spacio, turntable and effects

Marcos Meza, piano

Sebastián Muñoz, Bass

Felipe Salas, drums

Cómo Asesinar a Felipes  (How to kill Felipes, 2008 – Potoco Discos)

Un disparo al centro  (A shot in the center, 2009 – Potoco Discos)

Colores y cadáveres (Colors and Corpses, 2010 – Potoco Discos)

Comenzará de nuevo (I’ll start over, 2012 – Potoco Discos)

Operación Teatro Oriente DVD (Operation Teatro Oriente, 2010 – Potoco Discos)

Collaborations/featurings:

Rumos (2009 – Foreign release)

Catedral en coma. Vol. 4 (Cathedral in a coma, 2009 – Independiente label)

Música x memoria (Music X Memory, 2011 – Fondart)

Al final… desde la quebrada del ají (2012 – Independiente label)

EP: el compilado (2012 – Independient label)

En junio de 2011 estalló el fraude financiero más grande en la historia de Chile: La estafa de la multitienda La Polar, afectando a cerca de un millón de clientes, debido a las repactaciones de sus deudas que la tienda hizo unilateralmente.

La compañía Viajeinmóvil toma como punto de partida el registro de audio de la última reunión del directorio de la empresa, para crear un espectáculo de 5 marionetas y 5 actores en escena. Los muñecos representan a los altos ejecutivos, mientras que los actores – manipuladores, a los trabajadores de la empresa: la secretaria, el asistente, la señora del aseo, etc. En una mezcla de ficción y realidad, serán ellos los encargados de llevar a cabo el juicio popular sobre este grupo.

Jaime Lorca es director y actor de la Escuela de Teatro UC. Una vez egresado, funda la Compañía La Troppa junto a Juan Carlos Zagal y Laura Pizarro con quienes actúa, co-escribe y co-dirige diferentes obras.

En 2005, luego de la disolución de La Troppa, Lorca funda la compañía Viajeinmóvil, en donde continúa la profundización en el teatro de marionetas y objetos. Es así como tiene a su haber, siete espectáculos teatrales (Gulliver, Chef, La Polar, Otelo, etc.), la dirección del Festival Internacional de Teatro y Marionetas La Rebelión de los Muñecos, y la Dirección Artística y Producción del Anfiteatro del Museo Nacional de Bellas Artes.

Viajeinmóvil es un colectivo multidisciplinario dedicado al estudio y creación del teatro ligado a la materia, cuyo objetivo es instalar la materia al centro de la escena. Es un teatro que se crea tanto en el escenario como en el taller y que se nutre de ambos.

Fundada en 2005, Viajeinmóvil ha creado siete espectáculos teatrales con un denominador común: la utilización de marionetas, la animación de objetos y la presencia de escenografías móviles. La búsqueda artística de la compañía se centra en la relación del actor con las marionetas y los objetos, y en las infinitas posibilidades escénicas que esta combinación ofrece.

Autor Luis Barrales, Jaime Lorca
Director Jaime Lorca
Elenco Alfredo Allende, Carlos Becker, Leonor Marchant, Catalina Peña, Ilan Spollansky
Iluminación Tito Velásquez
Sonido Gonzalo Aylwin
Escenografía Carlos Rivera
Marionetas Carlos Rivera
Producción Viajeinmóvil

www.viajeinmovil.cl 

Taller Iniciación al lenguaje de la materialidad de la compañía Viaje-inmóvil

In June 2011, Chile was rocked by the biggest financial fraud in the country’s history: the scheme dreamed up by department store chain La Polar affected around a million of its clients, when the company unilaterally restructured their debts.

Viajeinmóvil’s theatrical take on the events starts from an audio recording of the last meeting of the company’s board, creating a show with 5 puppets and 5 actors on stage. The puppets take the roles of the top executives, while the actors-puppeteers play the company’s workers: the secretary, the assistant, the cleaning lady, etc. In a blend of fiction and reality, they are tasked with conducting a people’s trial of the group.

Jaime Lorca is a director and actor trained at the UC School of Theatre. On graduating, he founded La Troppa together with Juan Carlos Zagal and Laura Pizarro; the team work together writing, directing, and acting in a range of works.

When La Troppa dissolved in 2005, Lorca founded the Viajeinmóvil company, with which he continues his experimentation with object and puppet theatre. In this new setting he has brought life to seven theatre works (Gulliver, Chef, La Polar, Otelo, etc.), directed the La Rebelión de los Muñecos international theatre and puppet festival, and worked as artistic director and producer in the Amphitheatre of the National Museum of Fine Arts (Bellas Artes).

Viajeinmóvil is a multidisciplinary collective dedicated to studying and creating subject-linked theatre, aiming to place the subject at center stage. This is a form of theatre that is created both onstage and in the workshop, and draws nourishment from both.

Since its founding in 2005, Viajeinmóvil has staged seven theatre shows linked by a shared thread: the use of puppets, animating objects, and mobile set elements. The company’s artistic endeavor centres on the relationship between the actor and the puppets and objects, and the infinite onstage possibilities offered by this dynamic.

Written by Luis Barrales, Jaime Lorca
Directed by Jaime Lorca
Cast Alfredo Allende, Carlos Becker, Leonor Marchant, Catalina Peña, Ilan Spollansky
Lighting by Tito Velásquez
Sound by Gonzalo Aylwin
Set design by Carlos Rivera
Puppets by Carlos Rivera
A Viajeinmóvil production

www.viajeinmovil.cl 

Taller Iniciación al lenguaje de la materialidad de la compañía Viaje-inmóvil 

Cinco hermanas que han fallecido continúan en la antigua casona cercana a Talagante que habitaban en vida. Sus espíritus vagan y circulan alrededor de este lugar sin poder dejar la Tierra, ya que estarán retenidas por la fuerza de un deseo que no han podido realizar. Hasta este lugar llega un joven que es portador de una buena nueva y que se enamora de una de las ánimas, lo que significa que sólo un milagro podrá hacer  posible y realidad ese amor.

Nelson Brodt, actor, director y dramaturgo, ha dirigido numerosas obras, entre las cuales figuran Hechos consumados (1981),  la Mejor Obra del año según el Círculo de Críticos de Arte; La Cándida Eréndida (1983) y Pide tres deseos.

Alejandro Sieveking (1934), actor, director y dramaturgo, es autor de obras clásicas del teatro chileno (Parecido a la felicidad, La remolienda). Entre otros premios ha obtenido el Premio Municipal de Teatro (1959) y Casa de las Américas (1974).

El 22 de junio de 1941 nace a la vida artística el Teatro Experimental de la Universidad de Chile. Su formador fue Pedro de la Barra y el grupo constituyó la Generación del ‘41, no teniendo experiencia alguna salvo sus actuaciones como aficionados estudiantiles, complementando sus estudios con la actividad teatral.

En 1954, el Teatro Experimental vuelve a consolidar otro ideal: tener la sala propia, ya que sus anteriores representaciones fueron llevadas a escena en los Teatros Imperio, Santa Lucía y Municipal. En 1959, se transforma en Instituto de Teatro de la Universidad de Chile (ITUCH); en 1969 se constituye como Departamento de Teatro de la Universidad de Chile (DETUCH); desde 1974 se le conoce con el nombre de Compañía Teatro Nacional, y en 1975 se le denomina Teatro Nacional Chileno (T.N.Ch.), nombre que conserva hasta el día de hoy.

Autor Alejandro Sieveking
Dirección Nelson Brodt
Elenco Mónica Carrasco, Carmen Disa Gutiérrez, Oscar Zimmermann, Yani Núñez, Jacqueline Boudón, Paloma Toral, Felipe Troncoso, Alejandro Contreras, Sergio Gilabert
Composición musical Jorge Martínez
Escenografía e  Iluminación Guillermo Ganga
Vestuario Sergio Zapata
Asistente de Vestuario Katy Ramos 

Encuentro de trasnoche Antonio Varas, viernes 10 de enero, 20:30-21:15

Five dead sisters continue to inhabit the old house in Talagante where they spent their lives. Their spirits wander the halls without being able to leave the Earth, held back by the strength of a desire they have not managed to fulfill. A young man arrives there bearing good news and falls in love with one of the ghosts, meaning that only a miracle can make their love a reality.

Actor, director, and playwright Nelson Brodt has directed a number of works, including Hechos consumados (1981), which the Art Critics’ Circle named the year’s best work; La Cándida Eréndida (1983); and Pide tres deseos.

Actor, director, and playwright Alejandro Sieveking (1934) has written works that have taken their place as classic of Chilean theatre (Parecido a la felicidad, La remolienda). He has won awards including the Municipal Theatre Prize (1959) and the Casa de las Américas Award (1974).

The Universidad de Chile Experimental Theatre group first drew breath on June 22, 1941. It was created by Pedro de la Barra and formed the Generation of ‘41, a group with no experience beyond their student amateur theatre productions, bring works to the stage alongside their studies.

It was in 1954 that Experimental Theatre consolidated a new idea: having their own playhouse, rather than continuing to produce shows at the Municipal, Santa Lucía, and Imperio theatres. In 1959, the group became the Universidad de Chile Theatre Institute (ITUCH); in 1969 they changed their name to the Universidad de Chile Theatre Department (DETUCH); in 1974 they became known as the National Theatre Company, and since 1975 they have been the Chilean National Theatre (T.N.Ch.).

Author Alejandro Sieveking
Directed by Nelson Brodt
Cast Mónica Carrasco, Carmen Disa Gutiérrez, Oscar Zimmermann, Yani Núñez, Jacqueline Boudón, Paloma Toral, Felipe Troncoso, Alejandro Contreras, Sergio Gilabert
Music composed by Jorge Martínez
Set design and lighting by Guillermo Ganga
Wardrobe by Sergio Zapata
Wardrobe assistant Katy Ramos 

Late night meeting Antonio Varas, january 10th, 20:30-21:15

Es la historia mágica y poética de un hombre que tiene la posibilidad de viajar a través del tiempo. Ante esta oportunidad, nuestro personaje emprenderá una aventura en la búsqueda de la verdad acerca del mundo que lo rodea y de su propio origen. Esta búsqueda lo lleva a encontrarse cara a cara con la vida y la muerte, a descubrir el amor, pero también a enfrentarse a una sociedad que lo agobia y lo persigue, transformando su búsqueda, en una solitaria travesía, en la que se encontrara consigo mismo y poder así, continuar este increíble y emocionante viaje tras su propio destino y las respuestas del por qué llego hasta ahí.

Mario Soto es egresado de la Escuela de Teatro de la U. Católica, promoción 1996. Participa de en compañía de Teatro Chilean Business, destacando las obras Tengo Miedo Torero y De Perlas y Cicatrices, ambas de Pedro Lemebel. Dirige además el montaje los Tres Mosqueteros, obra galardonada en Chile y el extranjero.

Integra la compañía Gran Reyneta al alero de la compañía fancesa Royal De Luxe con la obra Roman Photo, girando por américa latina y Europa. Participa en la Muestra Nacional de Dramaturgia el 2010. Director de la compañía callejera Cabeza de Zebra y participa del colectivo Proyecto Antártica, dirigido por Rodrigo Bazaes.

La creación de este montaje, responde a las técnicas de creación colectiva. Siendo el autor de la obra el colectivo en su integridad. La idea original se gesta bajo la autoría de Luis Catalán y Pablo Sepúlveda, ambos actores y técnicos de la compañía.

La compañía de teatro de calle Gran Reyneta, nace en 2004 bajo el alero de la compañía francesa Royal de Luxe, de la mano de su director jean Luc Courcoult, para remontar con actores chilenos su opera prima, Roman Photo. Luego se crea el segundo espectáculo, Las pesadillas de Tony Travolta, musical callejero que se estrena en Francia y que recorre todo el viejo continente regresando a Chile al Festival Internacional Santiago a Mil 2008, en la plaza de la Constitución frente al palacio de gobierno.

La Gran Reyneta bordea las 400 presentaciones entre Europa y América Latina transformándose en una compañía en movimiento. La Gran Reyneta se transforma entonces en una de las compañías de teatro de calles más importante de Chile, convirtiéndose en reales embajadores culturales de nuestro país. La conforman actualmente 9 artistas de distintas disciplinas, como técnicos, actores, músicos, constructores y acróbatas. La Gran Reyneta crea espectáculos de calle de alto impacto social y convocatoria gratuita, llevando el teatro a la gente y no la gente al teatro. Recupera lugares públicos como espacios culturales a través de su intervención.

Puesta en escena Mario Soto
Elenco Francisca Gazitúa, Claudio Vega, Rodrigo Ortega, Pablo Sepúlveda, Luis Catalán, Gonzalo Mella, Noela Salas
Sonorización Jorge Castro
Efectos Especiales Gran Reyneta
Vestuario Gran Reyneta, Carola Sandoval
Construcción escenográfica Harold Guidolin, Francisco Olguin, Diego Ahumada, Gran Reyneta
Producción Gran Reyneta
Idea Original Pablo Sepúlveda, Luis Catalán 

This is the poetic and magical story of a man who is able to travel through time. Faced with this opportunity, the character sets out on a quest for the truth about the world that surrounds him and his own origin. This search sees him meeting face to face with the life and death, discovering love, but also facing a society that overwhelms and pursues him, turning his search into a solitary journey where he will find himself and so be able to continue on this incredible and exciting adventure through his own destiny and the answers to the questions of why he arrived as such a point.

Mario Soto graduated from the U. Católica School of Theatre in 1996.

He joined the Chilean Business theatre company, which is best known for the works Tengo Miedo Torero and De Perlas y Cicatrices, both by Pedro Lemebel. He also directed a production of The Three Musketeers that won awards both in Chile and abroad.

He is part of the Gran Reyneta company, working in close cooperation with the French Royal De Luxe group to create the work Roman Photo, touring Latin America and Europe. He took part in the 2010 National Drama Selection. He is the director of the street theatre group Cabeza de Zebra and a member of the Proyecto Antártica collective, directed by Rodrigo Bazaes.

This is a work of collective creativity. The entire group is the author of the piece. The original idea was given form by Luis Catalán and Pablo Sepúlveda, who are both actors and backstage workers in the company.

The Gran Reyneta street theatre group was born in 2004 under the auspices of the French Royal de Luxe group, with the work of its director Jean Luc Courcoult to place Chilean actors at the heart of their first work, Roman Photo. Their second production followed soon after – Las pesadillas de Tony Travolta, a street musical that premiered in France and which toured Europe before returning to Chile for the 2008 Santiago a Mil Festival, where it was performed at the Plaza de la Constitución opposite the Presidential Residence.

La Gran Reyneta has put on close to 400 shows across Europe and Latin America, becoming a company in movement. La Gran Reyneta has taken a place as one of Chile’s leading street theatre groups, with its members acting as cultural ambassadors for the country. It currently comprises 9 artists with different skills – technical, acting, music, design, and acrobatics. La Gran Reyneta creates high social impact street works that are free to the public, bring the theatre to people rather than the theatre to the people. It rescues public spaces as sites for culture with its spectacles.

Staged by Mario Soto
Cast Francisca Gazitúa, Claudio Vega, Rodrigo Ortega, Pablo Sepúlveda, Luis Catalán and Noela Salas
Sound by Jorge Castro
Special effects by Gran Reyneta
Set construction by Harold Guidolin, Francisco Olguin, Diego Ahumada and Gran Reyneta
A Gran Reyneta Production
Based on an idea by Pablo Sepúlveda and Luis Catalán 

La obra está basada en la primera parte de Los viajes de Gulliver de Jonathan Swift y muestra a Lemuel Gulliver como un solitario tramoya que cae accidentalmente por el agujero de una maquinaria instalada en el escenario. El hombre despierta colgando, atado de brazos y piernas por los minúsculos soldados de la guardia imperial de Liliput. La relación con esta sociedad y sus diminutos seres, especialmente la emperatriz y un niño huérfano que lo acompaña durante todo el trayecto, despiertan sentimientos completamente nuevos y confusos para el protagonista, quien pudiendo de un manotazo barrer con la pequeña civilización, prefiere acatar órdenes a cambio de abundante comida.

La sorprendente maquinaria permite juegos visuales en cuatro niveles y alberga a una docena de marionetas de menos de 50 cm. que abren, junto al protagonista de carne y hueso, un fascinante juego de proporciones.

Jaime Lorca es director y actor de la Escuela de Teatro UC. Una vez egresado, funda la Compañía La Troppa junto a Juan Carlos Zagal y Laura Pizarro con quienes actúa, co-escribe y co-dirige diferentes obras.

En 2005, luego de la disolución de La Troppa, Lorca funda la compañía Viajeinmóvil, en donde continúa la profundización en el teatro de marionetas y objetos. Es así como tiene a su haber, siete espectáculos teatrales (Gulliver, Chef, La Polar, Otelo, etc.), la dirección del Festival Internacional de Teatro y Marionetas La Rebelión de los Muñecos, y la Dirección Artística y Producción del Anfiteatro del Museo Nacional de Bellas Artes.

Jonathan Swift es uno de los autores satíricos más críticos de principio del siglo XVIII. Enjuiciador de la sociedad, el autor describe a través de los viajes que Gulliver emprende en su barco a lugares fantásticos, la inagotable ambición de poder de los gobernantes, el despotismo de los monarcas, la ignorancia en que los sabios tienen sumido al pueblo, en fin; el absurdo de la civilización y la estupidez del ser. Su desencanto con la humanidad lo llevó a aislarse y a terminar escribiendo sobre cosas escatológicas. Poco después de Los viajes de Gulliver escribió un famoso ensayo sobre cómo evitar que los niños pobres fueran una carga para la sociedad, la solución: matarlos y venderlos como carne de primera calidad. Este escrito fue el punto de partida para otra creación de la compañia, Chef.

Swift murió en 1745 a los 78 años. Destinó parte de su fortuna a los pobres y para que se construyera un manicomio.

Viajeinmóvil es un colectivo multidisciplinario dedicado al estudio y creación del teatro ligado a la materia, cuyo objetivo es instalar la materia al centro de la escena. Es un teatro que se crea tanto en el escenario como en el taller y que se nutre de ambos.

Fundada en 2005, Viajeinmóvil ha creado siete espectáculos teatrales con un denominador común: la utilización de marionetas, la animación de objetos y la presencia de escenografías móviles. La búsqueda artística de la compañía se centra en la relación del actor con las marionetas y los objetos, y en las infinitas posibilidades escénicas que esta combinación ofrece.

Guión y dirección general Jaime Lorca
Texto Pablo Jerez, Jaime Lorca
Escenografía David Coydán, Carlos Rivera
Asistente de dirección Teresita Iacobelli
Elenco Matías Jordán, Teresita Iacobelli
Marionetistas Alfredo Allende, Leonor Marchant
Iluminación y dirección técnica Tito Velásquez
Sonidista arina Fernández W.
Marionetas Zapallo de Troya (Rivera, Coydán, Gómez, Fernández), Matías González
Musicalización Daniel Tijero
Vestuario Maya Mora, Juana Cid
Asistente de escenografía Enrique Gómez
Asistente de iluminación Juan Barahona
Asistente de actuación Marcelo Valdivieso
Realización escenografía Manuel Paredes, Matías González
Realización máscara Alejandra Rubio

Taller Iniciación al lenguaje de la materialidad de la compañía Viaje-inmóvil 

Featuring Teresita Iacobelli and Jaime Lorca, Gulliver will pass through the variety of pavilions that appear under his nose, ignorant that his is a captive, advancing and retreating, rising and falling dragging his chains in search of the doorway that will lead him back to his own beloved world.

The production aims to recast Gulliver’s travels through the passageways of his sickly soul as a true mirror of life – a stripped down and compassionate tale of our society, just as Swift’s text was in his time.

Since its premiere in n 2005, Gulliver has been enjoyed by over 80,000 people in Chile, France, Belgium, Brazil, and Portugal. It took the award for best work in 2006 from the Valparaíso Critics’ Circle, and the people’s choice prize at the Almada Festival in Portugal the following year.

Jaime Lorca is a director and actor trained at the UC School of Theatre. On graduating, he founded La Troppa together with Juan Carlos Zagal and Laura Pizarro; the team work together writing, directing, and acting in a range of works.

When La Troppa dissolved in 2005, Lorca founded the Viajeinmóvil company, with which he continues his experimentation with object and puppet theatre. In this new setting he has brought life to seven theatre works (Gulliver, Chef, La Polar, Otelo, etc.), directed the La Rebelión de los Muñecos international theatre and puppet festival, and worked as artistic director and producer in the Amphitheatre of the National Museum of Fine Arts (Bellas Artes).

Viajeinmóvil is a multidisciplinary collective dedicated to studying and creating subject-linked theatre, aiming to place the subject at center stage. This is a form of theatre that is created both onstage and in the workshop, and draws nourishment from both.

Since its founding in 2005, Viajeinmóvil has staged seven theatre shows linked by a shared thread: the use of puppets, animating objects, and mobile set elements. The company’s artistic endeavor centres on the relationship between the actor and the puppets and objects, and the infinite onstage possibilities offered by this dynamic.

Written and directed by Jaime Lorca
Text by Pablo Jerez, Jaime Lorca
Set design by David Coydán, Carlos Rivera
Assistant director Teresita Iacobelli
Cast Matías Jordán, Teresita Iacobelli
Puppeteers Alfredo Allende, Leonor Marchant
Lighting and technical directing Tito Velásquez
Sound by Arina Fernández W.
Puppets by Zapallo de Troya (Rivera, Coydán, Gómez, Fernández), Matías González
Music setting by Daniel Tijero
Wardrobe by Maya Mora, Juana Cid
Assistant designer Enrique Gómez
Lighting assistant Juan Barahona
Acting assistant Marcelo Valdivieso
Set production by Manuel Paredes, Matías González
Mask by Alejandra Rubio 

Taller Iniciación al lenguaje de la materialidad de la compañía Viaje-inmóvil 

En pleno centro de la ciudad, la tripulación de la Compañía de Transportes Acústicos invita a sus pasajeros a embarcarse en un viaje imaginario hacia la naturaleza y la memoria a través de un dispositivo sonoro 5.1 móvil.

La tripulación es la encargada de crear las imágenes sonoras, y de guiar a los audio-espectadores a través de este viaje que invita a una nueva percepción de nuestro ambiente sonoro, reinventando poéticamente la relación con los sonidos, la memoria y el espacio público.

Proyecto ganador de los Fondos de Cultura del CNCA 2013, co-producido por FITAM. 

Martín Erazo es un destacado director de teatro, realizador audiovisual, guionista y músico. Fundador y director artístico de la compañía La Patogallina, con la que ha participado en festivales de países como: Francia, España, Suiza, Holanda, Brasil, Ecuador, Argentina, Colombia, Rep.  Dominicana e India.

Cristóbal Carvajal  es un connotado músico  y productor musical, destacando su participación en la banda francesa Holden y en diversos proyectos audiovisuales (Mi último round, El año del tigre, El Reemplazante) y teatrales (Teatro de Chile, La Mala Clase). 

Teatro del Sonido es fundado el año 2012 en Santiago de Chile por Martín Erazo y Cristóbal Carvajal.

La compañía es creada con el objetivo de abrir un espacio de investigación y experimentación en la relación entre el sonido y la imagen, y la búsqueda de nuevos parámetros para el teatro sensorial y la intervención urbana, con la utilización del sonido como protagonista.

TDS trabaja actualmente en el desarrollo de diversos proyectos: la creación de espectáculos de calle y sala, rescate de la memoria sonora de barrios y ciudades, el diseño y construcción de dispositivos móviles 5.1 y el proyecto musical TDS. 

Dirección Martín Erazo, Cristóbal Carvajal
Elenco Álvaro Morales, Camila Rojas, Sergio Gilabert, Elizabeth Dastres, Juan Pablo Corvalán, Leonardo Falcón
Banda Sonora Cristóbal Carvajal, Ricardo Santander
Jefe Técnico Sergio González
Diseño escenográfico Eduardo Jiménez
Diseño de vestuario Antonio Sepúlveda
Diseño Gráfico Rodrigo Dueñas 

El viaje is a street piece in the genre known as sensorial theatre. The work features 5 sound systems carried on the shoulders of four actors, and a cart that serves as a base of operations; the formation is designed to conduct interventions and modify public spaces, transporting the audience of listeners through a maze of emotions triggered by a moving soundtrack. These interventions offer a new perspective on our auditory environment, poetically reinventing the relationship with sounds, music, memory, and public space.

The sound comes from two sources: prerecorded and mixed tracks, which function as a soundscape, mixed with sounds made live by the cast and audience. This mix is what creates the full soundtrack. In this first work of its kind, the concept of the audience-listeners is taken on an imaginary journey back to nature, only this time it is nature invading the city with a 5.1 sound system, which through the course of the performance reinvents different urban spaces (a cave, a woodland, a river, etc.)

Martin Erazo is a renowned theatre director, audiovisual artist, scriptwriter, and musician. Founder and director of La Patogallina, a group with which he has worked at festivals in a number of countries such as: France, Spain, Switzerland, the Netherlands, Brazil, Ecuador, Argentina, Colombia, the Dominican  Republic and India

Cristóbal Carvajal  is a leading musician (Holden) and music producer, perhaps best-known for his work on audiovisual projects such as the films las anfalfabetas, mi último round, and El año del tigre and the series El reemplazante on TVN.

Founded in 2012 by Martin Erazo (Director of La Patogallina) and Cristóbal Carvajal (musician and music producer) with the idea of opening up a space to explore street intervention and the use of sound as the main force behind a path to a sensory theatre experience.

Performed by Camila Rojas, Camila Gonzalez, Alvaro Morales, Juan Pablo Corvalán, Sergio Gilabert
Directed by Martin Erazo P.
Soundtrack director Cristobal Carvajal R.
Sound technician Sergio Gonzales
Set design and props Eduardo Jiménez
Wardrobe by Antonio Sepúlveda
Graphics by Rodrigo Dueñas
Produced by Rosa Angelini

Espectáculo basado en el ensayo satírico de Johnathan Swift Una Modesta Proposición. La obra rescata la indignación moral presente en el texto original, hacia medidas o posiciones políticas que perpetuán la actitud que racionaliza y justifica los problemas de miseria, usando como pretexto la historia de un chef en bancarrota que decide participar en un concurso televisivo cuyo ganador lo define el voto de los espectadores. A modo de reality show el dispositivo escénico despliega cámaras que registran las acciones del chef y su asistente. En escena, todo el concurso tiene como background una revuelta social y lo que inicialmente se encamina hacia la comicidad, produce un vuelco inesperado.

Jaime Lorca es director y actor de la Escuela de Teatro UC. Una vez egresado funda la Compañía La Troppa junto a Juan Carlos Zagal y Laura Pizarro con quienes actúa, co-escribe y co-dirige diferentes obras.

En 2005, luego de la disolución de La Troppa, Lorca funda la compañía Viajeinmóvil, en donde continúa la profundización en el teatro de marionetas y objetos. Es así como tiene a su haber, siete espectáculos teatrales (Gulliver, Chef, La Polar, Otelo, etc.), la dirección del Festival Internacional de Teatro y Marionetas La Rebelión de los Muñecos, y la Dirección Artística y Producción del Anfiteatro del Museo Nacional de Bellas Artes.

Viajeinmóvil es un colectivo multidisciplinario dedicado al estudio y creación del teatro ligado a la materia, cuyo objetivo es instalar la materia al centro de la escena. Es un teatro que se crea tanto en el escenario como en el taller y que se nutre de ambos.

Fundada en 2005, Viajeinmóvil ha creado siete espectáculos teatrales con un denominador común: la utilización de marionetas, la animación de objetos y la presencia de escenografías móviles. La búsqueda artística de la compañía se centra en la relación del actor con las marionetas y los objetos, y en las infinitas posibilidades escénicas que esta combinación ofrece.

Autor Jaime Lorca, con la colaboración de Guillermo Calderón
Dirección Jaime Lorca
Actores Daniela Montt, Jaime Lorca
Iluminación Tito Velásquez
Diseño de Sonido Antonio Palacios
Sonidista Gonzalo Aylwin
Música original Juan Salinas
Escenografía Carlos Rivera, Rodrigo Ruíz, Manuel Paredes
Vestuario Loreto Monsalve
Producción Viajeinmóvil
Dirección de actores Christian Ortega
Con el patrocionio de Scène Nationale de Sète et du Bassin de Thau y el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes. FONDART 2010

www.viajeinmovil.cl 

Taller Iniciación al lenguaje de la materialidad de la compañía Viaje-inmóvil 

A show based on Jonathan Swift’s satirical essay A Modest Proposal The work preserves the original’s moral indignation, recasting it against political measures or positions that perpetuate an attitude of rationalizing or justifying the problems of misery, through the tale of a bankrupt chef who  to takes part in a TV contest decided by a viewer vote. The staging uses the conceit of reality show cameras recording the actions of the chef and his assistant. Onstage, the contest is set against a backdrop of social unrest that starts off on a track towards comedy, before taking an unexpected turn.

Jaime Lorca is a director and actor trained at the UC School of Theatre. On graduating, he founded La Troppa together with Juan Carlos Zagal and Laura Pizarro; the team work together writing, directing, and acting in a range of works.

When La Troppa dissolved in 2005, Lorca founded the Viajeinmóvil company, with which he continues his experimentation with object and puppet theatre. In this new setting he has brought life to seven theatre works (Gulliver, Chef, La Polar, Otelo, etc.), directed the La Rebelión de los Muñecos international theatre and puppet festival, and worked as artistic director and producer in the Amphitheatre of the National Museum of Fine Arts (Bellas Artes).

Jaime Lorca is a director and actor trained at the UC School of Theatre. On graduating, he founded La Troppa together with Juan Carlos Zagal and Laura Pizarro; the team work together writing, directing, and acting in a range of works.

When La Troppa dissolved in 2005, Lorca founded the Viajeinmóvil company, with which he continues his experimentation with object and puppet theatre. In this new setting he has brought life to seven theatre works (Gulliver, Chef, La Polar, Otelo, etc.), directed the La Rebelión de los Muñecos international theatre and puppet festival, and worked as artistic director and producer in the Amphitheatre of the National Museum of Fine Arts (Bellas Artes).

Viajeinmóvil is a multidisciplinary collective dedicated to studying and creating subject-linked theatre, aiming to place the subject at centre stage. This is a form of theatre that is created both onstage and in the workshop, and draws nourishment from both.

Since its founding in 2005, Viajeinmóvil has staged seven theatre shows linked by a shared thread: the use of puppets, animating objects, and mobile set elements. The company’s artistic endeavor centres on the relationship between the actor and the puppets and objects, and the infinite onstage possibilities offered by this dynamic.

Written by Jaime Lorca, with collaboration from Guillermo Calderón
Directed by Jaime Lorca
Performed by Daniela Montt, Jaime Lorca
Lighting by Tito Velásquez
Sound design by Antonio Palacios
Sound by Gonzalo Aylwin
Original music by Juan Salinas
Set design by Carlos Rivera, Rodrigo Ruíz, Manuel Paredes
Wardrobe by Loreto Monsalve
A Viajeinmóvil production
Actors directed by Christian Ortega
Supported by Scène Nationale de Sète et du Bassin de Thau and the Chilean National Council for Culture and the Arts. FONDART 2010

www.viajeinmovil.cl 

Taller Iniciación al lenguaje de la materialidad de la compañía Viaje-inmóvil 

Gemelos es la historia de dos niños que hacen, sienten y piensan absolutamente lo mismo. Al estallar la guerra son llevados por su madre donde la abuela, mujer hostil que vive en las afueras de un pueblo y a la que llaman la bruja. Los gemelos se verán obligados a realizar un proceso de aprendizaje de sobrevivencia que les permitirá hacer frente al dolor, al hambre, la humillación, el abandono, el orgullo, el abuso, la corrupción, la muerte, y finalmente, a su propia separación.

Antes de Teatrocinema, Laura Pizarro, Juan Carlos Zagal y Jaime Lorca fueron los fundadores de la Compañía La Troppa. Buscaron desde el comienzo un lenguaje teatral propio, y lo encontraron. Fue con esa mirada que construyeron momentos teatrales de excelencia, piezas únicas como lo fueron El Santo Patrono, Rap del Quijote, Lobo, Salmón Vudú, Viaje al Centro de la Tierra, Pinocchio, Jesús Betz y Gemelos, montadas con enorme éxito y reconocidas por cientos de miles de espectadores de América, Europa y Asia. En el 2005 la compañía La Troppa se disuelve y Laura y Zagal  fundaron Teatrocinema, un colectivo amplio de artistas y creadores de varias disciplinas unidos, desde el lenguaje teatral y el cinematográfico, la búsqueda de la belleza y la poesía, de la narración, de la imagen y la musicalidad.

Basado en la novela “El Gran Cuaderno” de Agota Kristof
Adaptación Juan Carlos Zagal, Laura Pizarro, Jaime Lorca
Dirección Juan Carlos Zagal, Laura Pizarro, Jaime Lorca
Intérpretes Laura Pizarro, Juan Carlos Zagal, José Manuel Aguirre
Música Juan Carlos Zagal

Gemelos is the story of two children who do, feel, and think exactly the same. When war breaks out, their mother takes them to live with their grandmother, a hostile woman who lives on the edge of a town and who is known as the “witch”. The twins are forced to undertake a process of learning to survive, allowing them to face pain, hunger, humiliation, abandonment, pride, abuse, corruption, death, and finally their own separation.

Juan Carlos Zagal is a renowned director and actor. He trained at the Universidad Católica School of Theatre, and from 1987 to 2005 he was a vital part of La Troppa, the celebrated company that renewed the stage elements of the past.

These refreshed resources include heightened visual support for onstage actions, brightly coloured set designs, the inclusion of elements of comedy, the superposition of different scenic languages, an attachment to the image over and above didactics, acrobatic physical actions, a range of independent musical pieces, and the overall playful nature of the style adopted, creating a new, creative, dynamic, and imaginative theatrical language.

These works have often been accompanied with music by Juan Carlos Zagal, composed specially for each work.

Teatrocinema went for 18 years under the name Compañía La Troppa. From the start, its members sought to create their own theatrical language – one that they certainly found. It was with this in mind that their productions went from strength to strength, with unique works such as El Santo Patrono, Rap del Quijote, Lobo, Salmón Vudú, Viaje al Centro de la Tierra, Pinocchio, Jesús Betz and Gemelos, all of which met with great success and which took to group to perform before hundreds of thousands of people in Asia, Europe, and the Americas.

The company was refounded in 2006 as Teatrocinema, a wide-ranging collective of artists and creative people brought together from a number of disciplines, from the theatrical language of cinema, through the search for beauty and poetry, narration, and the image, even to musicality.

Based on the novel “The Notebook” (Le grand cahier) by Agota Kristof
Adapted by Juan Carlos Zagal, Laura Pizarro
Directed by Juan Carlos Zagal, Laura Pizarro
Performed by Laura Pizarro, Juan Carlos Zagal, José Manuel Aguirre
Music by Juan Carlos Zagal  

En medio de una celebración familiar el día 6 de enero, cuando la familia de Ander está reunida esperando la llegada de los Reyes Magos, Ian, su hijo mayor, tiene una sorpresa que transformará la tranquilidad de esta fiesta navideña. Veintitrés años atrás, Gladys, hermana menor de Ander que padece un síndrome llamado Asperger, fue enviada a Estados Unidos sin razón alguna ni pasaje de regreso, teniendo que valérselas por sí misma a pesar de sus capacidades especiales. Ella se establece en san Diego, dedicándose a vender camisetas a las afueras del zoológico de la ciudad. Luego de enviarse algunas cartas, Gladys es ubicada y traída de regreso a Chile para desenterrar secretos que se esconden a raíz del exilio de su propio núcleo. La Noche de Reyes, Gladys, sin quererlo, viene a enfrentar una historia que se había decidido olvidar. Una familia aparentemente tranquila, sin problemas, sustentada en una mentira que 20 años atrás Gladys estuvo muy cerca de descubrir.

Las verdaderas razones de la partida de Gladys, ese secreto tan bien guardado y la vista gorda frente a la discapacidad, son algunos de los temas que esta familia tendrá que afrontar. Durante la noche se verán enfrentados quienes creen que se debe vivir manteniendo todo en silencio, y aquellos que necesitan saber quiénes son de verdad. Dos formas de vivir la vida: aquellos que necesitan enfrentar y vivir, y aquellos para los que el orden familiar depende de evadir aquello que hace doler. “Gladys busca volver al realismo, sin efectismos escénicos más que las palabras y las herramientas del actor, volver a la verdad de la vida real, darle al público una obra que entienda, con la que se emocione y se refleje”, ha dicho la directora y dramaturga de esta pieza, Elisa Zulueta.

Actriz titulada de la Universidad Católica de Chile el año 2005. Ha trabajado en cine (Tanto tiempo y Mamá), teatro (La Grabación) y televisión (Dama y Obrero; Socias). En 2009 hace su exitoso debut como dramaturga y directora con Pérez, texto que en 2011 adaptó a guión cinematográfico para un largometraje dirigido por Álvaro Viguera. En julio de 2011 estrenó su segunda obra, Gladys, ganadora de 4 Premios Altazor 2012, entre ellos, Mejor dramaturgia y Mejor Dirección para Elisa Zulueta; y Mejor Actriz (Catalina Saavedra) y Mejor Actor (Sergio Hernández).

Dramaturgia y dirección Elisa Zulueta
Asistente de dirección Rodrigo Santa María
Elenco Catalina Saavedra, Sergio Hernández, Coca Guazzini, Álvaro Viguera, Antonia Santa María y Elisa Zulueta
Diseño escenografía Andrea Ugarte
Diseño vestuario Isabel Budinich
Diseño iluminación Claudio Rojas
Músico compositor Rodrigo Santa María
Arreglos musicales Elvira López / Gabriel Donoso
Producción Antonia Santa María 

On January 6, in the midst of a celebration that brought Ander’s family together to await the arrival of the Three Wise Men, his eldest son Ian has a surprise that will alter the quiet of this Christmas party. Twenty years ago, Gladys, Ander’s younger sister suffering from Asperger syndrome, was sent to America for no reason and with no return ticket, thus having to fend for herself despite her special needs. She sets herself in San Diego and starts selling T-shirts outside the city zoo. After the exchange of some letters, Gladys is found and taken back to Chile, in order for her to unearth hidden secrets following the exile from her own circle. The Twelfth Night, Gladys unwittingly comes to face to a story that had been chosen to forget. A family with a seemingly quiet life was based on a lie Gladys was about to discover 20 years ago.

The real reasons for Gladys’ departure, the very well-kept secret and the blind eye turned to disability, are some of the issues that this family will have to cope with. One particular night will bring the confrontation between those who believe that one should live keeping everything silent, and those who need to know who they really are. Two ways of living life: those who need to face things and move on, and those for which family stability lies on eluding what might hurt you. «Gladys seeks going back to realism with no sensationalism but the actor’s words and tools, so as to return to the truth of real life and give the audience a play they can understand and relate to; a play through which they feel moved” says Elisa Zulueta, director and playwright of this work.

Elisa Zulueta Graduate Actress from Universidad Catolica de Chile in 2005. She has worked in film (Tanto Tiempo and Mama), theater (La Grabación) and television (Dama y Obrero; Socias). In 2009 she successfully made her debut as a playwright and director with Perez, a text she adapted in 2011 to a screenplay for a feature film directed by Alvaro Viguera. In July 2011 she released her second work, Gladys, winner of 4  Altazor 2012 Awards, including Best Drama and Best Director, Best Actress (Catalina Saavedra) and Best Actor (Sergio Hernandez).

Drama and Direction Elisa Zulueta
Assistant Director Rodrigo Santa María
Cast Catalina Saavedra, Sergio Hernández, Coca Guazzini, Álvaro Viguera, Antonia Santa María y Elisa Zulueta
Set Design Andrea Ugarte
Costume Desing Isabel Budinich
Lightning Design Claudio Rojas
Music Composer Rodrigo Santa María
Music Arrangements  Elvira López / Gabriel Donoso
Producer Antonia Santa María 

En medio de la revolución industrial, el sabio profesor Lidenbrock y su sobrino Axel, descifran un papiro escrito por el Alquimista Arne Saknussemm que indica cómo llegar al centro de la tierra. Los dos científicos iluminados no lo dudan y deciden realizar la alucinante travesía.

Una espectacular locomotora, un tesoro de ingenio, invade la escena.  Comienza así un verdadero viaje de iniciación pleno de proezas físicas, en donde los personajes multiplican las peripecias, manteniendo el suspenso escena tras escena y agudizando, gracias a extravagantes interpretaciones, el imaginario y el hambre de saber y descubrir.

La obra recrea la novela de Julio Verne y metaforiza el viaje interrogándose, hoy en día, sobre el futuro del hombre, su espiritualidad y su conducta ante lo desconocido.

Una obra lúdica, plena de humor e imaginación.

Antes de Teatrocinema, Laura Pizarro, Juan Carlos Zagal y Jaime Lorca fueron los fundadores de la Compañía La Troppa. Buscaron desde el comienzo un lenguaje teatral propio, y lo encontraron. Fue con esa mirada que construyeron momentos teatrales de excelencia, piezas únicas como lo fueron El Santo Patrono, Rap del Quijote, Lobo, Salmón Vudú, Viaje al Centro de la Tierra, Pinocchio, Jesús Betz y Gemelos, montadas con enorme éxito y reconocidas por cientos de miles de espectadores de América, Europa y Asia. En el 2005 la compañía La Troppa se disuelve y Laura y Zagal  fundaron Teatrocinema, un colectivo amplio de artistas y creadores de varias disciplinas unidos, desde el lenguaje teatral y el cinematográfico, la búsqueda de la belleza y la poesía, de la narración, de la imagen y la musicalidad. 

Basado en la novela  Viaje al Centro de la Tierra, de Julio Verne
Adaptación Juan Carlos Zagal, Laura Pizarro,  Jaime Lorca (ex La Troppa)
Dirección Juan Carlos Zagal, Laura Pizarro, Jaime Lorca (ex La Troppa)
Dirección versión 1995 Juan Carlos Zagal, Laura Pizarro, Jaime Lorca (ex La Troppa)
Dirección versión 2013 Jlaura Pizarro y Juan Carlos Zagal (Teatrocinema)
Intérpretes Esteban Cerda, Christian Aguilera
Música Juan Carlos Zagal
Duración 1hr 30min
Auspicio FONDART
Co-Producción Teatro Universidad Católica y Celcit
Media Partner Litoralpress
Technology Partner Valook

In the middle of the Industrial revolution, wise professor Lidenbrock and his nephew Axel decipher a papyrus written by Alchemist Arne Saknussemm indicating how to get to the core of the earth. Both illuminated scientist do not hesitate and decide to embark on the amazing voyage.

A spectacular locomotive train, a treasure of inventiveness, takes on the scene. This is the starting point of a true initiation journey plenty of physical challenges, in which the characters multiply the unforeseen changes, thus maintaining the suspense scene after scene and sharpening , by means of extravagant interpretations, the imaginary and the craving for knowledge and discovery.

The play recreates Jules Verne’s novel and metaphorizes the journey by questioning, nowadays, the future of man, his spirituality and behavior when facing the unknown.This is a ludic play, plenty of humour and imagination.

Juan Carlos Zagal is a prominent theater director and actor, trained at the Drama School of Universidad Catolica. Between 1987 and 2005 he was a crucial member of La Troppa, the memorablecompany which renovated old theatrical resources.

These elements include the important visual support of the dramatic action; the colorful scenography, the integration of elements of comics and the overlapping of different stage languages.  It can also be added the favoring of image over discourse, the aerobatic display of the actors and the independence of the various musical instances. Similarly,it is significant the playful nature of the proposal, thusconfiguring a new, creative, dynamic and imaginative theatrical language.

On several occasions these pieces counted with music composed by Juan Carlos Zagal, especially created for each work.

Before Teatrocinema, Laura Pizarro and Juan Carlos Zagal were two of the three founders of LaTroppa Company. From the beginning they sought their own theatrical language, and they found it. It was with that outlook that they built up theatrical moments of excellence; unique pieces such asEl Santo Patrono, El Rap del Quijote, Lobo, Salmon Vudu, Viaje al Centro de la Tierra, Pinocchio, Jesus Betz and Gemelos, staged with huge success and recognized by hundreds of thousands of viewers in America, Europe and Asia.

In 2005, the company was dissolved. Laura and Zagal founded Teatrocinema, an artist collective that gathers creators from various disciplines united, as from the language of theater and film, in the pursuit of beauty and poetry; of storytelling, image and musicality.

Based on the novel Journey to the Center of the Earth by Jules Verne
Adaptation Juan Carlos Zagal, Laura Pizarro,  Jaime Lorca (former La Troppa members)
Direction Juan Carlos Zagal, Laura Pizarro, Jaime Lorca (former La Troppa)
Direction 1995 staging Juan Carlos Zagal, Laura Pizarro, Jaime Lorca (former La Troppa)
Direction 2013 staging Laura Pizarro y Juan Carlos Zagal (Teatrocinema)
Performers Esteban Cerda, Christian Aguilera
Music Juan Carlos Zagal
Duration 1hr 30min
Sponsor FONDART
Co-Production Teatro Universidad Católica and Celcit
Media Partner Litoralpress
Technology Partner Valook 

El Primer Gesto construye un universo intrincado que se transforma constantemente, los cuerpos habitan, delimitan, tensionan, cortan y dibujan el espacio, lo mueven y se mueven en la geografía imaginaria resultante. El primer gesto tiene como punto de partida el deseo de movilidad ininterrumpida y electrizada de los cuerpos como manifestación física de los rincones y paisajes de la mente de la coreógrafa.

La pieza fue creada en residencia en el Parque Cultural de Valparaíso lugar donde realiza su estreno y primera temporada en octubre 2012, con funciones posteriores en los Teatros Municipales de Casablanca y Quillota, y una temporada en la Sala Agustín Siré del Departamento de Teatro de la Universidad de Chile en Santiago.

Carmen Beuchat, reconocida como una de las principales exponentes de la danza post modernista americana y una coreógrafa incombustible, es una gran representante del oficio dancístico, aclamada como bailarina, intensa como maestra y formadora de varias generaciones de bailarines y coreógrafos en Chile y en los Estados Unidos, principalmente en Nueva York donde residió largamente. Radicada en Valparaíso desde hace 8 años, centra su trabajo en estudios kinético-musculares de corte formalista, los que no dejan nunca de estar teñido por su interés temático de homenajear a la vida.

Formada en la Universidad de Chile, integra el Ballet Nacional Chileno bajo dirección de Ernst Uthoff. A fines de los años sesenta viaja a EEUU y se radica en Nueva York donde integra la compañía de Trisha Brown y forja su lenguaje post moderno; colaborando además con Kei Takei, Barbara Dilley, Steve Paxton, Simon Forty y Robert Raushemberg.

Recibe dos Nacional Endowment for the Art. El año 2012 recibe una medalla de excelencia del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes tras ser homenajeada en la celebración nacional del Día Internacional de la Danza.

En Chile ha formado a innumerables coreógrafos y bailarines. El año 2004 se radica en Valparaíso conformando su actual elenco, siendo sus últimos montajes Pliegues y

Despliegues (Fondart 2008), Especie Sola (Fondart 2010) y El Primer Gesto (Fondart 2012), las que han sido presentados en Valparaíso, Cartagena, Punta Arenas, Puerto Montt, Valdivia, Talca, Coyhaique, Calama, Casablanca, Quillota y Santiago.

La obra reúne a 4 intérpretes de danza, dos de ellas discípulas de la maestra, Carolina Escobillana, Daniela Villanueva sumando a la bailarina Mariella Valdebenito, que junto a Rocío Rivera, directora de la Compañía Mundo Moebio, suman en movimiento aportes y visiones.

La música es obra de un intenso trabajo de improvisaciones que lentamente se constituyen en la banda sonora creada e interpretada por Miguel Jáuregui, productor del sello independiente Epa Sonidos, junto al experimentado Lucax Santana, improvisador de vasta trayectoria en Chile y el extranjero.

Al equipo suma la labor de Iván Sánchez, director, diseñador y gestor de Artes Escénicas Contemporáneas de larga trayectoria, quién se encarga de construir el espacio lumínico de la pieza.

Coreografía Carmen Luz Beuchat
Intérpretes creadoras Carolina Escobillana Reinaud, Paula Moraga Lagarrigue, Rocío Rivera Marchevsky, Valeria Martis
Intérpretes Carolina Escobillana Reinaud, Daniela Villanueva, Rocío Rivera Marchevsky, Mariella Valdebenito Ruffo
Música original Lukax Santana, Miguel Jáuregui Arévalo
Diseño espacial y lumínico Iván Sánchez Ramírez 

El Primer Gesto builds an intricate universe that is constantly changing; the bodies inhabit, delimit, stress, cut and draw the space. They move it and move around the resulting imaginary geography. The first gesture has as starting point the desire for theelectrified and seamless mobility of bodies as a physical manifestation of the places and landscapes in the mind of the choreographer.

The piece was created in residence at Valparaiso Cultural Park, the same place where it was premieredwith a first season in October 2012, with subsequent performances in the Municipal Theatres of Casablanca and Quillota, along with a season in Room Augustine Siré from the Theatre Department of Universidad de Chile, in Santiago.

Carmen Beuchat , recognized as one of the leading exponents of American post-modernist dance and incombustible choreographer, is a great representative of the dance profession. Being acclaimed as a dancer, intense teacher and trainer of several generations of dancers and choreographers in Chile and the United States, mainly in New York where she lived for a long time. Based in Valparaiso for 8 years, she focuses her work on formalist kinetic-muscle studies, which never fail to be pervaded by her thematic interest in honoring life.

Taughtat the Universidad de Chile, Beuchat joined the Chilean National Ballet under the direction of Ernst Uthoff. In the late sixties, she travels to the U.S. and settled in New York where sheintegrates Trisha Brown’s company, thusshaping his postmodern language. She also collaborated with Kei Takei, Barbara Dilley, Steve Paxton, Simon Forty and Robert Raushemberg .

Carmen Beauchat has been awarded with two National Endowment for the Arts. In 2012, she received a medal of excellence from the National Council for Culture and the Arts after being honored at the national celebration of the International Dance Day.

In Chile, she has trained countless dancers and choreographers. In 2004 she moved to Valparaiso where she formsher current cast, being her latest productionsPliegues y Despliegues (Folds and Unfolds, Fondart 2008 ), Species Sola ( Alone Species, Fondart 2010) and El Primer Gesto(The First Gesture,Fondart 2012) , which have been staged in Valparaiso, Cartagena , Punta Arenas, Puerto Montt , Valdivia , Talca, Coyhaique , Calama , Casablanca, Quillota and Santiago.

The work brings together 4 dance performers; two of them disciples of the Master – Carolina Escobillana and Daniela Villanueva- together with dancer Mariella Valdebenito. The latter, along with Rocio Rivera -director of the World Company Moebio- added their contributions and views in motion.

The music is the result of an intense improvisation work that slowly turned into the soundtrack created and performed by Miguel Jáuregui, producer of the independent record label Epa Sounds, together with experienced Lucax Santana, an improviser with wide experience in Chile and abroad.

The work of Ivan Sanchez is added to the team. Sanchez is a director, designer and Contemporary Performing Arts managerwith a long career, who is responsible for building the luminous space of the piece.

Coreographer Carmen Luz Beuchat
Creative performers Carolina Escobillana Reinaud, Paula Moraga Lagarrigue, Rocío Rivera Marchevsky, Valeria Martis
Performers Carolina Escobillana Reinaud, Daniela Villanueva, Rocío Rivera Marchevsky, Mariella Valdebenito Ruffo
Original Music Lukax Santana, Miguel Jáuregui Arévalo
Set and Lightning designIván Sánchez Ramírez 

La historia se cuenta desde la convergencia de la vida de Víctor Jara con la de los actores. Un viaje de imágenes teatrales que recorren sus vivencias desde la infancia hasta el día de su muerte. Desde el cómo y en quién podemos ver hoy reflejado a Víctor, no solo como artista; con un gran legado en música, teatro, recopilaciones campesinas y composiciones musicales; sino también como hombre, que tiene esperanzas, sueños e ideales, que vive, trabaja, ama, sufre y ríe. La obra rescata ese legado que se extiende a nuevas generaciones, valorando esencialmente su vida y su calidad humana.

Oscar Cifuentes Cerdeira (26) actor egresado de la Escuela de Teatro de la UDD Concepción, dirige el taller de teatro de la Universidad de Concepción e integra La Otra Zapatilla Teatro. Entre sus trabajos como actor destacan 3 obras dirigidas por Andrés Céspedes: Marat-Sade, Louta y Memorias de la Concepción. Entre otros trabajos de la compañía se encuentran A lo mejor ahora está lloviendo, El Ganso y Omar. VÍCTOR: un canto para alcanzar las estrellas (Fondart 2013) es su primera dirección en gran formato. Esta obra estuvo llena en todas sus presentaciones y con excelentes comentarios de prensa y público.

El texto es una creación colectiva de 6 integrantes de La Otra Zapatilla Teatro: Patricia Cabrera, Monserrat Cifuentes, Daniel Espinosa, Maira Perales y Jenifer Salas, quienes además participan como actores dentro de la obra. Ellos trabajaron en la creación del texto en conjunto con el director Oscar Cifuentes, a partir de una investigación biográfica, bibliográfica y documental que duró dos años antes de comenzar el montaje de la obra.

Compañía de Teatro Profesional Penquista que destaca por sus trabajos colectivos basados principalmente en la Historia de Chile y en la micro-historia. Con el objetivo claro de crear movimiento teatral en la ciudad de Concepción, han trabajado en la creación de audiencia y en la entrega de nuevos montajes al público de la Región del Bío Bío.

Todos los trabajos de La Otra Zapatilla nacen desde la búsqueda de la propia identidad de los actores, usando así sus biografías como punto de partida en la creación. La compañía nace el año 2007 en la Escuela de Teatro de La Universidad del Desarrollo, sede Concepción.

Actores Patricia Cabrera, Monserrat Cifuentes, Daniel Espinosa, Julián Hernández, Darwin Mora, Maira Perales, Jenifer Salas
Músicos Manuel Cerdeira, Manuel Cifuentes, Dángelo Guerra
Dirección Oscar Cifuentes Cerdeira
Iluminación, diseño y ejecución Orly Pradena
Técnico de iluminación Juan Hermosilla
Técnico de sonido Juan Hermosilla
Auspiciadores M.A.C.
 

Encuentro de trasnoche: GAM, N1 Domingo 5 de enero 20:00-20:45

The story is told from a perspective of the convergence of Víctor Jara’s life with that of the actors. A journey of theatrical images that tell of episodes in his life, from his childhood to the day of his death. From seeing how and what took place, we can see a modern-day reflection of Víctor, not only as an artist – with a great legacy in music, theatre, folk music compilations and compositions – but also as a man, with hopes, dreams, and ideals, who lives, works, loves, suffers, and laughs. The work resurrects this past for new generations, putting particular stock in his life and human qualities.

Oscar Cifuentes Cerdeira (26) trained as an actor at the UDD Concepción School of Theatre; he directs the theatre workshop at the Universidad de Concepción and is a member of La Otra Zapatilla Teatro. His acting work is perhaps most celebrated for three works directed by Andrés Céspedes: Marat-Sade, Louta and Memorias de la Concepción. The company’s other productions have included A lo mejor ahora está lloviendo, El Ganso and Omar. VÍCTOR: un canto para alcanzar las estrellas (Fondart 2013) is his first full-scale work as director. The production sold out for every show and was well received by the press and public alike.

The text is a collaborative work by the six members of La Otra Zapatilla Teatro: Patricia Cabrera, Monserrat Cifuentes, Daniel Espinosa, Maira Perales and Jenifer Salas, who also appear as actors in the production. They worked to create the text together with director Oscar Cifuentes, based on two years of biographical, bibliographic, and documentary research before starting to craft the work.

The Teatro Profesional Penquista group is widely celebrated for its collective works based on the history of Chile and on micro-history. With the clear goal of creating a theatre movement in the city of Concepción, they have worked to build their audience and to offer new productions for the public in the Bío Bío Region.

All of La Otra Zapatilla’s works start from a search for the identity of the actors themselves, using their own life stories as a starting point for the creative process.

The company was founded in 2007 at the Universidad del Desarrollo School of Theatre, at the Concepción campus.

Actors Patricia Cabrera, Monserrat Cifuentes, Daniel Espinosa, Julián Hernández, Darwin Mora, Maira Perales, Jenifer Salas
Musicians Manuel Cerdeira, Manuel Cifuentes, Dángelo Guerra
Directed by Oscar Cifuentes Cerdeira
Lighting, design, and backstage: Orly Pradena
Lighting technician Juan Hermosilla
Sound technician Juan Hermosilla
Sponsored by M.A.C.

Encuentro de trasnoche: GAM, N1 Domingo 5 de enero 20:00-20:45