Una invitación al público chileno a celebrar los festivales tradicionales chinos con un abundante festín. Cada tarde, Summer fantasies desplegará diversas presentaciones de varios estilos, exhibiendo las artes de múltiples culturas minoritarias de China. Se podrá disfrutar la danza apasionada de The Vast Grassland of the Mongols (Las Vastas Praderas de los Mongoles), apreciar la luminosa y delicada música de Happy Life (Vida Feliz), sentir el misterio de la magia en Rhyme of Fans (Ritmo de Fans), o dejarse impresionar por las acrobacias de la performance Red Candle (Vela Roja). La combinación del erhu (violín chino) y la danza se verá en Thoughts of Two Streams (Pensamientos de Dos Arrollos), acercando al público a la belleza de la cultura tradicional china. Por último, Chasing (Persecución), interpretada por Suona y un acordeón, transmitirán el entusiasmo de las ciudades chinas modernas.

Huang Qicheng se graduó de la Beijing Dance Academy  y es reconocido como experto con grandes contribuciones al desarrollo de la cultura y el arte chino por el Consejo de Estado de la República Popular China. Es considerado uno de los artistas jóvenes más destacados de este siglo en China, como actor y director de primera categoría. Es miembro de la China Dancers Association, vicepresidente de la China Dancers Association Shenzhen Branch, miembro de la  Conferencia Consultiva Política del Pueblo Chino de Shenzhen y juez del Guangdong Provincial Senior Title Assessment Committee. Actualmente es rector de la Shenzhen Arts School y director de la Shenzhen Youth Arts Troupe. En más de 20 años de práctica, Huang Qicheng ha absorbido la esencia de la cultura china, aprendido de las escuelas artísticas. Gradualmente ha creado un estilo artístico que integra el ballet, las danzas clásicas chinas y la danza moderna, fundiendo los estilos de occidente con los de su país.

La Shenzhen Youth Arts Troupe se estableció con la aprobación del gobierno y departamento cultural chino en 2006, como la base de producción artística de Shenzhen y el centro de práctica de la Shenzhen Arts School. La compañía ha invitado a una gran cantidad de profesionales y jóvenes artistas de China y el mundo, y ha absorbido profesores de la Shenzhen Art School, graduados de prestigiosos recintos como la Beijing Dance Academy, Central Conservatory of Music, China Conservatory of Music, Shanghai Conservatory of Music y otros, construyendo una compañía con una fuerza profesional sólida y una capacidad creativa tan poderosa como original. Desde 2007 han recibido encargos del Departamento de Cultura y Asuntos Exteriores de Shenzhen para visitor Grecia, Alemania, Italia, Hungría, Rusia, Tailandia, Cuba y Colombia.

Director Chai Fengchun
Director artístico Huang Qicheng
Coordinador Ding Zhongyuan
Jefe de proyecciones audiovisuales Wang Yue
Músicos Ma Yimin, Guo Yanxuan, Zhang Lei, Li Fanmo, Li Xinlin
Traductor Huang Hongye
Cantante Zhang Hong
Bailarines Chen Yufei, Xie Bing, Yang Zheng, Zhao Chenglong, Li Yesen
Acróbatas Sha Yan, Cheng Faping, Liu Ping, Zheng Ailing, Li Jialing, Liu Zijie, He Nan
Magos Xin Zhikuan, Xin Yafei
Asistente de magos Zhang Zhaofeng 

Taller Arte y acrobacias con Shenzhen Youth Art Troupe 

An invitation to the Chilean audience to celebrate traditional Chinese festivals with a hearty feast. Every evening, Summer Fantasies will stage several performances of various styles, thus showing the arts of manifold minority cultures of China. Viewers will enjoy the passionate dance of The Vast Grassland of the Mongols (Las Vastas Praderas de los Mongoles), appreciate the luminous, delicate music of Happy Life (Vida Feliz), feel the mystery of magic in Rhyme of Fans (Rima de Fans), or let themselves be awestruck by the acrobatics in the performance of Red Candle (Vela Roja). The combination of the erhu (Chinese violin) and dance will be seen on Thoughts of Two Streams (Pensamientos de Dos Arrollos), thus bringing the audience to the beauty of traditional Chinese culture. To conclude with Chasing (Persecucion), performed by Suona and an accordion, will convey the liveliness of modern Chinese cities.

Huang Qicheng graduated from the Beijing Dance Academy and is recognized by the State Council of the PRC as an expert who has made great contributions to the development of Chinese culture and art. He is considered one of the most outstanding young artists of this century in China, as a world-class actor and director. He is a member of the Chinese Dancers Association, vice president of China Dancers Association Shenzhen Branch, member of the Shenzhen committee at the Chinese People’s Political Consultative Conference and judge at the Guangdong Provincial Senior Title Assessment Committee. He is currently president of the Shenzhen Arts School and director of the Shenzhen Youth Arts Troupe. In over 20 years of experience and practice, Huang Qicheng has absorbed the essence of the Chinese culture by learning from art schools. Gradually he has created an artistic style that integrates ballet, Chinese classical dance and modern dance, thus blending Western styles with those from his country.

The Shenzhen Youth Arts Troupe was founded with the approval of the Chinese government and culture department in 2006 as the basis of artistic production in Shenzhen and practice center for the Shenzhen Arts School. The company has invited several professionals and young artists from China and the world, and has taken professors from the Shenzhen Art School who have graduated from prestigious institutions such as the Beijing Dance Academy, Central Conservatory of Music, China Conservatory of Music, Shanghai Conservatory of Music and others, thus building a company with a strong work force and a powerful and original creative ability. Since 2007 they have been commissioned by the Shenzhen Department of Culture and Foreign Affairs to visit Greece, Germany, Italy, Hungary, Russia, Thailand, Cuba and Colombia.

Director Chai Fengchun
Artistic Director Huang Qicheng
Coordinator Ding Zhongyuan
Video Supervisor Wang Yue
Musicians Ma Yimin, Guo Yanxuan, Zhang Lei, Li Fanmo, Li Xinlin
Translator Huang Hongye
Singer Zhang Hong
Dancer Chen Yufei, Xie Bing, Yang Zheng, Zhao Chenglong, Li Yesen
Acrobats Sha Yan, Cheng Faping, Liu Ping, Zheng Ailing, Li Jialing, Liu Zijie, He Nan
Magicians Xin Zhikuan, Xin Yafei
Assistant magician Zhang Zhaofeng SCENIC LAB

Taller Arte y acrobacias con Shenzhen Youth Art Troupe 

Un espectáculo luminoso e itinerante que aterrizará desde el espacio exterior en diferentes ciudades de Chile. En este pasacalle inolvidable creado por la compañía española Brodas Bros, los robots BR2 serán los encargados de divertir a la humanidad bailando y devolviéndole la luz de los rayos solares, los cuales se han apagado tras al cambio climático que dejó a oscuras a la Tierra en el año 2222.

A ellos se sumará el robot OVNI llamado UFO MC14, construido con metal, materiales reciclados, sistemas neumáticos, electrónica e iluminación, capaz de alcanzar los 5 metros de altura. La estética de este artefacto creado por la compañía Ferroluar es un tributo a las obras tempranas de ciencia ficción y la robótica japonesa de los años 50.

Brigada espacial es un proyecto conjunto de dos compañías españolas, Brodas Bros y Ferroluar, especializadas en espectáculos de calle itinerantes que poseen gran atractivo para toda la familia.

Raúl Martínez, de Compañía Ferroluar, es un creador catalán que investiga los movimientos orgánicos reproducidos con materiales que en un principio pueden parecer fríos e inexpresivos. Objetos que recuperan una segunda juventud. ¿Máquinas? ¿Juguetes? ¿Autómatas? La base principal de sus proyectos es la utilización de piezas y materiales reciclados, encontrando un equilibrio entre la movilidad animal, la fisonomía y la estética para trasmitir la esencia de algo vivo y animado. Sus creaciones han ganado premios a la propuesta más innovadora (Fira de Lleida 2013), y becas de desarrollo. Sus trabajos se muestran en los principales festivales de España o Francia.

La compañía Brodas Bros se crea el año 2006 cuando los hermanos Pol y Lluc Fruitós, después de numerosas actuaciones y workshops, deciden dar un nombre a todo el trabajo que dirigen. Desde sus inicios, las hermanas Clara y Berta Pons se integran en esta compañía catalana de danza y cultura urbana representando la parte femenina del hip hop. Esta cultura nacida en Nueva York se expande por todo el mundo y esta compañía la representa desde su punto de vista y sus vivencias; por este motivo Brodas no es más que la palabra que utilizan los americanos brothers (hermanos) escrita tal como suena con nuestro acento.

Han viajado por todo el mundo buscando de los orígenes de esta cultura y han realizado actuaciones en Japón, Francia, Alemania, Portugal, Suiza y gran parte de España. También han realizado giras con varios espectáculos de su repertorio y han impartido talleres en América del Sur y Central, África y Oriente Medio. Han impartido clases en el Cirque du Soleil (Saltimbanco y Corteo), en el Institut del Teatre de Barcelona y en compañías de danza contemporánea.

Han aparecido en videoclips de Chambao, Toni Santos, Jordine Taylor, así como en comerciales televisivos de Chevrolet, Seat, Eroski y Orange. También aparecen en las películas La máquina de bailar (Santiago Segura), Yo soy la Juani (Bigas Luna) y han coreografiado El sexo de los ángeles (Javier Villaverde), película que abren con un número exclusivo de Brodas Bros con el protagonista Álvaro Cervantes.

UFO MC14
Mecánica  Raúl Martínez
Electrónica Alex Posada
Construcción y desarrollo Ferroluar
Co-productores Icub Barcelona Cultura y Hangar

BR2
Compañía Brodas Bros
Dirección Pol y Lluc Fruitós
Bailarinas Clara y Berta Pons
Bailarines Pol y Lluc Fruitós
Diseño y vestuario PIERART
Ingenieros de luz DYNATECH
Música KAPI y Jean Philippe Barrios
Agradecimientos SUCADE | Arco Iris | Flowtizta | NilFruitós

Taller: Hip-Hop

A shimmering and traveling show from outer space will land in different cities of Chile. In this unforgettable parade created by the Spanish company Brodas Bros, the BR2 robots will be responsible to amuse mankind by dancing and giving people the light of the sun back, which has extinguished after the climate change that plunged the Earth into total darkness in 2222.

They will be joined by the alien robot called UFO MC14, which is built with metal, recycled materials, tires, electronics and lighting systems and 5 meters tall. The aesthetics of this artifact created by company Ferroluar is a tribute to the early works of science fiction and Japanese robotics 50s.

Space Squad is a joint project of two Spanish companies, Brodas Bros and Ferroluar. These companies are specialized in itinerant street performances which have turned into fascinating events for the whole family.

Raúl Martínez, from Ferroluar Company, is a Catalan artist who investigates organic movements, which he later reproduces with materials that initially may seem cold and unresponsive.

Accordingly, these objects retrieve a second youth. Machines? Toys? Robots? Their projects are grounded on the use of recycled parts and materials, thus finding a balance between animal mobility, appearance and aesthetics so as to convey the essence of something alive and vibrant.

Their creations have won awards for Most Innovative Proposal (Fira de Lleida 2013) as well as development grants. Their works are shown at major festivals in Spain and France.

The company Brodas Bros was founded in 2006 when brothers Pol and Lluc Fruitós, after numerous performances and workshops, decide to give their work a name. Since its beginnings, sisters Clara and Berta Pons joined this Catalan dance company representing urban culture and the female element of hip hop. This culture born in New York expands worldwide and the company performs it from their point of view and experiences; that is why Brodas is simply the word used by American «brothers» (hermanos) written as it sounds in our accent.

The company has traveled the world in search of the origins of this culture, performing in Japan, France, Germany, Portugal, Switzerland and much of Spain. They have also toured with several shows of their repertoire and have given workshops in South and Central America, Africa and the Middle East. They have taught at the Cirque du Soleil (Saltimbanco and Corteo), at the Institut del Teatre of Barcelona, as well as in contemporary dance companies.

They have appeared in music videos of Chambao, Toni Santos, Jordine Taylor, as well as TV commercials for Chevrolet, Seat, Eroski and Orange. They also appear in the film Dance Machine (Santiago Segura), Yo soy la Juani (My Name Is Juani by Bigas Luna) and have choreographed El sexo de los angeles (Angels’ sex, Javier Villaverde), a film that starts with a unique show of Brodas Bros with main actor Álvaro Cervantes.

UFO MC14
Mechanics Raúl Martínez
Electronics Alex Posada
Construction and development Ferroluar
Co-producers Icub Barcelona Cultura y Hangar

BR2
Company Brodas Bros
Director Pol y Lluc Fruitós
Female dancers Clara y Berta Pons
Male dancers Pol y Lluc Fruitós
Costume design PIERART
Lightning engineers DYNATECH
Music KAPI y Jean Philippe Barrios
Acknowledgements SUCADE | Arco Iris | Flowtizta | NilFruitós

Taller: Hip-Hop 

Grupo musical tuareg de Mali, África. Los miembros principales son Ibrahim ag Alhabib (Abraybone) y Alhousseini ag Abdoulahi (Abdallah), ambos cantautores y guitarristas, y la cantante Mina wallet Oumar. El grupo se presentó por primera vez en 1982, en un festival en Argel. Durante la rebelión tuareg de los años 1990, sus canciones eran un mensaje de esperanza y una llamada a la resistencia. Con la firma, en Mali, del Pacto National de 1992 y el regreso de la paz, Tinariwen actúa en varios festivales. El líder del grupo desde 1993 a 1999 fue Mohamed ag Ansar (Manny) que, en la actualidad, es el director del Festival au Désert.

Su primer disco, The Radio Tisdas Sessions, fue grabado en 2002 utilizando energía solar. Empezaron a ser conocidos en Occidente tras su actuación en enero de 2003 en el primer Festival au Désert, organizado para celebrar el fin de la guerra entre las tribus tuaregs y el gobierno de Mali. El disco siguiente, Amassakoul, 2004, fue un éxito internacional y conllevó giras por Europa, Estados Unidos, Canadá y Asia. En 2012 ganaron el Premio Grammy al Mejor Álbum de Música del Mundo por su disco Tassili (2011).

Tinariwen suele asociarse a una sola imagen: rebeldes Tuareg con una metralleta en mano y una guitarra eléctrica colgada del hombro. La banda se deshace de este cliché en su quinto álbum, Tassili, y es para mejor. Los miembros fundadores abandonaron sus armas hace tiempo y en este nuevo disco utilizan una estética revolucionaria menor, dejando de lado sus guitarras eléctricas –instrumento que fue mascota y los hizo famosos- para otorgar un lugar de honor a los sonidos acústicos, grabados en el corazón del desierto, que es el escenario de sus vidas, la cuna de su cultura y su fuente de inspiración. Se podría decir que este radical cambio es un regreso a la esencia misma de su arte, un giro que, paradójicamente, les ha abierto las puertas a intrigantes colaboraciones con miembros de TV On The Radio, Nels Cline y The Dirty Dozen Brass Band.

Hay algo de verdad en ese viejo cliché de músicos-soldados. En los años 80, Ibrahim, Abdallah, Hassan, ‘Japonais’ y Kheddou empezaron a tocar juntos en el pueblo de Tamanrasset, en el sur de Argelia. Tocaban en bodas, bautismos y fiestas. Luego de eso pasaron varios años en el mismo campo de entrenamiento militar en Libia, antes de que la rebelión Tuareg estallara simultáneamente en Mali y Nigeria y se vieran obligados a marchar al campo de batalla en el sur del Sahara. En paralelo, sus canciones, grabadas en casetes, ayudaron a difundir el mensaje de un movimiento rebelde que buscaba establecer la promoción de los derechos de los nómades del desierto que sufrían bajo las arbitrarias policías de gobiernos centrales represivos y distantes. Cuando la paz fue firmada en 1994, su desmovilización coincidió con profundos cambios en el estilo de vida de los habitantes del desierto, cuyas tradiciones habían sido irrevocablemente destrozadas durante los años de sequía y sedentarización. Aquellas calamidades empujaron a muchos jóvenes Kel Tamashek –personas que hablan Tamashek, el idioma de los Tuareg– al exilio. Tinariwen se transformó en los voceros de una generación que vio impotente cómo sus cosechas se empobrecían, sus animales se perdían y su mundo sucumbía lentamente.

Hubo un tiempo en que Bob Marley and The Wailers vivieron una paradoja similar, en otra escala, a la de Tinariwen: cantar sobre el sufrimiento de su gente mientras se convertían en estrellas alrededor del mundo. La banda, perdiendo algunos de sus miembros originales y ganando algunos nuevos en el camino, se transformó en un conjunto profesional con giras internacionales, liderando importantes festivales como Eurockéennes de Belfort (Francia), Glastonbury (Reino Unido) y Coachella (Estados Unidos). Sus álbumes Aman Iman (2007) y Imidiwan (2009) fueron alabados por la crítica especializada y atrajo los elogios de Robert Plant, Elvis Costello, Thom Yorke, Brian Eno y Carlos Santana, con quien Tinariwen tocó en el Montreux Jazz Festival en 2006. A pesar del éxito, este reconocimiento universal no alteró la esencia o espíritu de su música, la cual mezcla los amargos sonidos de agudas guitarras con una lírica poética que celebra la sagrada unión entre las personas y su medioambiente, reflejo de las penosas circunstancias colectivas.

Estas circunstancias se han vuelto considerablemente más difíciles en los últimos meses, al punto que el grupo fue forzado a grabar su nuevo álbum lejos de su base en Tessalit, en el norte de Mali, que se ha transformado en un lugar peligroso para cualquier visitante. Apegándose a su deseo de volver a las raíces de su música y redescubrir los viejos hábitos de su arte en la naturaleza salvaje, con guitarras acústicas y percusiones no amplificadas, optaron por grabar en los desiertos del sur de Argelia, cerca del pueblo de Djanet, en una región protegida llamada Tassili N’Ajjer. El lugar tiene un significado histórico para estos viejos rebeldes: en los años de la migración y la rebelión, fue un refugio en el camino para los campamentos de militares libios. Fue en ese paisaje lunar de arenas blancas, formaciones rocosas y riquezas geológicas, en esa soledad mineral que empuja poderosamente a la introspección y la efusión de sentimientos profundos, que los músicos y técnicos se reunieron de noviembre a diciembre de 2010 en una carpa mauritana con 400 kilos de equipaje y una montaña de problemas por resolver. El viento que hacía crujir a su carpa, la arena que invadía los equipos eléctricos y el constante ruido de los generadores de electricidad fueron algunos de los obstáculos que debieron superar.

En este espacio abierto natural decidieron realizar las sesiones de manera poco ortodoxa y, a diferencia de como se hace en los estudios, permitieron a los músicos entregarse a la inspiración en eternas sesiones alrededor del fuego. Tomó tres semanas reunir todas las canciones de Tassili. Algunas son recientes y otras fueron desenterradas de un repertorio antiguo e incluso tradicional. Estas últimas fueron candidatas obvias cuando hicieron sonar sus guitarras y otros instrumentos acústicos.

Durante la última semana de grabaciones, el cantante Tunde Adebimpe y el guitarrista Kyp Malone de la banda neoyorquina TV On The Radio llegaron al campamento. Ambas bandas han estrechado lazos desde que se conocieron en el festival Coachella de 2009. En el desierto, las contribuciones de ambos músicos en cinco canciones, y las posteriores adiciones del guitarrista Nels Cline y los cuernos de Dirty Dozen Brass Band, grabados en Nueva Orleans, otorgaron a Tassili el intrigante carácter de un disco que toca las profundidades de la esencia del arte de Tinariwen y, al mismo tiempo, se abre a un mundo más ancho.

Ibrahim Ag Alhabib propone un viaje musical entre las dunas de arena y las estrellas con una pregunta solemne: ¿Qué tienen que decir, amigos míos, sobre este doloroso tiempo que estamos viviendo?. La noción de personas en peligro, luchando por su supervivencia tanto cultural como psicológica, atraviesa Tassili como una roca. La decisión de usar guitarras acústicas, percusión sin amplificar y palmas, sugiere mucho más que una cercanía entre estos músicos y su desierto. Es más bien una total comunión.

‘Tenéré Taqqim Tossam’ es una declaración de amor, respeto y humildad hacia esa imagen del desierto que es tan difícil, tan estrecha de agua, pero cuya belleza y misterio bastan para saciar la sed espiritual que inunda el alma de los habitantes del desierto y que ellos llaman “assouf”. Las letras agregadas por Tunde Adebimpe refuerzan la humildad, e incluso vulnerabilidad, que esa relación requiere. En el ambiente riguroso del desierto, todos deben asegurarse de que su honestidad e integridad se mantenga intacta. Eso es exactamente de lo que Ibrahim canta en ‘Tameyawt’, una canción casi susurrada que nos invita a encontrarnos con su espíritu en la noche sahariana. O en ‘Walla Illa’, sobre el turbulento romance entre el dolor y la esperanza. Las mujeres, cuyas voces estuvieron tan presentes en los discos anteriores de Tinariwen, han desaparecido e éste, pero nunca habían estado tan constantemente invocadas, especialmente en las canciones ‘Tamiditin Tan Ufrawan’, ‘Isswegh Attay’ y ‘Tilliaden Osamnat’.

La música y sensibilidad de Tinariwen ha estado siempre ligada al Blues americano, y en Tassili reconstruyen las emociones de un individuo que se enfrenta cara a cara con la soledad y la duda, atrapado por el tormento, prisionero de circunstancias inextricables (‘Djeredjere’). Pero ese individuo también se las arregla para encontrar esperanza en la fuerza de su comunidad (‘Imidiwan Wan Sahara’) o en el simple placer de momentos cotidianos, como en la canción ‘Takest Tamidarest’, cantada por Abdallah, que nos arroja al medio del desierto con su ritmo lento que abre espacio para la contemplación pura. Por esa razón, Tassili no es sólo un extraordinario momento musical en el cual Tinariwen vuelven a poseer su propio arte hasta el punto de sentirse completamente relajados como para invitar a otros a su mundo, sino también una experiencia humana compartida de excepcional calidad.

Texto de Francis Dordor

Tinariwen
Ibrahim Ag Alhabib
Eyadou Ag Leche
Touhami Ag Alhassane
Said Ag Ayad
Abdallah Ag Alhousseyni
Abdelkader Ourzig 

Tuareg band from Mali, Africa. The core members are Ibrahim ag Alhabib (Abraybone) and ag Alhousseini Abdoulahi (Abdallah), both singers and guitarists, together with singer Mina Wallet Oumar. The group first performed in 1982 at a festival in Algiers. During the Tuareg rebellion of the 1990s, their songs were a message of hope and a call for resistance. By the signing of the National Pact of 1992 in Mali and the return of peace, Tinariwen was able to performe at several festivals. The group’s leader from 1993 to 1999 was ag Mohamed Ansar (Manny) who nowadays is the director of the Festival au Désert.

Their first album, The Radio Tisdas Sessions, was recorded in 2002 using solar energy. They became popular in the West in January 2003, after their performance at the first Festival au Désert, organized to celebrate the end of the war between the Mali government and Tuareg tribes. The next album, Amassakoul, released in 2004, was an international hit which led them to go on tours to Europe, USA, Canada and Asia. In 2012 they won the Grammy for Best World Music Album 2011 for their album Tassili.

Tinariwen are often associated with just one image: that of Touareg rebels leading the charge, machine gun in hand and electric guitar slung over the shoulder. The band ditch this cliché on their fifth album ‘Tassili’ and it’s for the best. The founding members abandoned their weapons long ago and on this new album they have engineered a minor aesthetic revolution by setting the electric guitar – the instrument which became their mascot and made them famous – to one side and giving pride of place to acoustic sounds, recorded right in the heart of the desert, which is the landscape of their existence, the cradle of their culture and the source of their inspiration.

You might even call this radical move a return to the very essence of their art, a return which, paradoxically, has also opened the doors to some intriguing collaborations with members of TV On The Radio, Nels Cline (Wilco’s guitarist) or The Dirty Dozen Brass Band.

There is some truth in that old cliché of the soldier-musician. In the 1980s, Ibrahim, Abdallah, Hassan, ‘Japonais’ and Kheddou began to play together in and around the town of Tamanrasset in southern Algeria. They would perform at weddings, baptisms or just simple youthful get- togethers. They then spent several years in the same military training camp in Libya before the Touareg rebellion broke out simultaneously in Mali and Niger and sent them out onto the field of battle in the southern Sahara. In parallel, their songs, recorded on cassettes scattered far and wide, helped to broadcast the message of a rebel movement that set out to promote the rights of nomadic people suffering under the arbitrary policies of repressive and distant central governments. When peace was signed in 1994, their demobilisation coincided with profound changes in the way of life of those desert people, whose traditions had been irrevocably upended by years of drought and sedentarization. Such calamities forced many young Kel Tamashek – the people who speak Tamashek, the language of the Touareg – into exile. Tinariwen became the spokespeople of a generation which looked on helplessly as their harvests thinned, their animal herds wasted away and their world slowly crumbled.

There was a time when Bob Marley and the Wailers lived a certain paradox, albeit on a different scale, to the one that was to greet Tinariwen: that of singing about the distress of their people whilst becoming global stars in the process. For it was in the embers of this social trauma, which remains just as precarious today, that Tinariwen caught fire and went global. The group, losing some of its original members and gaining new ones along the way, became a professional unit that toured the world, headlining at various important festivals including the Eurockéennes de Belfort in France, Glastonbury in the UK and Coachella in the US. Their albums Aman Iman (2007) and Imidiwan (2009) were eulogized by the media and attracted the praises of Robert Plant, Elvis Costello, Thom Yorke, Brian Eno or Carlos Santana, with whom Tinariwen performed at the Montreux Jazz Festival in 2006. Nonetheless, this success, this universal recognition didn’t alter the essence or spirit of their musical style, which mixes the bitter sound of spiky guitars with the often pantheistic approach of lyrical poetry that celebrates the sacred union between a people and their environment, and is the reflection of painful collective circumstances.

These circumstances have become considerably harder in recent months, to the point where the group were forced to record their new album far from their base in Tessalit, northern Mali, which is now deemed too insecure for outsiders to visit. Sticking with their desire to return to the roots of their music, and rediscover the age-old habits of their art, out in the wild, with acoustic guitars and unamplified percussion, they opted instead to record out in the deserts of southern Algeria, near the town of Djanet, in a protected region called the Tassili N’Ajjer. The place has historical significance for these old rebels. Back in the days of migration and rebellion it served as a refuge on the road to the Libyan training camps. It was in this lunar landscape of white sand, rocky outcrops and astounding geological riches, in that mineral solitude which lends itself so powerfully to introspection and the outpouring of deep feeling, that musicians and technicians gathered between November and December 2010, under a Mauritanian tent, with 400 kilos of gear and a mountain of problems to solve. The wind that made the tent frames creak, the sand that invaded the electric equipment, the constant chugging of the electricity generators, these were just some of the unwelcome intrusions that had to be overcome.

In this natural open space it was decided to approach the sessions in an unorthodox manner and, unlike the way it’s done in most studios, let the musicians give their inspiration free rein during seemingly endless sessions around the campfire. It took three weeks to gather all the songs on ‘Tassili’. Some are recent. Others have been dug up out of a much older, even traditional,repertoire. The latter only become obvious candidates when the guitars were picked up and strummed and other acoustic instruments played.

During the last week of recordings the singer Tunde Adebimpe and the guitarist Kyp Malone from the New York band TV On The Radio arrived at the camp. The two bands had been forging links ever since they met at the Coachella Festival in California back in 2009, links which were consolidated at Tinariwen’s Hollywood Bowl gig in Los Angeles a year later when Kyp and Tunde were invited on stage to jam with the band. Out in the desert, the contributions of the two musicians on five songs and later additions by guitarist Nels Cline and the horns of the Dirty Dozen Brass Band, recorded in their manor down in new Orleans, give ‘Tassili’ the intriguing character of an album which reaches deep into the essence of Tinariwen’s art whilst simultaneously opening tself out to the wider world.

Ibrahim Ag Alhabib sets out on a musical journey between sand dunes and vaulting stars with a solemn question: “What have you got to say, my friends, about this painful time we’re living through?” The notion of a people in peril, fighting for their survival, both cultural and psychological, traverses ‘Tassili’ like a stick of rock. The decision to use acoustic guitars, unamplified percussion, the jerry can ‘calabash’ and hand claps, suggest a great deal more than a closeness between these musicians and their desert – more like a communion.

‘Tenéré Taqqim Tossam’ is a declaration of love, tempered by respect and humility, for that desert landscape which is seemingly so demanding, so stingy with its water, but whose beauty and mystery are enough to quench the spiritual thirst that irks the soul of desert people and which they call ‘assouf’. Tunde Adebimpe’s added vocals reinforce the humility, even vulnerability, which that relationship requires. In the desert’s gruelling natural environment, everyone has to make sure that their honesty and integrity remain intact. That’s precisely what Ibrahim sings about in ‘Tameyawt’, an almost whispered song that invites us into the Saharan night to join him in spirit.

Or in ‘Walla Illa’, which is about a turbulent love affair that slips and slides between pain and hope. Women, whose voices were so present on previous Tinariwen albums, have disappeared from this one, but never have they been so constantly invoked, especially in the songs ‘Tamiditin Tan Ufrawan’, ‘Isswegh Attay’ or ‘Tilliaden Osamnat’. Tinariwen’s music and sensibility have always been close to the American Blues and on ‘Tassili’ they re-enact the emotions of an individual who finds himself face to face with loneliness and doubt, gripped by torment, the prisoner of inextricable circumstances (‘Djeredjere’). But that individual also manages to find hope in the strength of his community (‘Imidiwan Wan Sahara’) or in the simple pleasure afforded by insignificant daily moments, as on the song ‘Takest Tamidarest’, sung by Abdallah, which drops us right in the middle of the desert, with its slow-baked pace that lends itself to pure contemplation of man’s surrounding and to profound inner meditation. For that reason, ‘Tassili’ isn’t just an extraordinary musical moment, in which Tinariwen repossess their own art to the extent that they feel completely relaxed about inviting others into their world, it’s also a shared human experience of rare quality.

Francis Dordor 

Tinariwen Members:
Ibrahim Ag Alhabib
Eyadou Ag Leche
Touhami Ag Alhassane
Said Ag Ayad
Abdallah Ag Alhousseyni
Abdelkader Ourzig

A golpe de tierra es ritmo, magia, danza, música y teatro afroperuano en un solo espectáculo. Siendo el cajón peruano el protagonista de esta puesta en escena, la labor de este concierto es llevar al mundo la gran influencia africana que recibió Perú con la esclavitud negra que llegó a sus costas, transformando la danza y el ritmo de la región. Este espectáculo interactivo permite al espectador volverse parte de una gran fiesta de ritmo donde se rompe la barrera entre la butaca y el escenario ¡Atrévete a tocar la cultura! 

María del Carmen Dongo es la embajadora y gran difusora del cajón peruano en el mundo. Hace 25 años el cajón se convirtió en principal medio de expresión en su carrera internacional como percusionista. En medio de giras y talleres en 2001, la artista decidió dejar escenarios cotizados junto a artistas de renombre para iniciar una campaña de difusión y rescate de este instrumento de origen peruano, hasta conseguir que el cajón fuera declarado Patrimonio Cultural de la Nación por el Instituto Nacional de Cultura del Perú y movilizando a un ejército de cajoneros que hoy difunden la riqueza de este símbolo de peruanidad. 

Hace 12 años surgió la primera agrupación de percusión de Perú, Manomadera: manos que percuten y cuerpos que bailan sobre madera. Dirigida por María del Carmen Dongo, quien puso a disposición de la música contemporánea afroperuana al cajón peruano. Manomadera se compone por artistas percusionistas, cantantes y bailarines profesionales que acercan al público a disfrutar del ritmo, sabor y kimba de la música afroperuana, enseñando a la vez cómo se percute un cajón y las danzas de la costa peruana. La agrupación cuenta con 30 miembros activos. 

Toco madera 

Detrás de la campaña de rescate del cajón peruano, existe una travesía poco conocida. María del Carmen Dongo, la percusionista que lideró este periplo, evoca algunos pasajes al compás de los efectos que produce un cajonero: silencio, contrapunto y repique. Una antesala para el Día de la Canción Criolla.

Silencio

En ciertas luchas por la identidad, hay hijos no reconocidos. María del Carmen Dongo suele decir que la campaña de rescate del cajón, que inició en 2001, era precisamente una manera de “comprometer al Estado en reconocer la paternidad peruana del instrumento y ponerle su verdadero apellido”. Darle una partida de nacimiento.

“No fue fácil. Hubo mucho silencio cómplice. Pocos querían comprarse el pleito de denunciar que en España y en el mundo comercializaban el cajón como flamenco o rumbero”, insiste en medio de los ajetreos de su concierto del 31 de octubre, con el que piensa cerrar esta primera etapa de cinco años de trabajo constante.

Si no la hubiese acompañado en esta labor de difusión, creería que exagera. Pero no. Recuerdo que una vez, en el verano de 2001, llegamos (hoy creo que con mucha ingenuidad) hasta las puertas de Indecopi para averiguar la posibilidad de conseguir una patente que reconociera el origen peruano del cajón. Nos enteramos esa mañana que un instrumento que era producto de la creación colectiva de un país no podía ser registrado en Indecopi, que las patentes de origen no existen, que son otorgadas al individuo que crea el objeto, no a una nación.

Pocos días antes de la visita a Indecopi, María del Carmen se presentó en la Comisión de Cultura del Congreso para explicar a nuestros parlamentarios la importancia de reconocer legalmente al cajón como peruano: acompañada por la guitarra de Octavio Santa Cruz, interpretó la célebre pieza “Cuatro tiempos jóvenes negros” de Félix Casaverde, que es un viaje musical por todos los ritmos de nuestra costa: vals, zamacueca, marinera, landó y festejo.

Habló mediante los graves profundos de la madera, el brillo de los agudos y también con los silencios. “Cuando terminé de tocar, todos aplaudieron, pero me dijeron que no se podía sacar una ley para reconocer el origen del cajón”, recuerda ahora.

Sin embargo, los primeros meses de campaña rindieron un primer resultado contundente: en agosto de 2001, el Instituto Nacional de Cultura declaró al cajón Patrimonio Cultural de la Nación, gracias al apoyo de Luis Repetto.

Contrapunto

“En un escenario, el contrapunto significa desafío y diálogo entre los músicos. Es decir: Esto somos, nos ponemos de acuerdo y juntos sonamos así”, dice María del Carmen. La figura sirve para indicar que en la campaña hubo consensos, pero también resistencias de algunas cofradías musicales.

“Fui criticada por convocar al escenario a jóvenes músicos que no eran negros y a mujeres. Me preguntaba ¿cómo era posible que algunos sostuvieran que solo un negro puede tocar el cajón en un país multirracial? Decidí ir contra la contracorriente”. Su grupo Mano Madera, que nació en octubre de 2001, es la mayor prueba de esta diversidad. Hombres y mujeres. Negros, blancos, criollos, cholos. Al igual que Cynthia Galicia, una mexicana que la acompaña en esta tarea dentro y fuera de escena, soy una de las integrantes de esta agrupación de distintos colores y sonidos. Y en esa mezcla, les digo, hay una forma poderosa de sentir la música.

Pese a todo, Dongo y el grupo fueron convocados por Promperú para representar al país, primero en Brasil y luego en España, en el afamado festival de turismo Fitur que se inauguró con un contrapunto de cajones ante los Reyes de España.

La visita de Mano Madera entusiasmó a la prensa madrileña. “¿Cuéntanos, cómo es eso de que el cajón es del Perú?”, preguntaban los periodistas. Entonces, María del Carmen empezaba a relatar que “fue Paco de Lucía que en los años 70 se llevó el cajón durante su paso por Lima y lo incorporó al flamenco”.

Repique

En los cinco años de campaña, Dongo ha enseñado la técnica del cajón a mil personas, entre niños, jóvenes, adultos y ancianos. La cifra resulta sorprendente, pero mucho más la capacidad de la percusionista de lograr que hasta los sordomudos toquen el instrumento. Esto sucedió hace dos años, cuando la Asociación de Sordos la convocó para preparar una actuación por Navidad con los miembros de la institución. Gracias a su formación de musicoterapeuta, la percusionista sabía que debía apelar a la vibración, en un lugar pequeño y cercado por vidrios, para que sus nuevos alumnos sintieran el ritmo del cajón. “Algunos agarraron el patrón rítmico, otros no. Entonces les pedí que se pusieran de pie, en fila, e inclinaran el tronco hacia adelante. Y empecé a tocar en sus espaldas para que sintieran los toques del alcatraz con la vibración de la caja torácica. Aprendieron en dos ensayos”, cuenta.

A partir de la consolidación de la campaña del cajón, la percusionista empezó a explorar otras dimensiones. Una de ellas ha sido aplicar el cajón en intervenciones pisoterapéuticas con una técnica denominada “terapia de ritmo”. Tras cinco años de trabajo, María de Carmen Dongo y Mano Madera buscan saltar del eslogan “El cajón es del Perú” a una propuesta más diversa, en la que se ponga de relieve la potencialidad sonora del instrumento, no solo para los ritmos de la costa, sino también de la sierra y selva.

Milagros Salazar – Diario La República (Perú) 

Directora, autora y artista principal María del Carmen Dongo
Artistas Manomadera Jorge Garrido Leturia, Rocío Nicasio Aban, Jorge Enrique Garrido Martínez, Dangelo Baluarte Benavides, Olga Gallardo Aban, James Cueto Natteri, Graciela Barrera Huapaya, Teo Alejandro Bazul Pantoja
Producción general & management Cynthia Galicia Belaunzarán
Ingeniero de sonido Roberto Escobar Rivero
Técnico escenario y luces Rodrigo Delgado Escuza
Stage manager Alexis Escuza Canayo 

Taller: Golpe a guerra: danza afro-peruana
Taller: A golpe de guerra: cajón peruano

A golpe de tierra (To the beat of earth) is rhythm, magic, dance, music and Afro-Peruvian Theater in one single show. As the Peruvian cajon is the protagonist of this staging, the aim of this concert is bringing to the world the great African influence that Peru has received since black slavery reached its shores, thus transforming the dance and rhythm in the region. This interactive show allows the viewer to become part of a great celebration of rhythm, where the barrier between the stage and the chair is broken. Take the plunge and touch culture!

Maria Del Carmen Dongo is the ambassador and major promoter of the Peruvian cajon all over the world. 25 years ago, the cajon became the primary means of expression in her international career as a percussionist. In between tours and workshops in 2001, the artist decided to leave the sought-after stages on which she performed together with renowned artists, so as to undertake the rescue and cultural diffusion of this instrument original from Peru. She succeeded in her campaign with the proclamation of the Cajon as Cultural Patrimony of the Nation by the National Institute of Culture of Peru and mobilizing an army of cajoneros who today spread the richness of this Peruvian symbol.

Manomadera emerged 12 years ago as the first percussion group in Peru. Manomadera: hands beating and bodies dancing on wood. This group is directed by MariaDel Carmen Dongo, who made ​​the Peruvian cajon available to the contemporary Afro-Peruvian music. Manomadera is composed of drummers, singers and dancers; all these artists bring rhythm to the audience so that they enjoy the taste and kimba of Afro-Peruvian music, while they are taught how to beat a Cajon as the artists perform dances from the Peruvian coast. The group has 30 active members.

Knock on wood

Behind the cultural crusade for rescuing of the Peruvian Cajon, there is a little known crossing. MariaDel Carmen Dongo, the percussionist who led this journey evokes some passages to the beats a cajonero produces: silence, counterpoint and chime. This is a prelude to the Day of the Creole Song.

Silence

In certain struggles for identity, there are illegitimate children. MariaDel Carmen Dongo often states that the campaign to recover the Cajon, which she started in 2001, was, precisely, a way of ‘forcing the State to recognize the Peruvian paternity of the instrument, so as to give it its real name’.  In other words, the aim was getting the Peruvian Cajon a birth certificate.

«It was not easy. There was much complicit silence. Few people wanted to engage in litigation by reporting that in Spain and the rest of the world they were marketing our Cajon as a Cajon flamenco”, she insists amid the hustle and bustle of her concert of October 31, with which she plans to close this first stage of five years of ongoing work.

Had I not joined her in her work of cultural diffusion, I would have believed she exaggerates. But she does not. I remember once, in the summer of 2001, we (very naively I think) reached the gates of Indecopi to find out the possibility of obtaining a patent that recognized the Peruvian origin of the Cajon. That morning, we learned that an instrument conceived as a product of the collective creation of a country could not be registered at Indecopi, that original patents do not exist and that they are granted to the individual who creates the object, not the whole nation.

A few days before the visit to Indecopi, Maria del Carmen presented herself before the Committee on Culture of the Peruvian Congress to tell our congressmen the importance of legally recognizing the Cajon as Peruvian: accompanied by Octavio Santa Cruz’ guitar, she played the famous piece

“Cuatro tiempos jóvenes negros” de by Felix Casaverde, a musical journey through all the rhythms of our coast: Vals, zamacueca, marinera, lando and festejo.

She spoke through the deep basses of wood, the brightness of the treble and also with silences. «When I finished playing, everyone applauded, but was told that it was impossible to bring forward a law to recognize the origin of the Cajon» she now recalls.

However, the first months of the campaign yielded a solid first result: in August 2001, the National Institute of Culture declared the Peruvian Cajon Cultural Heritage of the Nation, with the support of Luis Repetto.

Counterpoint

«On a stage, counterpoint means challenge and dialogue between the musicians. In other words, it means: This is us, what we have agreed upon and agree and this is how we sound together » says Maria Del Carmen. The figure serves to indicate that there was consensus in the campaign, but also resistance of some musical brotherhoods.

«I was criticized for calling young musicians, who were neither black nor women, to the stage. I wondered how it was possible that some people argued that only a black can tap the Cajon in a multiracial country. I decided to swim against the current”. Her group Manomadera, which was formed in October 2001, is the greatest proof of this diversity. Men and women; blacks, whites, Creoles, cholos. As Cynthia Galicia, a Mexican that accompanies her in this task on and offstage, I am one of the members of this group of different colors and sounds. And in that mix, I say, there is a powerful way to feel the music.

All in all, Dongo and the group were summoned by Promperú to represent the country, first in Brazil and then in Spain, at the famed Fitur tourism festival which opened with a Cajon chime to the Kings of Spain.

Mano Madera’s Visit wowed Madrid media. «Tell us, how is it that the cajon is Peruvian?  The reporters asked. Then Maria Del Carmen began to state that «it was Paco de Lucia the one who after visiting Lima in the 70s, took the cajon to Spain and incorporated it into flamenco «.

Chime

In the five years of campaigning, Dongo has taught the art of the Cajon a thousand people, including children, youth, adults and seniors. The figure is surprising, but much more is the capacity of the percussionist to make it possible that even deaf-mute people play the instrument. This happened two years ago, when the Association of the Deaf convened her to prepare a Christmas performance by members of the institution. Thanks to her training as a music therapist, the drummer knew she should appeal to vibration, in a small place surrounded by glass, so that her new students felt the rhythm of the Cajon. «Some of them grasped the rhythmic pattern, others did not. Then I asked them to stand up, line up, and bow down their trunk forward. And then I started playing on their backs so that they could feel the ringing of the Alcatraz with the vibration of the ribcage. They learned after two rehearsals » She says.

From the consolidation of Cajon campaign, the percussionist began to explore other dimensions. One of them has been to use the Cajon in psychotherapeutic interventions with a technique called «rhythm therapy». After five years of work, Maria Del Carmen Dongo and Mano Madera seek to move the slogan «the Cajon is from Peru» to a different proposal, in which the sound potential of the instrument is highlighted. A sound not only for the rhythms of the coast, but also for the sierra and the forests.

Milagros Salazar –La Republica Journal (Diario La Republica, Peru)

Director, author and leading performer MariaDel Carmen Dongo
Manomadera Artists Jorge Garrido Leturia, Rocío Nicasio Aban, Jorge Enrique Garrido Martínez, Dangelo Baluarte Benavides, Olga Gallardo Aban, James Cueto Natteri, Graciela Barrera Huapaya, Teo Alejandro Bazul Pantoja
General production and management Cynthia Galicia Belaunzarán
Sound engineer Roberto Escobar Rivero
Stage and Lightning Technician Rodrigo Delgado Escuza
Stage manager Alexis Escuza Canayo 

A golpe de tierra (To the beat of earth) is rhythm, magic, dance, music and Afro-Peruvian Theater in one single show. As the Peruvian cajon is the protagonist of this staging, the aim of this concert is bringing to the world the great African influence that Peru has received since black slavery reached its shores, thus transforming the dance and rhythm in the region. This interactive show allows the viewer to become part of a great celebration of rhythm, where the barrier between the stage and the chair is broken. Take the plunge and touch culture!

Maria Del Carmen Dongo is the ambassador and major promoter of the Peruvian cajon all over the world. 25 years ago, the cajon became the primary means of expression in her international career as a percussionist. In between tours and workshops in 2001, the artist decided to leave the sought-after stages on which she performed together with renowned artists, so as to undertake the rescue and cultural diffusion of this instrument original from Peru. She succeeded in her campaign with the proclamation of the Cajon as Cultural Patrimony of the Nation by the National Institute of Culture of Peru and mobilizing an army of cajoneros who today spread the richness of this Peruvian symbol.

Manomadera emerged 12 years ago as the first percussion group in Peru. Manomadera: hands beating and bodies dancing on wood. This group is directed by MariaDel Carmen Dongo, who made ​​the Peruvian cajon available to the contemporary Afro-Peruvian music. Manomadera is composed of drummers, singers and dancers; all these artists bring rhythm to the audience so that they enjoy the taste and kimba of Afro-Peruvian music, while they are taught how to beat a Cajon as the artists perform dances from the Peruvian coast. The group has 30 active members.

Knock on wood

Behind the cultural crusade for rescuing of the Peruvian Cajon, there is a little known crossing. MariaDel Carmen Dongo, the percussionist who led this journey evokes some passages to the beats a cajonero produces: silence, counterpoint and chime. This is a prelude to the Day of the Creole Song.

Silence

In certain struggles for identity, there are illegitimate children. MariaDel Carmen Dongo often states that the campaign to recover the Cajon, which she started in 2001, was, precisely, a way of ‘forcing the State to recognize the Peruvian paternity of the instrument, so as to give it its real name’.  In other words, the aim was getting the Peruvian Cajon a birth certificate.

«It was not easy. There was much complicit silence. Few people wanted to engage in litigation by reporting that in Spain and the rest of the world they were marketing our Cajon as a Cajon flamenco”, she insists amid the hustle and bustle of her concert of October 31, with which she plans to close this first stage of five years of ongoing work.

Had I not joined her in her work of cultural diffusion, I would have believed she exaggerates. But she does not. I remember once, in the summer of 2001, we (very naively I think) reached the gates of Indecopi to find out the possibility of obtaining a patent that recognized the Peruvian origin of the Cajon. That morning, we learned that an instrument conceived as a product of the collective creation of a country could not be registered at Indecopi, that original patents do not exist and that they are granted to the individual who creates the object, not the whole nation.

A few days before the visit to Indecopi, Maria del Carmen presented herself before the Committee on Culture of the Peruvian Congress to tell our congressmen the importance of legally recognizing the Cajon as Peruvian: accompanied by Octavio Santa Cruz’ guitar, she played the famous piece

“Cuatro tiempos jóvenes negros” de by Felix Casaverde, a musical journey through all the rhythms of our coast: Vals, zamacueca, marinera, lando and festejo.

She spoke through the deep basses of wood, the brightness of the treble and also with silences. «When I finished playing, everyone applauded, but was told that it was impossible to bring forward a law to recognize the origin of the Cajon» she now recalls.

However, the first months of the campaign yielded a solid first result: in August 2001, the National Institute of Culture declared the Peruvian Cajon Cultural Heritage of the Nation, with the support of Luis Repetto.

Counterpoint

«On a stage, counterpoint means challenge and dialogue between the musicians. In other words, it means: This is us, what we have agreed upon and agree and this is how we sound together » says Maria Del Carmen. The figure serves to indicate that there was consensus in the campaign, but also resistance of some musical brotherhoods.

«I was criticized for calling young musicians, who were neither black nor women, to the stage. I wondered how it was possible that some people argued that only a black can tap the Cajon in a multiracial country. I decided to swim against the current”. Her group Manomadera, which was formed in October 2001, is the greatest proof of this diversity. Men and women; blacks, whites, Creoles, cholos. As Cynthia Galicia, a Mexican that accompanies her in this task on and offstage, I am one of the members of this group of different colors and sounds. And in that mix, I say, there is a powerful way to feel the music.

All in all, Dongo and the group were summoned by Promperú to represent the country, first in Brazil and then in Spain, at the famed Fitur tourism festival which opened with a Cajon chime to the Kings of Spain.

Mano Madera’s Visit wowed Madrid media. «Tell us, how is it that the cajon is Peruvian?  The reporters asked. Then Maria Del Carmen began to state that «it was Paco de Lucia the one who after visiting Lima in the 70s, took the cajon to Spain and incorporated it into flamenco «.

Chime

In the five years of campaigning, Dongo has taught the art of the Cajon a thousand people, including children, youth, adults and seniors. The figure is surprising, but much more is the capacity of the percussionist to make it possible that even deaf-mute people play the instrument. This happened two years ago, when the Association of the Deaf convened her to prepare a Christmas performance by members of the institution. Thanks to her training as a music therapist, the drummer knew she should appeal to vibration, in a small place surrounded by glass, so that her new students felt the rhythm of the Cajon. «Some of them grasped the rhythmic pattern, others did not. Then I asked them to stand up, line up, and bow down their trunk forward. And then I started playing on their backs so that they could feel the ringing of the Alcatraz with the vibration of the ribcage. They learned after two rehearsals » She says.

From the consolidation of Cajon campaign, the percussionist began to explore other dimensions. One of them has been to use the Cajon in psychotherapeutic interventions with a technique called «rhythm therapy». After five years of work, Maria Del Carmen Dongo and Mano Madera seek to move the slogan «the Cajon is from Peru» to a different proposal, in which the sound potential of the instrument is highlighted. A sound not only for the rhythms of the coast, but also for the sierra and the forests.

Milagros Salazar –La Republica Journal (Diario La Republica, Peru)

Director, author and leading performer MariaDel Carmen Dongo
Manomadera Artists Jorge Garrido Leturia, Rocío Nicasio Aban, Jorge Enrique Garrido Martínez, Dangelo Baluarte Benavides, Olga Gallardo Aban, James Cueto Natteri, Graciela Barrera Huapaya, Teo Alejandro Bazul Pantoja
General production and management Cynthia Galicia Belaunzarán
Sound engineer Roberto Escobar Rivero
Stage and Lightning Technician Rodrigo Delgado Escuza
Stage manager Alexis Escuza Canayo 

Taller: Golpe a guerra: danza afro-peruana
Taller: A golpe de guerra: cajón peruano 

La ópera tradicional china, o jingju, Hamlet (La venganza del Príncipe Zi Dan) es una adaptación de una de las obras más famosas de Shakespeare. La historia se sitúa en el Reino de la Ciudad Roja, un estado imaginario de tiempos antiguos. Inmediatamente después de la repentina muerte del rey Yong Bo, su joven hermano Yong Shu se casa con la reina Jiang Rong, su “en ocasiones” hermana, y así asciende al trono. Entonces, Zi Dan, el príncipe, se entera mediante el fantasma de su fallecido padre que fue su hermano quien lo asesinó y sedujo a su madre. Se desilusiona completamente de la realidad. Reflexiones sobre el pecado y la existencia lo arrojan a un abismo de creciente perplejidad.

Como una adaptación de la tragedia, la obra funde técnicas teatrales de Oriente y Occidente, tendiendo un diálogo entre las dos grandes culturas. Hamlet (La venganza del Príncipe Zi Dan) se esfuerza por convertir una obra de otra cultura en una obra jingju. La puesta en escena se apega fielmente a las reglas de la estética teatral china, famosa por su representación concisa pero llena de significados. Por otra parte, la obra explora los alcances de las técnicas actorales. Los personajes realizan sus escenas con los clásicos movimientos elegantes, dando paso a una economía poética, la elusión y la exactitud.

Shi Yukun, se formó como actor marcial y hoy es el principal director de la Jiangsu Jingju Company. Ha dirigido numerosas espectáculos de las óperas de Pekín, Kunqu y Yueju. Shi Yukun se maneja en todos los ámbitos de la Ópera de Pekín, capta el alma de su estética y busca nuevas formas para expresar los temas de las obras. A pesar de fundarse en la estética tradicional china, sus trabajos contienen elementos modernos que se ajustan el gusto del público actual, fundiendo tradición y creación.

La Shanghai Jingju Company es una de las más prominentes compañías de China dedicadas a la ópera de Pekín. Fue creada en 1955, emergiendo del Donghua Experimental Peking Opera Group y el People Peking Opera Group, subordinados al Ministerio de Propaganda de Shanghai. Durante más de medio siglo, alimentada por una especial atmósfera humanista, la Shanghai Jingju Company ha forjado un estilo único y se ha posicionado como una compañía de primer nivel con grandes talentos y numerosas producciones. Hoy, no sólo continúan con el espíritu original de la ópera de Pekín, intentando combinar modernidad y tradición. Su trabajo se ha centrado en desarrollar textos, formar talentos y popularizar el género de la ópera de Pekín. Con más de 300 integrantes, dos elencos y dos escenarios, el grupo tiene un sistema de creación, producción, interpretación y promoción de sus espectáculos en todo el mundo.

Director Shi Yukun
Director musical Sun Chongliang
Actores Fu Xiru, Chen Yu, Zhu Heji, Gu Dianju, Liu Tao, Yin Yuzhong, Wang Dun, Guo Ruiyue, Zhao Huan, Geng Lu, Guo Shiming, Li Xiaoyang, Gu Liang, Cao Jin, Zhu Zhongyong, Wang Guojian, Zhou Chunguang
Músicos Zhou Xiaoming, Liu Shu, Mao Shiming, Shen Meigao, Zhang Jie, Zou Shuangjie, Liu Lei, Wang Jiaqing, Du Minming, Hu Liang
Sonidista Cheng Lin
Vestuario Zhou Zhonggen, Chen Qingyi, Wu Yue, Cui Genfa
Maquillaje Shen Jinnan
Técnicos Sun Hao, Zhu Jizhang
Subtítulos Zhang Lihua 

Taller La estética de la ópera china

Newly edited Jingju The Revenge of Prince Zi Dan, is adapted from one of the most famous Shakespearean plays, Hamlet. The story is set in the Realm of Red City, a fictitious state in ancient times. Immediately after the sudden death of the king Yong Bo, his younger brother Yong Shu marries the queen Jiang Rong, his “sometime sister” and ascends the throne. Then Zi Dan, the prince, learns from the ghost of his late father that it was his uncle who murdered his father and seduced his mother. So he becomes utterly disillusioned with reality. Meditations on sins and existence throw him into the abyss of growing perplexity.

As an adaptation from the Bardic tragedy, the play blends the Eastern and the Western theatrical features and makes a dialogue between the great cultures of the Orient and the Occident. The Revenge of Prince Zi Dan is a serious attempt to convert a foreign play to a Jingju play. The stage presentation strictly follows the rules of Chinese dramatic aesthetics, which is famous for its succinct yet meaningful depiction and resemblance. Besides, the play further explores the capacity of traditional performing skills. Characters enact their scenes with classical graceful movements. Thus a style of poetical economy, elusiveness and exactness is “born”.

Shi Yukun, the first class director in Jiangsu Jingju Company, who once was the martial actor of Peking Opera. He directed many plays such as modern Peking Opera Camel Xiang Zi, new adapted play the Poem for Goddess Luo and some other Kunqu Opera and Yueju Opera. Shi Yukun knows all kinds of producing ways of Peking Opera, grasps the soul of performing aesthetics, and is good at exploiting new way to express the theme of a play. What he directed inherited formalized drama system, but was not limited by it. Based on traditional Peking Opera, his works adopted some modern ways to fit today’s audiences’ taste, with both tradition and creation.

As a prominent art company in China, Shanghai Peking Opera Troupe, established in March 1955 on the basis of Donghua Experimental Peking Opera Group and People Peking Opera Group, subordinate to CPC Shanghai Ministry of Propaganda, is one of ten national key Peking opera troupes entitled by China Ministry of Culture. For more than half the century, fed by the special humanistic atmosphere, Shanghai Peking Opera Troupe has formed its unique art style and made itself a top culture troupe with a wealth of talents and numerous plays.

Nowadays, Shanghai Peking Opera Troupe not only inherits and follows traditional spirits of Peking Opera but also tries every means to combine modernity and tradition. We have been working on the development of scripts and talents. Besides, how to popularize Peking Opera and develop larger performance market is our focus. With more than 300 staff, two performing groups, Tianchan Peking Opera Center and Tianchan Yifu Stage, our troupe has formed a set of managing and operating system. Creating, producing, performing and promoting, a standardized team is on the way. Giving performances frequently abroad as well as home, Shanghai Peking Opera Troupe spreads culture and friendship all over the world.

Director Shi Yukun
Leader Sun Chongliang
Actors Fu Xiru, Chen Yu, Zhu Heji, Gu Dianju, Liu Tao, Yin Yuzhong, Wang Dun, Guo Ruiyue, Zhao Huan, Geng Lu, Guo Shiming, Li Xiaoyang, Gu Liang, Cao Jin, Zhu Zhongyong, Wang Guojian, Zhou Chunguang
Musicians Zhou Xiaoming, Liu Shu, Mao Shiming, Shen Meigao, Zhang Jie, Zou Shuangjie, Liu Lei, Wang Jiaqing, Du Minming, Hu Liang
Soundman Cheng Lin
Costume Zhou Zhonggen, Chen Qingyi, Wu Yue, Cui Genfa
Makeup Shen Jinnan
Technicians Sun Hao, Zhu Jizhang
Subtitle Zhang Lihua 

Taller La estética de la ópera china 

Stifters dinge (Las cosas de Stifter) es una composición para cinco pianos sin pianistas, una obra sin actores, una performance sin performers. Se podría decir, un espectáculo sin personas. Primero y principalmente es una invitación al público a entrar en un fascinante espacio de sonidos e imágenes, una invitación a ver y escuchar. El espectáculo explora la conciencia de cosas que en teatro suelen ser parte de la escenografía o sirven de utilería, con un rol meramente decorativo. Aquí se vuelven protagonistas: luz, fotos, murmullos, sonidos, voces, viento y neblina, agua y hielo.

Como el título sugiere, el trabajo remite  a los textos de Adalbert Stifter, autor romántico de principios del siglo XIX. Stifter escribía poniendo tanta atención a los detalles como lo haría un pintor. Sus tramas, con una meticulosa descripción de la naturaleza, prueban su respeto por las cosas: pasajes descriptivos obligan al lector a enlentecer el ritmo de lectura y darse cuenta de cada detalle. Las cosas y la materia cuentan su propia historia, mientras los personajes son a menudo metidos en la trama sin ser sujetos soberanos de sus historias. Los aspectos más contemporáneos y radicales del trabajo de Stifter se evidencian en su intencional enlentecimiento y repeticiones rituales, particularmente significativas para el lector actual.

Stifters dinge se inspira en su proceso de escritura, sin buscar poner en escena sus historias ni los objetos que él describía. La performance/instalación toma su texto como una confrontación con lo desconocido y las fuerzas que los hombres no dominan, como un ruego por adoptar otros criterios y juicios diferentes a los nuestros, e incluso como una oportunidad para reconciliarnos con referentes culturales que no nos son familiares, particularmente en el campo de los desastres ecológicos, los cuales Stifter ya imaginó con su habitual ojo para los detalles.

Heiner Goebbels es compositor y director alemán, nacido en 1952. Graduado de sociología. En música crea teatro musical, conciertos actuados, trabajos de radio, composiciones para grupos y grandes orquestas. Como compositor colabora con las mejores grupos y orquestas (Ensemble Modern, London Sinfonietta, Orchestra of the Age of Enlightenment, Berlin Philharmonics) y directores de orquesta (LotharZagrosek, Sir Simon Rattle, Peter Eötvös, Peter Rundel y muchos otros).

Desde comienzos de los 90 ha compuesto y dirigido trabajos de teatro musical únicos y reconocidos, como Black on White (1996), Max Black (1998), Eislermaterial (1998), Hashirigaki (2000), Landscape with distant relatives (2002), Eraritjaritjaka (2004), Stifters Dinge (2007), Songs of Wars I have seen (2007), I went to the house but did not enter (2008), entre muchos otros, casi todos producidos por el Theatre Vidy Lausanne, e invitados a los más importantes festivales de teatro y música de Europa, Estados Unidos, Sudamérica, Australia y Asia.

Goebbels es profesor del Instituto de Estudios Teatrales Aplicados de la Universidad de Giessen y desde 2006 es presidente de la Academia de Teatro de Hesse. Entre 2012 y 2014 será director artístico del Festival Internacional de Artes Ruhrtriennale. Sus trabajos discográficos han sido dos veces nominado a los premios Grammy y en 2012 Goebbels recibió el Premio Ibsen, uno de los más prestigiosos premios de teatro en el mundo.

Este espectáculo experimental ha sido llamado de muchas formas: una instalación escultórica, una composición performática, una pieza para piano sin pianistas, una obra sin actores, un show sin hombres. Su atención está puesta en los objetos que usualmente forman parte del fondo, la utilería o partes del escenario. Bajo la dirección de Goebbels, uno de los exponentes más destacados de la música y el teatro contemporáneo del mundo, el foco está en la mecánica de la producción. ‘Normalmente, el teatro refleja lo que ya sabemos’, dice Goebbel. ‘Pero eso me parece aburrido. Por cientos de años, los actores han estado en el centro del escenario. Pero olvidamos que allí hay otras cosas que también tienen significado’ (…) Con sus aguas humeantes, sus retratos de un clima terrible, la ausencia de gente y una voz que lee una descripción que hacía Stifter de puntas de hielo bombardeando una expedición en trineos, es fácil interpretar este trabajo como un comentario sobre la amenaza del desastre ecológico.

Kate Connolly – The Guardian (Reino Unido)

A lo largo de los últimos años, Heiner Goebbles se ha establecido como uno de los más brillantemente innovadores creadores de Europa. Su nuevo trabajo, Stifters dinge, fusiona música clásica, jazz e indígena con imágenes, textos e instalaciones escultóricas (…) Despliega una secuencia de imágenes que dejan sin aliento protagonizadas por cinco pianos desnudados hasta la médula y suspendidos, por un paisaje alemán idílico, por un lago sulfúrico y por un lote de maravillas tecnológicas (…) La gloria de este enriquecedor trabajo es que puedes entenderlo de muchas formas: una interpretación ecológica podría ser convincente. El alcance total de esta concepción –desde lo primitivo a lo futurista, abarcando lo campestre y lo industrial- invita a la multiplicidad de lecturas. La prodigiosidad del concepto visual (Klaus Grünberg) y la increíble hechicería tecnológica ayudan a transforman este espectáculo en algo que resuena por largo tiempo en la cabeza.

Barry Millington – Evening Standard

Al promocionar Stifters dinge, el Lincoln Center se ha rehusado a revelar demasiada información sobre la obra, la cual es en partes iguales una performance musical, una presentación teatral, una instalación de art y un espacio medioambiental. Ahora que he visto este extraño y cautivante trabajo, puedo entender la precaución del equipo de relaciones públicas del Lincoln Center. No significa que la experiencia de Stifters dinge quedará arruinada para el público que escuche descripciones de ella. Se trata de que Heiner Goebbels, compositor alemán creador de piezas musical-teatrales poco convencionales y de este trabajo, no quiere que la gente llegue con una idea preconcebida de lo que están a punto de experimentar.

Anthony Tommasini – The New York Times

La puesta en escena, realizada en conjunto con Klaus Grünberg, se mueve, cambia y desafía  constantemente. Trata sobre las disparidades: piscinas de agua burbujeante, lluvia, nieve, hielo, esculturas de desechos, fachadas industriales, teclados deconstruidos, ramas estilizadas, luces tristes, humo espeluznante y paisajes pintorescos. La tecnología en escena es asombrosa -imaginen a Rube Goldberg en ácido- aunque los técnicos sean invisibles (…) La urgencia intelectual de Stifters dinge disminuye a medida que este mosaico expresivo se expande. Obviamente aquí hay mucho más que lo evidente para los ojos y oídos, seguro más que un ingenuo lamento por la naturaleza en decadencia. El mensaje final permanece difuso. Pero Goebbels se las arregla para mantener su foco brillante, su vocabulario valiente y su imagen seductora. Para 70 mágicos minutos, es más que suficiente.

Martin Bernheimer – Financial Times

Stifters dinge es una recreación de una naturaleza que escapa al hombre. Y le atrapa, aunque no de una manera perceptible y rotunda como lo hacía el universo de Eraritjaritjaka. El de este montaje es más íntimo, más huidizo. En cualquier caso, tras la representación, tanto los espectadores atrapados como los que no se agrupan alrededor de ese dispositivo escénico para averiguar cómo funciona ese calculado conjunto. Y es que finalmente Stifters dinge es también una instalación conceptual.

Begoña Barrena – El País (España)

Idea, música y dirección Heiner Goebbels
Escenografía, iluminación y video Klaus Grünberg
Colaboración musical / programación Hubert Machnik
Diseño de sonido Willi Bopp
Colaboración artística Matthias Mohr
Con la colaboración artística y técnica del equipo del Théâtre Vidy-Lausanne
Dirección de escena Nicolas Bridel
Técnico de luces Roby Carruba
Video Stéphane Janvier
Robótica Thierry Kaltenrieder
Asistencia y supervisión musical Matthias Mohr
Asistencia de dirección de escena Jean-Daniel Buri, Fabio Gaggetta
Jefe en gira Elizabeth Gay
Dirección técnica Michel Beuchat
Producción ejecutiva ThéâtreVidy-Lausanne
Coproductores Spielzeit’europa I Berliner Festspiele, Grand Théâtre de Luxembourg, Schauspiel Frankfurt, T&M –Théâtre de Gennevilliers/CDN, Pour-cent culturel Migros
Co-comisionada por Artangel (Londres)
Gira con el apoyo de Pro Helvetia 

Clase magistral con Heiner Goebbels: The drama of the media, el teatro como experiencia.

Stifters Dinge (Stifter’s Stuff) is a composition for five pianos with no pianists; a play without actors, a performance without performers. Indeed, it might be said it is a show without people. First and foremost, it is an invitation to the public to enter a fascinating space of sounds and pictures, an invitation to see and hear. The show explores the consciousness of things that in theater are often part of the set or are used props, thus with a merely ornamental role. Here light, photos, murmurs, sounds, voices, wind and fog, water and ice become the leading performers.

As the name suggests, the work refers to the texts of Adalbert Stifter, a romantic author of the early nineteenth century. Stifter wrote his works paying as much attention to detail as would do a painter. His plots, written with a thorough description of nature, evidence his respect for things: the descriptive passages force the reader to slow down the reading pace and grasp every detail. Things and stuff tell their own history, while the characters are often stuck in the plot without being self-governing subjects of their stories. Most contemporary and radical aspects in Stifter’s work are evident in the intended deceleration of his narrative and ritual repetitions, particularly significant for the modern reader.

Stifters Dinge is inspired in his writing process, without seeking to stage neither his stories nor the objects he described. Instead, the performance / installation takes his text as a confrontation with the unknown and the forces men are unable dominate, as a plea to adopt other criteria and judgments different from ours, and even as an opportunity to come to terms with cultural references weare not familiar with, particularly in the field of ecological disasters, which Stifter already envisioned with his usual eye for detail.

Heiner Goebbels is a German composer and director born in 1952. Graduate in sociology. He creates music theater productions, acted concerts, radio works, compositions for groups and big bands. As a composer, he works with the best bands and orchestras (Ensemble Modern, London Sinfonietta, Orchestra of the Age of Enlightenment, Berlin Philharmonics) and conductors (Lothar Zagrosek, Sir Simon Rattle, Peter Eötvös, Peter Rundel among many others).

Since the early 90s he has composed and directed unique and recognized theater works, such as Black on White (1996), Max Black (1998), Eislermaterial (1998), Hashirigaki (2000), Landscape with distant relatives (2002), Eraritjaritjaka (2004), Stifters Dinge (2007), Songs of Wars I have seen (2007), I went to the house but did not enter (2008), among many others, almost all of them produced by the Théâtre Vidy Lausanne. He has also been invited to the major theater and music festivals in Europe, USA, South America, Australia and Asia.

Heiner Goebbels works as a professor at the Institute for Applied Theatre Studies of the Justus Liebig University in Giessen (Germany) and is President of the Theatre Academy Hessen. From 2012 to 2014 he is the artistic director of the International Festival of the Arts Ruhrtriennale. His works have been twice nominated for the Grammy Awards, and in Goebbels received the 2012 Ibsen Award, one of the most prestigious theater prizes in the world.

“The experimental show has been called many things – a sculptural installation, a performative composition, a piano piece without pianists, a play without players, a no-man show. Its attention is on the objects that would usually form the background, the props or parts of the set. Under the direction of Goebbels, one of the world’s leading exponents of contemporary music and theatre, it is the mechanics of the production that become the work’s focus. ‘Normally, theatre mirrors that which we already know,’ Goebbels says. ‘But I think that’s boring. For hundreds of years, the actors have been centre stage. But we forget there are other things that also have a meaning.’(…)

With its ominous steaming waters, its portrayals of dramatic weather, the absence of people, and a voiced Stifter description of melting icicles bombarding a sledging expedition, it is easy to see the work as a comment on the threat of environmental disaster.”

Kate Connolly – The Guardian (UK)

“Over the past few years, Heiner Goebbels has established himself as one of the most brilliantly innovative creators in Europe. His new work, Stifter’s Dinge, typically fuses classical, jazz and traditional indigenous music with visuals, text and sculptural installation (…) unfolds a sequence of breathtaking imagination featuring five pianos stripped to their guts and suspended, an idyllic German landscape, a sulphurous lake and a plethora of technological marvels (…) The glory of this richly comprehensive work is that you can understand it in many ways: an ecological interpretation would be equally convincing. The sheer scope of the conception — from the primeval to the futuristic, taking in the pastoral and the industrial — invites a multiplicity of readings. The prodigality of the visual concept (Klaus Grünberg) and the stupefying technological wizardry help make this show something that resonates long after in the mind.”

Barry Millington – London Evening Standard

“In its promotion of Stifters Dinge, Lincoln Center has been reluctant to reveal too much about the piece, which is equal parts musical performance, theatrical presentation, art installation and environmental space. Now that I have seen this strange and captivating work, which opened at the Park Avenue Armory on Wednesday night as part of Lincoln Center’s boundary-blurring New Visions series, I can understand the wariness of the public-relations department. It is not that the experience of “Stifters Dinge” will be spoiled for audiences by hearing it described in advance, as I am about to do. But Heiner Goebbels, the German composer and creator of unconventional music-theater pieces, who conceived, composed and directed the work, does not want people to arrive with some fixed idea of what they are going to experience.”

Anthony Tommasini – The New York Times

“The setting, realised in conjunction with Klaus Grünberg, moves constantly, shifts constantly, challenges constantly. It deals in disparities: pools of bubbly water, rain, snow, ice, junk sculptures, industrial façades, deconstructed keyboards, stylised branches, moody lights, spooky smoke and painterly panoramas. The technology on display is staggering – think Rube Goldberg on acid – though the technicians are invisible (…) The intellectual urgency of Stifters Dinge somehow diminishes as the expressive mosaic expands. Obviously there is more here than immediately meets the eye and ear, certainly more than a naive lament for nature in decay. The ultimate message remains vague. But Goebbels manages to keep his focus bright, his vocabulary brave and his appeal sensual. For 70 magical minutes it is enough.”

Martin Bernheimer – Financial Times

«Stifters dinge is a recreation of nature beyond man. And it catches him, although not as visibly and completely as the Eraritjaritjaka universe did. This staging is more intimate, more elusive. In any case, after the performance, both the ensnared viewers and the unmoved ones gather around the scenic device as to figure out how that calculated arrangement works. For ultimately, Stifters dinge is also a conceptual installation.»

Begoña Barrena – El País (Spain)

INFORMATION SHEET

Concept, Music y Direction Heiner Goebbels
Setting, Lightning and Video Klaus Grünberg
Music Collaboration/Programming Hubert Machnik
Sound Design Willi Bopp
Artistic Collaboration Matthias Mohr
With artistic and technical collaboration by Théâtre Vidy-Lausanne
Stage Director Nicolas Bridel
Lightning Technician Roby Carruba
Video Stéphane Janvier
Robotics Thierry Kaltenrieder
Assistant Music and Supervisor Matthias Mohr
Assistant Stage Director Jean-Daniel Buri, Fabio Gaggetta
Tour Manager Elizabeth Gay
Technical Director Michel Beuchat
Executive Production ThéâtreVidy-Lausanne
Coproducers Spielzeit’europa I Berliner Festspiele, Grand Théâtre de Luxembourg, Schauspiel Frankfurt, T&M – Théâtre de Gennevilliers/CDN, Pour-cent culturel Migros
Co-commissioned by Artangel (Londres)
Tour sponsored by Pro Helvetia SCENIC LAB

Master class with Heiner Goebbels: The Drama of The Media.

Babooshka, canciones de mujer tiene como hilo conductor la voz y el cuerpo de Carlos Casella interpretando una historia de amor-desamor, tan propia como ajena, a través de un rosario de canciones de mujeres. El cantante trae a escena la historia viva de reencuentros  y desencuentros en un repertorio tan ecléctico que va desde Besos Brujos de Libertad Lamarque hasta La Gata Bajo la Lluvia de Rocío Dúrcal, pasando por Passione en la versión de Mina y temas de Britney Spears o Björk, para terminar con Todos Me Miran de Gloria Trevi. El intérprete navega en el mar emocional de los singulares y, junto con sus músicos Onetto, Rainone, Flores y Terán, lleva la barca con brazo ágil a puertos mágicos y dulces ambigüedades. 

Carlos Casella es coreógrafo, cantante y director teatral. Miembro fundador del grupo de danza-teatro El Descueve, uno de los más trascendentes conjuntos de Argentina. Integrante de De La Guardia, compañía original que realizó el espectáculo Villa-Villa. Reconocido coreógrafo, es habitual colaborador de directores como Javier Daulte, Alejandro Tantanian, Alejandro Maci y  José María Muscari.

En el plano internacional, protagonizó la obra Tatuaje, estrenada en París y Buenos Aires, rol que le mereció el Premio ACE 2011 al Mejor Actor de Musical. En 2009 estrena Babooshka, canciones de mujer en el Konex, y en 2011 la reestrena en el Maipo Kabaret de Buenos Aires. Por ella gana el Premio ACE 2012 al Mejor Café Concert. Como cantante participó en los soundtracks de Hermosura, Patito feo y Tres tangos. Su último disco se titula Carlos Casella Canciones de Mujer. Como director teatral creó Corazón idiota y Vacaciones en la oscuridad. En la actualidad trabaja con Alfredo Arias en su espectáculo El Tigre, a estrenarse en diciembre de 2013 en París. 

“Da cuerpo a estas canciones que en su totalidad tejen una dramaturgia interna sobre el amor de mujer, cantada por una voz de varón…hace lo que pocos se atreven con convicción y una enorme libertad interna”. Alejandro Cruz – La Nación.

“El humor, el dramatismo o el erotismo se suceden de acuerdo a lo que cada tema propone. Y a eso, Casella siempre le ofrece un plus (…) La Gata Bajo la Lluvia, Tatuaje, Siboney y Besos Brujos son algunos de los temas que le permiten recrear personajes, escenas y sensaciones. Y pasar de uno a otro con fluidez como si se tratara en realidad de una sola y única canción”. Sandra Commisso – Clarín.

“Acompañado por una magnífica formación de piano, contrabajo, percusión y violín, hilvana un exquisito show (…) Casella le pone el cuerpo a cada momento bailando, insinuando, jugando con elegancia en el terreno de lo ambiguo. En suma se trata de un imperdible espectáculo”. Matías Chamorro – Revista 23.

“Un espectáculo que se impone con estilo personal y buen gusto. Para relajarse y disfrutar de la puesta con canciones que se rescatan y se les da un nuevo valor. Interesante y seductora propuesta de Carlos Casella para deleite del público en una sala que da cobijo a la idea y recibe con calidez al espectador”. Marysol Falbo – CríticaTeatral.com

Voz Carlos Casella
Viola y clarinete Alejandro Terán
Piano Pedro Onetto
Contrabajo Nicolás Rainone
Batería Facundo Flores
Temas versionados y adaptados por Carlos Casella y Alejandro Terán
Diseño de iluminación Paula Fraga
Dirección musical Alejandro Terán
Vestuario Sr. Carlos Casella Pablo Ramírez
Producción Mariana Sánchez

Babooshka, Canciones de Mujer has the voice and the body of Carlos Casella as a central theme. He performs a love –hate story, which is as much his own as that of others, through a string of female songs. The singer brings on stage the living history of encounters and disagreements in such an eclectic repertoire that ranges from Besos Brujos by Libertad Lamarque to La Gata Bajo la Lluvia by Rocio Durcal, going through Passione in Mina’s version and songs by Britney Spears and Björk, to finally end with Todos Me Miran by Gloria Trevi. The performer navigates the emotional sea of the unique and, together with his musicians such as Onetto, Rainone, Flores and Teran; he nimbly takes the boat to magic ports and sweet ambiguities.

Carlos Casella is a choreographer, singer and theater director. He was a founder member of the dance-theater group El Descueve, one of the most significant collectives in Argentina. Casella is also member of De La Guardia, an original company that made ​​the show Villa -Villa. Being a renowned choreographer, he is a regular collaborator of directors such as Javier Daulte, Alejandro Tantanian, Alejandro Maci and Jose María Muscari.

At the international level, he starred the play Tatuaje (Tattoo), which was premiered in Paris and Buenos Aires, a role that won him the 2011 ACE Award for Best Actor in a Musical. In 2009 he released Babooshka, Canciones de Mujer in Konex, and in 2011 he restaged it at the Maipo Kabaret in Buenos Aires. By 2012 he won the ACE Award for Best Café -Concert.  As a singer, he has contributed in the soundtracks of Hermosura, Patito Feo and Tres tangos. His latest album is titled Carlos Casella Canciones de Mujer. As a theater director, he created Corazón Idiota and Vacaciones en la Oscuridad. Currently, he is working with Alfredo Arias in his show El Tigre, premiering in December 2013 in Paris.

«This show embodies these songs that, together, weave an inner drama about the love of woman sung by a male voice…Casella does what few would dare to do, with conviction and enormous internal freedom.»

Alejandro Cruz – The Nation.

«Humor, drama or eroticism come one after the other according to what each song proposes. And to that, Casella always adds more (…) La Gata Bajo la Lluvia, Tatuaje, Siboney and Besos Brujos are some of the tunes that allow Casella to recreate characters, scenes and sensations. And, what is more, he is able to go from one another seamlessly as if they were actually one and the same song. »

Sandra Commisso – Clarin.

«Featured by a superb line-up of piano, bass, percussion and violin, Casella weaves an exquisite show ( … ) At all times, he gives his show a body by dancing, insinuating , playing with elegance in the realm of the ambiguous. In short, this is a must-see show. »

 Matías Chamorro – Magazine 23.

«This is a show that stands out for its personal style and good taste. It is meant to relax while enjoying the staging of songs that are rescued and given a new value. A very Interesting and seductive proposal made by Carlos Casella to delight the crowd in a room which houses the idea and warmly welcomes the viewer. »

MarysolFalbo – CríticaTeatral.com 

Voice Carlos Casella
Viola and clarinet Alejandro Terán
Piano Pedro Onetto
Double BassNicolás Rainone
Drums Facundo Flores
Songs covered and adapated by Carlos Casella y Alejandro Terán
Lightning Design Paula Fraga
Music DirectorAlejandro Terán
Wardrobe(Carlos Casella) Pablo Ramírez
Production Mariana Sánchez 

Un espectáculo itinerante de calle creado a partir de una rueda de 4 metros de altura. Hasta aquí, todo normal. Lo sorprendente, lo mágico, es que esta rueda tiene sólo 15 centímetros de ancho, como si se tratara de una descomunal galleta de hierro en cuyo interior tres músicos, envueltos en sus respectivos círculos metálicos, giran durante el rodar que se produce por el pedaleo de dos actores en bicicleta. Rodafonio no es únicamente un elemento escenográfico imponente. Es un cuento urbano, un viaje onírico y fantástico. La unión perfecta entre técnica, dramaturgia y música.

César Álvarez Bayer es colombiano, residente en Barcelona desde 1992. Miembro-fundador de la Asociación Cultural Palo q’ Sea (Colombia), que desarrolló parte de sus creaciones teatrales en Barcelona y giró por todo el mundo con su espectáculo Rompe Candela. Álvarez es inventor, constructor de ingenios y percusionista. Ha trabajado con diversas compañías de teatro y música de Latinoamérica y Europa, entre ellas, Teatro Bekereke, Els Comediants y famoso El Teatro de los Sentidos de Enrique Vargas. En 2010 funda Factoría Circular para construir los ingenios de su imaginación para las artes urbanas. Tiene otros proyectos en perspectiva, como Feria de los inventos.

Factoría Circular es una compañía de artes urbanas creada en el 2010 por dos  artistas y creadores, César Álvarez y Andrea Cerchiaro, en el ámbito del teatro y la música de calle. El interés de los creadores es realizar espectáculos a partir de ingenios imposibles. Rodafonio es la primera creación de Factoría Circular, una ópera prima llena de experiencia y del bagaje de sus creadores. Para Factoría Circular, el éxito de Rodafonio implica nuevos retos dentro de la temática de la escenografía urbana y la musical, incorporando diferentes disciplinas artísticas, innovando en la forma de presentarlas al público y con puestas en escena inéditas.

La música ya rueda por Granada

Una rueda de cuatro metros de altura a lomos de la que cabalgan un saxo, un batería y un guitarra, impulsada a pedales por dos actores. Media tonelada de metal equipada con sus propias luces y altavoces, que recorrió las calles de Granada, desde el Paseo del Salón hasta las puertas de la mismísima Catedral en las Plazas de las Pasiegas, congregando a una grupo de más de cien curiosos, entre granadinos y turistas, que disfrutaban de la música al tiempo que no acababan de creerse del todo lo que estaban viendo.

El ingeniero colombiano César Álvarez es el responsable de este original diseño, para el que el grupo ha diseñado específicamente cada tema y que va acompañado de la representación de los dos ‘ciclistas’. El grupo al completo es de origen colombiano, aunque trabaja y vive en Barcelona y ha visitado con su particular y única en el mundo ‘rueda musical’ diferentes ciudades de España desde que en 2011 echase a andar el proyecto (…) Los actores a los pedales, Jaime González y Eduardo Valera, atisbaban el horizonte con un periscopio improvisado mientras con los sombreros animaban a la gente a seguirlos o apartarse.

El Rodafonio de la Compañía Factoría Circular es uno de los números más espectaculares del FEX, la extensión del Festival de Música y Danza 2013, que desde el pasado lunes 17 ya recorre las calles de Granada con diferentes actuaciones. Aunque la Compañía Factoría Circular ya había acudido en varias ocasiones a la ciudad nazarí, es la primera vez que lo hace con el que ya es su número más popular.

José A. Cano – El Mundo (Granada)

Mucha música, fuego y transportes estrambóticos

La Rodafonio es una enorme rueda de metal, construida por César Álvarez, del grupo de teatro catalán compañía Factoría Circular. Cinco hombres se sientan dentro de la estructura de hierro forzado, que mide más de dos metros de altura. Mientras los dos en las alas de la máquina pedalean, los otros tres crean música. Tocan saxofón, batería y guitarra y dan giros mientras la gran rueda avanza. Los ojos de una pequeña, disfrazada de india, se ponen como platos al ver el rodafonio pasar. Su padre comenta que es originalísimo. La india, Helena, con H, preguntada por su veredicto sobre tal cosa, opina tímidamente que “nada”, pero su sonrisa lo dice todo. Está encantada.

Diario El País (Madrid)

Compañía Factoría Circular
Idea, construcción y dirección César Álvarez Bayer
Asistente de dirección y producción Andrea Cerchiaro
Actores César Álvarez Bayer, Andrea Cerchiaro
Músicos Cecilia Gebhard (guitarra), Facundo Agustín Vacarezza (trombón), Gonzalo Suárez (batería)
Composición musical Rodrigo Spagnuolo “Pilu”
Producción Factoría Circular
Difusión y management Drom – Carmina Escardó
Coproducción Factoría Circular, Drom
Apoyos Association Strass – Perpignan, Fira de Tàrrega,  ICUB-Barcelona Festes de la Mercè, Institut Ramon Llull
Patrocinios Institut Llull, Drom 

An itinerant street performance created from a wheel of 4 meters high. So far, nothing new under the sun. The amazing, the magical thing  is that this wheel is only 15 centimeters wide, as if it were a huge iron cookie with three musicians inside, wrapped in their respective metal circles, who rotate during the bowling produced by two pedaling actors. Rodafonio is not only a stunning theatrical element; it is an urban tale, a dreamlike journey. The perfect blending of art, drama and music.

César Álvarez Bayer is Colombian and lives in Barcelona since 1992. He is a founder member of the Cultural Association Palo q ‘Sea (Colombia), which developed some of their theatrical creations in Barcelona and toured around the world with their show Rompe Candela. Alvarez is an inventor, artifact builder and percussionist. He has worked with various theater and music companies of Latin America and Europe, including Teatro Bekereke, Els Comediants and Enrique Vargas’ famous Teatro de los Sentidos (Theatre of the Senses). In 2010 he formed Factoria Circular in order to build the artifacts his imagination has conceived for urban arts. Additionally he has other projects underway, for example Feria de los inventos (Fair of Inventions).

Factoria Circular is an urban arts company founded in 2010 by two artists and creators, Cesar Alvarez and Andrea Cerchiaro, who work in the field of theater and street music. The aim of these creators is to perform shows out of impossible inventions. Rodafonio is Factoria Circular’s opening creation, a first work instilled with the experience and background of its creators. For Factoria Circular, Rodafonio’s success raises new challenges in the field of urban and musical performance as it incorporates various artistic disciplines and innovates in the way of presenting them to the public through an unprecedented staging.

Music is rolling along Granada

A 4-meter wheel on which a saxophone, drums and guitar ride along as they are driven by two actors. This Rodafonio is equipped with its own lights and speakers; half a ton of metal bowling through the streets of Granada, from Paseo del Salon to the very gates of the Cathedral in Plazas de las Pasiegas, which gathers a group of over a hundred onlookers, including locals and tourists who enjoy the music while they still cannot believe their eyes.

Colombian engineer Cesar Alvarez is responsible for this original design, for which the group has exclusively designed each theme and which is in turn accompanied by the performance of the two ‘ cyclists ‘. The whole group is of Colombian origin, but they live and work in Barcelona. They have visited different cities in Spain with their particular and one-of-a-kind  ‘musical wheel’ since they launched the project in 2011( … ) The actors on pedals, Jaime Gonzalez and Eduardo Valera, peer the horizon with a makeshift periscope , at the time they wave their hats, thus encouraging  bystanders either to follow them or go their way.

Rodafonio by the Company Factoria Circular is one of the most spectacular shows of the FEX,  extension of Festival de Música y Danza 2013. Since Monday 17, the huge musical wheel is rolling through the streets of Granada offering various performances. Although Factoria Circular had come several times to the Moorish city, this is the first time they bring what has already become their most popular show.

José A. Cano – El Mundo (Granada)

Lots of music, fire and bizarre vehicles

The Rodafonio is a huge metal wheel, built by César Alvarez from the Catalan theater group Company Factoria Circular. Five men sit within the wrought iron structure, which is more than two meters high. As the two men on the wings of the machine are pedaling, the other three create music. They play the saxophone, drums and guitar as they spin while the big wheel rolls along. A little girl, disguised as Indian, is with her eyes like saucers as she sees the Rodafonio passing by. “This is so original», her father says. Helena «with H», the little Indian, when asked for her opinion about such a thing, coyly replies ‘nothing’, but her smile says it all. She is delighted. »

Diario El País (Madrid)

CREDITS

Company Factoría Circular
Original Idea, construction and direction César Álvarez Bayer
Producer and Director Assistant Andrea Cerchiaro
Performers César Álvarez Bayer, Andrea Cerchiaro
Musicians to be confirmed
Music composition Rodrigo Spagnuolo “Pilu”
Production Factoría Circular
Diffusion and management Drom – Carmina Escardó
Coproduction Factoría Circular, Drom
FundingAssociation Strass – Perpignan, Fira de Tàrrega,  ICUB-Barcelona Festes de la Mercè, Institut Ramon Llull
Sponsors Institut Llull, Drom