Una invitación al público chileno a celebrar los festivales tradicionales chinos con un abundante festín. Cada tarde, Summer fantasies desplegará diversas presentaciones de varios estilos, exhibiendo las artes de múltiples culturas minoritarias de China. Se podrá disfrutar la danza apasionada de The Vast Grassland of the Mongols (Las Vastas Praderas de los Mongoles), apreciar la luminosa y delicada música de Happy Life (Vida Feliz), sentir el misterio de la magia en Rhyme of Fans (Ritmo de Fans), o dejarse impresionar por las acrobacias de la performance Red Candle (Vela Roja). La combinación del erhu (violín chino) y la danza se verá en Thoughts of Two Streams (Pensamientos de Dos Arrollos), acercando al público a la belleza de la cultura tradicional china. Por último, Chasing (Persecución), interpretada por Suona y un acordeón, transmitirán el entusiasmo de las ciudades chinas modernas.

Huang Qicheng se graduó de la Beijing Dance Academy  y es reconocido como experto con grandes contribuciones al desarrollo de la cultura y el arte chino por el Consejo de Estado de la República Popular China. Es considerado uno de los artistas jóvenes más destacados de este siglo en China, como actor y director de primera categoría. Es miembro de la China Dancers Association, vicepresidente de la China Dancers Association Shenzhen Branch, miembro de la  Conferencia Consultiva Política del Pueblo Chino de Shenzhen y juez del Guangdong Provincial Senior Title Assessment Committee. Actualmente es rector de la Shenzhen Arts School y director de la Shenzhen Youth Arts Troupe. En más de 20 años de práctica, Huang Qicheng ha absorbido la esencia de la cultura china, aprendido de las escuelas artísticas. Gradualmente ha creado un estilo artístico que integra el ballet, las danzas clásicas chinas y la danza moderna, fundiendo los estilos de occidente con los de su país.

La Shenzhen Youth Arts Troupe se estableció con la aprobación del gobierno y departamento cultural chino en 2006, como la base de producción artística de Shenzhen y el centro de práctica de la Shenzhen Arts School. La compañía ha invitado a una gran cantidad de profesionales y jóvenes artistas de China y el mundo, y ha absorbido profesores de la Shenzhen Art School, graduados de prestigiosos recintos como la Beijing Dance Academy, Central Conservatory of Music, China Conservatory of Music, Shanghai Conservatory of Music y otros, construyendo una compañía con una fuerza profesional sólida y una capacidad creativa tan poderosa como original. Desde 2007 han recibido encargos del Departamento de Cultura y Asuntos Exteriores de Shenzhen para visitor Grecia, Alemania, Italia, Hungría, Rusia, Tailandia, Cuba y Colombia.

Director Chai Fengchun
Director artístico Huang Qicheng
Coordinador Ding Zhongyuan
Jefe de proyecciones audiovisuales Wang Yue
Músicos Ma Yimin, Guo Yanxuan, Zhang Lei, Li Fanmo, Li Xinlin
Traductor Huang Hongye
Cantante Zhang Hong
Bailarines Chen Yufei, Xie Bing, Yang Zheng, Zhao Chenglong, Li Yesen
Acróbatas Sha Yan, Cheng Faping, Liu Ping, Zheng Ailing, Li Jialing, Liu Zijie, He Nan
Magos Xin Zhikuan, Xin Yafei
Asistente de magos Zhang Zhaofeng 

Taller Arte y acrobacias con Shenzhen Youth Art Troupe 

An invitation to the Chilean audience to celebrate traditional Chinese festivals with a hearty feast. Every evening, Summer Fantasies will stage several performances of various styles, thus showing the arts of manifold minority cultures of China. Viewers will enjoy the passionate dance of The Vast Grassland of the Mongols (Las Vastas Praderas de los Mongoles), appreciate the luminous, delicate music of Happy Life (Vida Feliz), feel the mystery of magic in Rhyme of Fans (Rima de Fans), or let themselves be awestruck by the acrobatics in the performance of Red Candle (Vela Roja). The combination of the erhu (Chinese violin) and dance will be seen on Thoughts of Two Streams (Pensamientos de Dos Arrollos), thus bringing the audience to the beauty of traditional Chinese culture. To conclude with Chasing (Persecucion), performed by Suona and an accordion, will convey the liveliness of modern Chinese cities.

Huang Qicheng graduated from the Beijing Dance Academy and is recognized by the State Council of the PRC as an expert who has made great contributions to the development of Chinese culture and art. He is considered one of the most outstanding young artists of this century in China, as a world-class actor and director. He is a member of the Chinese Dancers Association, vice president of China Dancers Association Shenzhen Branch, member of the Shenzhen committee at the Chinese People’s Political Consultative Conference and judge at the Guangdong Provincial Senior Title Assessment Committee. He is currently president of the Shenzhen Arts School and director of the Shenzhen Youth Arts Troupe. In over 20 years of experience and practice, Huang Qicheng has absorbed the essence of the Chinese culture by learning from art schools. Gradually he has created an artistic style that integrates ballet, Chinese classical dance and modern dance, thus blending Western styles with those from his country.

The Shenzhen Youth Arts Troupe was founded with the approval of the Chinese government and culture department in 2006 as the basis of artistic production in Shenzhen and practice center for the Shenzhen Arts School. The company has invited several professionals and young artists from China and the world, and has taken professors from the Shenzhen Art School who have graduated from prestigious institutions such as the Beijing Dance Academy, Central Conservatory of Music, China Conservatory of Music, Shanghai Conservatory of Music and others, thus building a company with a strong work force and a powerful and original creative ability. Since 2007 they have been commissioned by the Shenzhen Department of Culture and Foreign Affairs to visit Greece, Germany, Italy, Hungary, Russia, Thailand, Cuba and Colombia.

Director Chai Fengchun
Artistic Director Huang Qicheng
Coordinator Ding Zhongyuan
Video Supervisor Wang Yue
Musicians Ma Yimin, Guo Yanxuan, Zhang Lei, Li Fanmo, Li Xinlin
Translator Huang Hongye
Singer Zhang Hong
Dancer Chen Yufei, Xie Bing, Yang Zheng, Zhao Chenglong, Li Yesen
Acrobats Sha Yan, Cheng Faping, Liu Ping, Zheng Ailing, Li Jialing, Liu Zijie, He Nan
Magicians Xin Zhikuan, Xin Yafei
Assistant magician Zhang Zhaofeng SCENIC LAB

Taller Arte y acrobacias con Shenzhen Youth Art Troupe 

Branch Nebula trae Concrete and bone sessions, una confrontación lírica y emocionante entre cuerpos y ruedas dispuestos sobre el concreto, grietas, curvas y grafitis de los skate parks. A medida que el sol se pone, en la mágica hora del anochecer, los habitantes del parque coquetean con el riesgo y el peligro. Desde los bordes del agujero del skate park, el público observa mientras los límites entre los cuerpos y las máquinas se funden en una nueva cultura híbrida. Estos artistas, los mejores del mundo en BMX (bicicletas), break dance, parkour, skate y bailarines contemporáneos transforman el skate park de manera tan asombrosa que quedarán grabados en tu memoria por años.  Concrete and bone sessions se estrenó en el Sydney Festival 2013 y fue nominada al prestigioso Helpmann Award.

Lee Wilson se graduó de la Universidad de Western Sydney theatre Nepean en 1991. Como performer y director, ha sido un gran contribuidor a la escena de la performance y danza independiente por más de 20 años. Ha dirigido The Football Diaries, que estuvo en Sudáfrica para el Mundial 2010; fue coreógrafo para Roslyn Oades en  I’m Your Man, estrenada en el Sydney Festival 2012. Ha creado trabajos para Shaun Parker, Kate Champion, Stalker Theatre Company, Acrobat, Legs on the Wall, Opera Australia, Urban Theatre Projects, Sydney Theatre Company y Post Arrivalists.

Mirabelle Wouters es performer y diseñadora de escenografías e iluminación. Estudió en el High Institute for Architecture and Industrial Design de Antwerp, y complete sus estudios  de posgrado en escenografía en la Flemish Autonomous University de Antwerp. Sus trabajos como diseñadora incluyen Urban Theatre Projects (UTP) & Company B’s Buried City (2012 Sydney Festival); The Football Diaries, de Ahilan Ratnamohan y Lee Wilson; The Last Highway (2008 Sydney Festival); Never Been This Far Away From Home de Martin Del Amo. También creó el diseño de luces para Hole In The Wall, de Matt Prest y Clare Britton, y para The Hosts: A Masquerade Of Improvising Automatons de Wade Marynowsky.

Lee Wilson y Mirabelle Wouters son co-creadores de Branch Nebula, trabajando juntos desde la concepción hasta la producción. Durante la última década la compañía ha desafiado las estructuras sociales, ofreciendo al público una mirada diversa sobre la cultura popular contemporánea. Branch Nebula realizó recientemente una residencia en el Kiasma Museum de Helsinki, Finlandia, donde crearon Sloap, una coproducción internacional que se estrenó en el festival URB 13.

Una construcción sobre la bella interacción y las destrezas físicas de bailarines y otros se cruzan en el camino de skaters y BMXers. Suman fuerzas para pequeños estallidos y luego interactúan de forma confrontacional. Hay movimientos riesgosos, salvadas por un pelo y duetos fuera de lo común.

Daily Telegraph

Atrayendo a gente de todo tipo, incluyendo familias, gente joven con onda, Concrete and bone sessions nos ofrece una mirada sobre las artes callejeras. Cuatro estrellas de cinco.

Arts Hub

Esta es una creación site-specific del tipo más inmediato, una conexión visceral a un espacio de juego, no a su rol social o su historia, en una demostración de lo que suele ser considerado mera diversión pero que aquí aparece como arte sin perder la integridad de sus raíces populares. El resultado es un espectáculo visual, con una coreografía impecable que dispara los cuerpos en una poesía hipnótica donde las barridas y corridas de este gran colectivo transforman el cemento en magia.

Keith Gallasch – Real Time

Co-creadores Lee Wilson y Mirabelle Wouters
Compañía Branch Nebula
Performers / artistas colaboradores Jared Graham (Leerock), Antek Marciniec, Kat Williams, Danny Campbell, Kathryn Puie, Michael Steingräber, Roland Chlouk, Cloé Fournier, Gabrielle Nankivell Compositor Bob Scott
Dramaturgo John Baylis
Jefe de producción Alejandro Rolandi
Músicos Inga liljeström, Bree Van Reyk, Timothy Constable, Hugh Coffee
Producción y gira Performing Lines
Productora Pippa Bailey
La obra fue originalmente comisionada por Sydney Festival
La compañía es apoyada por Managing and Producing Services (MAPS) for Artists NSW, iniciativa conjunta del Australia Council y Arts NSW, coordinado por Performing Lines 

Seminario Ciudad y Cultura, Panel: El Poder transformador de la cultura.

Seminario Ciudad y Cultura, Panel: Ciudadanía y participación.

Taller: arte urbano y site specific

Branch Nebula brings Concrete and Bone Sessions, a lyrical and exciting confrontation between bodies and wheels arranged on the concrete, cracks, twists and graffiti of skate parks. As the sun sets, in the magic hour of dusk, the park’s inhabitants flirt with risk and danger. From the edges of the hole in the skate park, the audience watches as the boundaries between bodies and machines merge into a new hybrid culture. These artists, the world’s best BMX bikers, break dancers, parkour performers, skaters and contemporary dancers transform the skate park so amazingly that the image will remain imprinted on your memory for years. Concrete and Bone Sessions premiered at the Sydney Festival 2013 and was nominated to the prestigious Helpmann Award.

Lee Wilson graduated from the University of Western Sydney-Theatre Nepean in 1991. As a performer and director, he has been a major contributor to the scene of the independent dance and performance for over 20 years. He has directed The Football Diaries, which was in South Africa for the 2010 World Cup; he was also choreographer for Roslyn Oades in I’m Your Man, premiered at the Sydney Festival 2012. He has created works for Shaun Parker, Kate Champion, Stalker Theatre Company, Acrobat, Legs on the Wall, Opera Australia, Urban Theatre Projects, Sydney Theatre Company and Post Arrivalists.

Mirabelle Wouters is a performer and stage and lighting designer. She studied at the High Institute for Architecture and Industrial Design of Antwerp, and completed her graduate studies in stage design at the Flemish Autonomous University of Antwerp. Her design works include Urban Theatre Projects (UTP) & Company B’s Buried City (2012 Sydney Festival), The Football Diaries by Ahilan Ratnamohan and Lee Wilson, The Last Highway (2008 Sydney Festival) Never Been This Far Away from Home by Martin Del Amo. She also created the lighting design for Hole in the Wall by Matt Prest and Clare Britton, and for The Hosts: A Masquerade of Improvising Automatons by Wade Marynowsky.

Lee Wilson and Mirabelle Wouters are co -creators of Branch Nebula and have been working together from conception to the very production of the plays. During the last decade the company has challenged social structures, offering viewers a different look at contemporary popular culture. Branch Nebula recently completed a residency at the Kiasma Museum in Helsinki, Finland, where they created Sloap, an international co-production which premiered at the URB 13 Festival.

“It’s a slow build to some beautiful interaction and physical feats as dancers and free runners move into the path of skateboarders and bmxers. They join forces for short bursts and then interact in confronting ways. There are risky moves, near misses and unlikely duets.”

Daily telegraph

“Attracting people from all walks of life, including families, kids the young and the hip, Concrete and Bone Sessions gives us a glimpse into the future of urban performance art. Four stars out of five.”

Arts Hub

“This is site-specificity of the most immediate kind, a visceral connection to a place of play, not its social role or its history, in a display of what is often regarded as fun but here as art without losing the integrity of its popular foundations. The outcome is a visual spectacle, impeccably choreographed so that star turns are embedded in and shoot out of the mesmeric poetry of the grand sweeping collective rides and runs that transform the concrete into a magic, enabling vessel.”

Keith Gallasch – Real Time

Co-creators Lee Wilson y Mirabelle Wouters
Company Branch Nebula
Performers / collaborating artists Jared Graham (Leerock), Antek Marciniec, Kat Williams, Danny Campbell, Kathryn Puie, Michael Steingräber, Roland Chlouk, Cloé Fournier, Gabrielle Nankivell
Composer Bob Scott
Playwright John Baylis
Production Manager Alejandro Rolandi
Musicians Inga liljeström, Bree Van Reyk, Timothy Constable, Hugh Coffee
Production and Tour Performing Lines
Producer Pippa Bailey
The performance was originally commissioned by Sydney Festival
The Company is supported by Managing and Producing Services (MAPS) for Artists NSW, Joint
Initiative by Australia Council y Arts NSW, and Coordinated by Performing Lines

Panel Discussion 1: The Transformative power of Culture

Panel Discussion 2: Dynamizing the City: The Festival Phenomenon

Taller: arte urbano y site specific

Espectáculo realizado con una plataforma LED única en el mundo. Suspendida a más de 50 metros de altura y en constante movimiento, la plataforma emite imágenes de video y efectos 3D en pleno vuelo, mientras se traslada y gira en el aire. Los actores realizan sus coreografías vestidos con trajes de LED y sensores de movimiento, convirtiendo a AirTVShow en un espectáculo difícil de olvidar. 

Horacio Olano es un especializado bailarín aéreo. Inició su formación el año 2000 en la escuela de Brenda Angiel y continuó con trabajos independientes de experimentación aérea en distintos sitios de Buenos Aires. Es fundador de la primera escuela de danza aérea de Madrid, donde ha dictado seminarios especiales a bailarines, actores y artistas relacionados con actividades circenses. Ha impartido, también, cursos en Alemania y Argentina. Actualmente dirige Élevé Danza, su propia compañía de danza aérea, con espectáculos especialmente concebidos para realizarse a grandes alturas. 

Élevé danza es un proyecto creativo que busca desafiar los límites con una actividad que tuerce la gravedad. Todos buscamos eludir la rutina. Sorprendernos y sorprender, desafiarnos y desafiar, transmitir y emocionar. Encontrar territorios distintos en los que estar cada día. Involucrarnos. Torcer la gravedad. Así nace Élevé: de un proyecto desafiante que invita a soñar.

Bailarines y actores formados por la compañía se embarcan en un proyecto creativo que persigue nuevas dimensiones. Este equipo se une para formar la primera y única compañía de danza aérea argentina dedicada a realizar espectáculos de gran formato sobre fachadas de edificios y otras plataformas.

Éleve transforma así cielos y edificios en gigantescos y elevados escenarios verticales a través de los cuales busca involucrar y sensibilizar al espectador con movimientos que trasmiten potencia, energía y pasión a través un idioma de impacto y poesía.

La iluminación y el sonido acompañan cada uno de los pasos dados sobre cada edificio, generando un clima que atrapa y transporta. Técnicos aéreos de reconocida trayectoria a nivel nacional e internacional están a cargo del montaje y seguridad de cada espectáculo. Todo el material utilizado por Élevé está homologado y cumple con las normas de seguridad vigentes en la actualidad. 

Quiero que bailes sin suelo

Con base en Río Negro, esta compañía de baile en alturas le pasa el lustre a las fachadas de los edificios: a más de 60 metros del piso, sus performances dejan sin aliento al público.

Desde el mar, se ven como miniaturas en movimientos sincronizados, frente al acantilado de El Chocón. A 60 metros de altura sobre el agua, la compañía de danza Elevé llena el aire con sus coreografiás voladoras. Y esa fue sólo una de las hazañas de este ballet que, con la conducción del rionegrino Horacio Olano, plantea cada espectáculo como un desafío. Recientemente volaron sobre una multitud en La Plata, donde también hicieron presentaciones en el Estadio Unico, y hace poco decoraron la fachada de Titanium, la torre chilena de 200 metros, actualmente la más alta de Sudamérica.

Rebobinemos hasta el origen del grupo: “En 2009 decidí volver de Madrid, después de una temporada en Europa. Allá comencé a delinear el proyecto, y decidí que mi lugar en el mundo era Argentina”, cuenta. Olano (31 años) no se ancló en Buenos Aires, sino que volvió a su ciudad natal. “El primer espectáculo fue en Cipoletti, y la idea era que la gente de la región conozca la disciplina. Actualmente entrenamos a futuros bailarines y algunos chicos que se formaron en la escuela ya participan de los espectáculos”.

Los bailarines convocados son algunos ex De la Guarda y otros actuales de Fuerza Bruta. ¿Y cómo se diferencian del trabajo de esos grupos? “El sello de Elevé está en el vértigo y en la altura. Buscamos que los bailarines estén bien lejos de la tierra. Eso genera un clima especial. Los movimientos son más audaces que a pocos metros del piso”, asegura.

Con Mariana Sturla como mano derecha en la dirección, conducen a 15 bailarines (más un equipo técnico que prioriza la seguridad) y un team de músicos que componen especialmente para cada función. Porque aunque tienen planteados dos espectáculos: Fuera de órbita y Furia de los elementos, “siempre generamos un guión y una propuesta en función de lo que se quiere presentar”. La tecnología también ayuda a levantar vuelo: usan vestuario con leds y proyecciones con mapping. “Para contar una historia a 60 metros de altura, necesitás sumar elementos”. Con próximas escalas en Bariloche y un puente en Neuquén, Elevé juega con emociones fuertes. “Al estar acostumbrados, no sufrimos vértigo. Estar arriba es lo que más disfrutamos. La sensación primaria es de alegría y sorpresa”.

Mariano del Águila – Diario Clarín, Sumplemento Si! (Argentina)

Dirección Horacio Olano
Asistencia de dirección Mariana Sturla y Eugenia Dimarco
Actores Florencia Reeves, María de los Ángeles Nieto, Rolando Velázquez, Cecilia Gómez, María Eugenia Schilling, Mariana Sturla, Eugenia Dimarco, Agustín Julián Álvarez, Juan Pablo Sierra, Jonatan Nastar, Juan José Veppo, Horacio Olano
Músicos Matías Ceppi y Luciano Campodonico
Vestuario Flavia Ferreyra
Diseño de iluminación Esteban Hernández
Técnico Santiago Castello, Diego Weinschelbaum, Franco Cabrera
Stage manager Simón Dimotta
Sonido Luciano Campodonico
Proyección y software interactivo José Jiménez
Productor Horacio Olano

Taller: danza vertical para adultos
Taller: danza vertical para niños

This show is performed with a one-of-a-kind LED platform. Being suspended at more than 50 meters high and constantly moving, the platform shows mid-air video pictures and 3D effects, while moving and rotating in the air. The actors perform their choreography dressed in LED costumes with motion sensors, thus turning AirTVShow into an unforgettable show.

Horacio Olano is a specialized aerial dancer. He began his training in 2000 at the school of Brenda Angiel and continued with independent and exploratory aerial projects at various sites of Buenos Aires. He founded the first school of aerial dance in Madrid, where he has lectured special seminars to dancers, actors and artists related to circus arts. He has also taught courses in Germany and Argentina. Horacio Elano is the current director of Élevé Danza, his own aerial dance company, producing shows specially designed to be performed at heights.

Elevé Danza is a creative project that is aimed to challenge the limits by twisting the notion of gravity. We all seek to avoid the routine trap. We want to be amazed and amaze others, challenge ourselves and challenge others, express and arouse emotions in others. We seek to find new territories to be every day. We want to get involved with one another, twisting gravity. Thus Élevé was born: a challenging project that invites you to dream.

Dancers and actors who have been trained by the company embark on a creative project that pursues new dimensions. This team gathers so as to form the first and only aerial dance company in Argentina, which is devoted to perform large-scale shows on building facades and other platforms.

Thus, Élevéturns the skies and buildings into giant and high vertical stages through which they seek to involve and sensitize the viewer with movements that convey power, energy and passion through poetry and high- impact language.

The lighting and sound accompany each of the dance moves on each building, thus generating an atmosphere that enthralls and enraptures. Renowned aerial technicians who are highly regarded both at nationally and internationally are in charge of the installation and safety of each show. All supplies used by Élevé are approved and meets the current safety standards.

I want you to dance with no floor under

Based on Rio Negro, this aerial dance company polishes the buildings’ facades more than 60 feet above the ground, thus capturing the viewer’s attention with their breathtaking performances.

Viewed from the sea, they look like miniatures dancing with synchronized movements against the Chocón cliff. 60 meters above the sea, the dance company Elevé fills the air with their flying dance choreographies. And that is just one of the achievements of this ballet which, led by Horacio Olano, poses each show as a challenge. The recently flew over a crowd in La Plata, where they also performed at Estadio Unice, and they have only just decorated the facade of the Titanium, the 200-meter Chilean building which is currently the tallest in South America.

Let us go back to the origin of the group: «In 2009 I decided to return to Madrid, after a season in Europe. A soon as I got there I began to outline the project and, in doing so, I realized Argentina was my place in the world. » he says. Olano (31 years old) is not settled in Buenos Aires, but it turned into his hometown. «The first show was at Cipoletti, and the idea was that people from the region became familiar with our art. We are currently training future dancers; some guys that were formed in our school are already performing in the shows. »

The dancers invited to take part in the project are some former members of De la Guarda company together with some other current members from Fuerza Bruta. And how does the work of these groups differ from each other? «Elevé’s signature is both vertigo and height. We want the dancers to be well detached from land. That creates a special atmosphere. When in midair, movements become bolder than a few feet off the ground,»  he says.

With Mariana Sturla as his right-hand woman in the direction, together they lead 15 dancers (plus a technical team that prioritizes safety) and a team of musicians who compose music especially for each function. Although they have two other shows intended: Fuera de Orbita (Out of Orbit) and Furia de los Elementos (Fury of the elements), «we always create a script and a proposal based on what we want to present.» Technology also enables them to take flight: they wear LED clothing with mapping projections. «To tell a story at 60 meters high, you need to add elements.» With upcoming stopovers in Bariloche and a bridge in Neuquén, Élevéplays with strong emotions. «As we are used to it, we do not suffer from vertigo. Being up there is what we enjoy the most. The primary feeling is one of joy and surprise. »

Mariano del Águila – Diario Clarín, Sumplemento Si! (Argentina)  

Director Horacio Olano
Assistant Director Mariana Sturla y Eugenia Dimarco
Performers Florencia Reeves, María de los Ángeles Nieto, Rolando Velázquez, Cecilia Gómez, María Eugenia Schilling, Mariana Sturla, Eugenia Dimarco, Agustín Julián Álvarez, Juan Pablo Sierra, Jonatan Nastar, Juan José Veppo, Horacio Olano
Musicians Matías Ceppi y Luciano Campodonico
Wardrobe Flavia Ferreyra
Lightning Design Esteban Hernández
Technician Santiago Castello, Diego Weinschelbaum, Franco Cabrera
Stage Manager Simón Dimotta
Sound LucianoCampodonico
Interactive Software Projection José Jiménez
Producer Horacio Olano 

Taller: danza vertical para adultos
Taller: danza vertical para niños 

Los discursos pueden ser armas poderosas. A través de los siglos han entusiasmado a incontables masas, incitándolas a la acción, para bien o para mal. Han desatado revoluciones y avivado guerras. Sólo con el poder de las palabras. Pero los discursos no sólo entusiasman a quienes los escuchan. A menudo también arrastrar al orador a un estado de trance, perdiéndose en un torrente de palabras, en una forma de hablar obsesiva, eufórica. El poder de un discurso suele depender del trance de quien habla.

En It’s going to get worse and worse and worse, my friend, Lisbeth Gruwez baila el trance de ese discurseo eufórico. En el proceso aprovecha fragmentos de un discurso enunciado por el “tele-evangélico” americano ultraconservador Jimmy Swaggart. Al comienzo, su forma de hablar es amistosa y pacífica, pero su compulsivo deseo de persuadir refleja una desesperación creciente. A final de cuentas expone su naturaleza más profunda: la violencia.  

Lisbeth Gruwez (°Kortrijk, Bélgica, 1977) empezó como bailarina clásica a los 6 años. En 1991 fue aceptada en el Stedelijk Instituut voor Ballet de Antwerp, donde combinó una educación profesional de danza con la universidad. Después de estudiar danza contemporánea en P.A.R.T.S., comenzó su carrera profesional con Ultima Vez en el Pasolini Project Of Heaven and Hell y con Away From Sleeping Dogs junto a Iztock Kova. Desde 1999 Lisbeth Gruwez ha trabajado con Jan Fabre, participando en As Long As the World Needs a Warrior’s Soul y Je suis sang, producción para el prestigioso Cour d’Honneur en Avignon. En 2001 protagonizó la película Les Guerriers de la beauté de Pierre Coulibeuf sobre el trabajo de Jan Fabre. En 2002 protagonizó Images of Affection para Needcompany|Jan Lauwers. Al año siguiente trabajó con Grace Ellen Barkey en Few Things y Cry Me a River de Riina Saastamoinen. Ese mismo año bailó en Foi, producción de Sidi Larbi Cherkaoui. En 2004 Jan Fabre creó para y con ella Quando l’uomo principale è una donna, que se presentó con éxito de Santiago a Mil 2005. También participó en la instalación Origine junto a Peter Verhelst. Junto a Maarten Van Cauwenberghe fundó en 2006 Voetvolk, debutando en 2007 con Forever Overhead. En 2008 Lisbeth bailó con Melanie Lane in I!2, una creación de Arco Renz, y tuvo un rol protagónico en Lost Persons Area, película de Caroline Strubbe con nominaciones del festival de Cannes y por el cual Gruwez recibió el premio a Mejor Actriz en los Flemisch Movie Awards. En 2008 creó Birth of Prey, performance con la que aún hace giras. En 2009 realizó la coreografía y bailó junto a la actriz y cantante Juliette Lewis en un videoclip para su banda Juliette & the Licks. En 2010 creó su primera performance grupal, HeroNeroZero, y protagonizó un corto de Silvia Defranc. En 2011 creó las performances L’Origine y It’s going to get worse and worse and worse, my friend.

Lisbeth Gruwez|Voetvolk es un grupo de danza y performance fundado alrededor de la bailarina/coreógrafa Lisbeth Gruwez y del músico/compositor Maarten Van Cauwenberghe. Desde su fundación en 2007, ha desarrollado sus actividades como una compañía de danza contemporánea y performance. Lisbeth Gruwez y Maarten Van Cauwenberghe son artistas en residencia del Troubleyn /Laboratorium de Jan Fabre. Hasta ahora han desarrollado 5 performances: Forever Overhead (2007), Birth of Prey (2008), HeroNeroZero (2010), L’origine (2011) y It’s going to get worse and worse and worse, my friend (2012). Una nueva producción se estrenará en junio de 2014.

Las relaciones de poder entre la voz masculina y la bailarina femenina (¿quién manipula a quién?) se transforman en un maravilloso y amenazante pas de deux (…) Lisbeth Gruwez nos deja atónitos, tiesos, tontos. El 2012 acaba de empezar y Gruwez ya está dejando la vara muy alta.

Sarah Vankersschaever – De Standaard

La fusión de sonido, coreografía y luces mantienen al público atrapado. Una vez más, Lisbeth Gruwez|Voetvolk tiene éxito manteniendo a la audiencia bajo su hechizo (…) El trance de la bailarina dispara al público. Nos incendia y atrapa nuestra atención hasta el final del show.

Eline Van de Voorde – Cutting Edge

(Gruwez) consolida su calidad de mujer fuerte, explorando los límites y transgrediéndolos (…) La coreografía dialoga con el ingenioso diseño de sonido construido por Maarten Van Cauwenberghe con fragmentos de discursos de Swaggart (…) Es un alivio ver cómo una clarísima elaboración de una idea, sin transformarla en algo conceptual o pretenciosa artísticamente.

Lene Van Langenhove – ZONE02

Reflexiones lingüísticas en danza

La propuesta de Lisbeth Gruwez es un ejercicio que bien podría sentar cátedra en lo que respecta a las relaciones entre los diferentes lenguajes (en este caso, el verbal y el de la danza) y a la misma esencia de la lengua en sí, en particular a la relación entre significante y significado. Probablemente, lo más interesante de la pieza sea la evolución que sufre la perspectiva que se sostiene sobre la naturaleza del lenguaje. Si al principio Gruwez parecía esforzarse por mantenerse a la altura de lo que se decía verbalmente, el rigor absoluto de su cuerpo ha terminado imponiéndose, hasta el punto que la palabra parece mero eco remoto de lo que el músculo más insignificante humildemente apuntala. 

La interpretación de Gruwez fue total y de una precisión insuperable. La artista no hubiese podido estar más involucrada en ninguno de sus movimientos. Pero no por ello pretendía dejar esa huella que al tiempo que pone nombre lo mancha todo. Cada uno de sus movimientos estaba libre de ese afán de autoría que suele ir en detrimento del creador. Y es que el espectáculo se caracteriza por su singular objetividad, sobre todo allí donde el lenguaje aspira a establecer relaciones definidas y unívocas con el mundo. Pero una vez abandonada esa correspondencia inmemorial, prevalece una ecuanimidad que va mucho más allá de la ejecución imparcial. Gruwez toma posición una y otra vez, pero ese ejercicio es tan físico, y tan connatural a su físico, que nos penetra prácticamente de modo subliminal. El lenguaje que desprende su cuerpo, que sobrepasa todo referente, verbal o no verbal, nos impregna, de manera que acabamos prediciendo posibles gestos, movimientos, acciones. En definitiva: toda una práctica de danza por la danza, donde no cabe cabo suelto alguno y se afila maravillosamente la navaja lingüística.

Carla Carmona – Diario de Sevilla

Compañía Lisbeth Gruwez|Voetvolk
Coreografía e interpretación Lisbeth Gruwez
Composición, diseño sonoro y asistencia Maarten Van Cauwenberghe
Estilismo Veronique Branquinho
Asesor artístico Bart Meuleman
Diseño de iluminación Harry Cole
Producción Voetvolk vzw
Coproducción Grand Theater Groningen, Troubleyn/Jan Fabre, Theater Im Pumpenhaus
Difusión Key Performance
Con el apoyo de Provincie West-Vlaanderen & Vlaamse Gemeenschap 

Encuentro de trasnoche: GAM, A2 Sábado 11 de enero 21:00-21:45

Taller: Las palabras en el cuerpo

Speeches can be powerful weapons. Over the centuries they have impressed countless masses, inciting them to action, for good or ill. They have sparked revolutions and fueled wars. Only through the power of words. But speeches not only arouse the ones who listen to them. All too often, they also send the orator into a state of trance, lost in a torrent of words spoken in an obsessive manner, almost deliriously. Thus, the power of the speech largely depends on the speaker’s trance.

In It’s going to get worse and worse and worse, my friend, Lisbeth Gruwez dances the trance of these euphoric speechifications. In the process, she takes advantage of some excerpts of a speech delivered by «tele -evangelical», ultraconservative American Jimmy Swaggart. At first, his speech is friendly and peaceful, but his compulsive desire to persuade starts unmasking a growing despair. Ultimately, he exposes his deepest nature: violence.

Lisbeth Gruwez (°Kortrijk, Belgium 1977) started classical ballet at the age of 6 and in 1991 she was admitted at the ‘Stedelijk Instituut voor Ballet’ in Antwerp where she could combine a professional dance education with high school. Afterwards she studied contemporary dance at P.A.R.T.S. Later she started her professional career with Ultima Vez, in the Pasolini Project of Heaven and Hell and Away From Sleeping Dogs with Iztock Kova. Since 1999 Lisbeth Gruwez has been working with Jan Fabre, performing in As Long As the World Needs a Warrior’s Soul, followed by Je suis sang, the production for the Cour d’Honneur in Avignon. In 2001 she starred in Pierre Coulibeuf’s film Les Guerriers de la beauté about Jan Fabre’s work. In 2002 she starred in Images of Affection for Needcompany|Jan Lauwers. A year later Lisbeth worked with Grace Ellen Barkey in Few Things and Cry Me a River by Riina Saastamoinen. Still in 2003 she danced in Foi, which was a production by Sidi Larbi Cherkaoui. In 2004 Jan Fabre created for and with her Quando l’uomo principale è una Donna. She also participated in the installation Origine along with Peter Verhelst.

Together with Maarten Van Cauwenberghe she founded Voetvolk in 2006 and in 2007 they premièred with their first creation Forever Overhead. In 2008 Lisbeth danced with Melanie Lane in I!2, a creation by Arco Renz. That year she also had a leading role in Lost Persons Area, a movie by Caroline Strubbe. This motion picture was nominated for the Cannes film festival and for her role she was nominated as Best Female Actress at the Flemisch Movie Awards. Again in 2008 she created Birth of Prey, a performance which is still touring. In 2009 she choreographed and danced together with Juliette Lewis in a videoclip for her band Juliette & the Licks. In 2010 Lisbeth created her first group performance HeroNeroZero and played the leading role in a short movie by Silvia Defranc. In 2011 she created the performances L’Origine and It’s going to get worse and worse and worse, my friend.

Voetvolk is a dance/performance group founded around dancer/choreographer Lisbeth Gruwez and composer/musician Maarten Van Cauwenberghe. Since its foundation in 2007, it has developed its activities as an international contemporary dance and performance company.

Lisbeth Gruwez and Maarten Van Cauwenberghe are ‘Artists-in-Residence’ in the Troubleyn / Laboratorium of Jan Fabre. Until now Voetvolk produced 5 performances: Forever Overhead (2007), Birth of Prey (2008), HeroNeroZero (2010), L’origine (2011) and It’s going to get worse and worse and worse, my friend (2012). Voetvolk is currently working on their new creation AH HA which will premiere at the Rencontres Internationales Chorégraphiques de Seine-Saint-Denis in June 2014.

“The power relations between male voice and female performer (who manipulates who?) becomes a marvellously threatening pas de deux (…) Lisbeth Gruwez leaves us behind flabbergasted, struck dumb. 2012 has only just started, but Gruwez at once sets the standards very high.”

Sarah Vankersschaever, De Standaard

“The fusion of sound, choreography and light keep the public enraptured. Once more Lisbeth Gruwez |Voetvolk succeeds in keeping the audience spellbound with this new performance. (…) The dancer’s trance fires the audience. She inflames us and keeps us in rapt attention till the end of the show.”

Eline Van de Voorde, Cutting Edge

“With ‘It’s going to get worse…’ she consolidates her status of strong woman, exploring borders at the cutting edge and transgressing them.(…) The choreography dialogues with the ingenious soundscape that Maarten Van Cauwenberghe constructed with fragments from Swaggart’s speech (…) It’s a relief to see such a clear elaboration of an idea without it becoming conceptual or arty farty.”

Lene Van Langenhove, Zone02 

LINGUISTIC REFLECTIONS ON DANCE

Gruwez Lisbeth’s proposal is an exercise that may well give lecture with regard to the relations between different languages ​​(in this case, verbal and dance) and the very essence of language itself, particularly the relationship between signifier and signified. Probably the most interesting part of the performance is the evolution experienced by the perspective that is grounded on the nature of language. If at first Gruwez seemed to be striving to keep abreast of what was being said verbally, the absolute rigor of her body finally took the upper hand to the point of making the word look like a feeble, remote echo of what the smallest muscle humbly sustains.

Gruwez’s performance was downright and unmatchable in accuracy. The artist could not be more involved in all of her movements. Yet she did not intend to leave that imprint that, while giving a name, taints everything. In each of her moves she was free of a desire for authorship, which is often detrimental to the creator. Because the show is characterized by its singular objectivity, especially where language aims at establishing clear and unambiguous relations with the world.

But after leaving the immemorial correspondence, a sense of equanimity prevails and goes far beyond the impartial execution. Gruwez takes place again and again, but that exercise is so physical, and so deep-rooted in her body, that it penetrates us almost subliminally. The language instilled by her body permeates us, thus surpassing all references either verbal or nonverbal.

Accordingly, we are only able to anticipate possible gestures, movements, actions. In short, a whole practice of dance for the sake of dance, where there is no room for loose ends and the linguistic razor is brilliantly sharpened.

Carla Carmona – Diario de Sevilla 

Concept, Choreography & Dance Lisbeth Gruwez
Composition, Sound design & Assistance Maarten Van Cauwenberghe
Styling Veronique Branquinho
Artistic Advisor Bart Meuleman
Light Design Harry Cole
Light Assistance Caroline Mathieu
Thanks to Tom de Weerdt
Production Voetvolk vzw
Coproduction Grand Theater Groningen, Troubleyn/Jan Fabre, Theater Im Pumpenhaus and AndWhatBeside(s) Death
Diffusion Key Performance
With the support of Provincie West-Vlaanderen, Vlaamse Gemeenschap & Provincie Antwerpen

Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church asume una postura crítica con respecto a la corriente de danza posmoderna que emanó de la famosa Judson Church de Nueva York. Desarrollando su trabajo como un encuentro imaginario entre las estéticas de la Judson Church y del voguing (baile moderno de los años 80 donde los bailarines posan como modelos), Trajal Harrell reescribe el minimalismo de la danza posmoderna con un nuevo conjunto de símbolos.

¿Qué hubiera pasado si en 1963 alguien cercano a la escena del voguing de Harlem se hubiera acercado a baila junto a los tempranos posmodernos de la Judson Church? es la pregunta central de esta pieza de Harrell.

Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church se ha producido en 6 tamaños diferentes: extra small (XS); small (S); medium (M)imosa, en colaboración con Cecilia Bengolea, Francois Chaignaud y Marlene Monteiro; junior (jr.); large (L), que viene a Chile; y made-to-measure (M2M). Más que crear una ficción histórica, estas piezas trasladan una propuesta al contexto actual. Lo que se experimenta no hubiera sido posible en las fiestas de Harlem ni en Judson. Algo nuevo nace, aquí y ahora.

En el caso de Antigone Sr., la tamaño (L), Trajal Harrell busca re-imaginar el teatro clásico de la Antigua Grecia. ¿Es posible que el voguing y este teatro antiguo no estuvieran tan alejados en sus estrategias performáticas? Hoy, cuando vemos a un hombre actuar como una mujer, resulta fácil clasificarlo como drag, travestismo u otras nociones vinculadas a la identidad sexual. Pero las identidades sexuales en la Antigua Grecia no cabían en esas categorías que identificamos hoy. Quizá esta mezcla de géneros tenía sus propios códigos y referencias. ¿Podemos imaginar que existía una verdad del Teatro Griego que, al igual que el voguing, el género, la clase o el estatus social, fuera revelada como una construcción de códigos de la moda y el movimiento? Es fácil olvidar, después de tantas capas de interpretaciones clásicas, que el teatro de la antigüedad era intrínsecamente político, cuyo propósito era educar y problematizar la importante responsabilidad de los ciudadanos de Atenas (todos hombres).

Y más aún, ¿cómo el travestismo en teatro funciona como una forma de activismo para debatir sobre las ciudadanas mujeres? ¿Estos artistas –actores, directores y dramaturgos- usaron esta particular forma de actuación para cambiar las creencias políticas de su tiempo? En Antígona, una mujer joven y de la realeza va contra el máximo líder de sus tierras, el rey, no sólo en acciones y con la ley, sino también con debate e intelecto. Aunque su estatus de mujer hace que sus acciones sean aún más antagónicas, Harrell explora su feminidad como un símbolo de politización para repensar la igualdad de género en la Antigua Grecia, y para ver quizá este contexto actoral antiguo visto como un “conflicto de género” no es tan diferente a los discursos predominantes de nuestros días.

Por lo tanto, la pregunta central se transformó en cómo llevar al voguing la obra Antígona. La tragedia griega no era trágica en términos de la academia clásica. El texto sólo era un elemento dentro de un contexto dionisíaco de libertad y excesos de todo tipo. Así, ¿qué nuevos significados se producen mediante esta operación, así como nuevas relaciones con los públicos de teatro y danza contemporánea? Y más aún, ¿qué hubiera significado voguear Antígona en el contexto de la Judson Church en 1963?, ¿se hubiera generado un anacronismo estético que en el futuro hubiera distanciado al bailarín de Harlem de sus nuevos compañeros de la Judson? Esas son las preguntas que están detrás de esta creación. Es imposible saber con exactitud cómo fue ese teatro. No hay videos, pero re-imaginando las posibilidades, quizá re-imaginemos las nociones que hoy tenemos frente al género, la clase, la sexualidad y la ciudadanía.

Trajal Harrell es un coreógrafo de Nueva York que trabaja en Europa, Asia, América del Norte y de Sur. Es reconocido por su serie de trabajos Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church, los cuales re-imaginan un encuentro entre la primera danza posmoderna y la tradición del estilo de baile conocido como voguing. En 2012 estrenó la última pieza de la serie, siendo la primera obra de danza comisionada por el MoMA PS1. Su más reciente trabajo examina la danza butoh desde la práctica teórica del voguing. Esta obra, Used, Abused, and Hung Out to Dry, se estrenó en el Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York en febrero de 2013.

Cuando lo drag y la danza moderna colisionan

Trajal Harrell es un coreógrafo reflexivo. Hace diez años, se preguntó qué hubiera pasado si, a comienzos de los años 60, los drag Queens de Harlem hubieran llevado su voguing al centro, a Washington Square, para bailar con los vanguardistas posmodernos del Judson Dance Theatre. Poco antes de eso, había presentado un solo minimalista en la Judson Church sobre el posing y el voguing, descubriendo entonces que las fiestas drag de Harlem se hicieron famosas al mismo tiempo que el colectivo de la Judson Church. Entonces se preguntó por qué Judson era una parte aceptada de la historia de la danza, y el voguing no lo era. Durante los últimos años ha explotado esta veta astutamente. El título de su trabajo presentado hace poco en New York Live Arts, Antigone Sr./Twenty Looks or Paris Is Burning at the Judson Church (L), da una pista de lo lejos que ha ido examinando el imaginario encuentro entre ambos mundos. Pero de ninguna manera logró prepararme para lo que vi. Estoy seguro de que nada podría haberlo hecho.

Andrew Boynton – The New Yorker (Estados Unidos)

Trajal Harrell: ¡La próxima Martha Graham ha llegado!

El coreógrafo y artista Trajal Harrell nos demuestra, con tres espectáculos en nueva York y una nominación a los premios Bessie, por qué muchos creen que su trabajo ha estado transformando el arte de la danza de la misma forma que Martha Graham lo hizo en el siglo XX. El graduado de Yale y merecedor de la Beca Guggenheim empuja los límites de la danza incorporando elementos de otras formas artísticas de maneras que a nadie más se le ocurrirían. Valientemente confronta y desafía a sus espectadores, explorando lo “imposible” para revelar lo que es posible. Y todo eso lo hace con humor, drama, emoción y amor. Cuando te metes en su mundo, te das cuenta que su arte, cerebral y seductor –que años atrás empezó a incorporar movimientos de las pasarelas de moda y hoy familiariza al público con el “voguing” de las fiestas de Harlem-, habla de imaginación y esperanza.

Julie Chae – The Huffington Post (Estados Unidos)

Coreografía Trajal Harrell
Bailarines Trajal Harrell, Stephen Thompson, Thibault Lac, Rob Fordeyn, Ondrej Vidlar
Diseño de escenografía Erik Flatmo
Diseño de iluminación Jan Maertens
Diseño de sonido Robin Meier y Trajal Harrell
Dramaturgia Gérard Mayen
Coproducción New York Live Arts | CNDC Angers | CCN Belfort
Apoyo residencia WpZimmer- Antwerp | Workspace Brussels | Pact Zollverein-Essen | Dansens Hus-Stockholm
Apoyo de fundaciones The Jerome Foundation | The Multi-Arts Production Fund | The Joyce Mertz-Gilmore Foundation 

Taller: Voguing en la danza contemporánea

Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church assumes a critical stance towards the current postmodern dance that emanated from the famous Judson Church in New York. A project that he began over 10 years ago, this series looks at the relationship between the voguing dance tradition that originated in the Harlem balls and the establishment of early postmodern dance at Judson Church around the same time in New York in 1963. In this work, TrajalHarrell rewrites the minimalism of postmodern dance with a new set of symbols, thus hinting at the lengths he has gone to in examining the imagined meeting of these worlds.

What would have happened if, in the early sixties, drag queens from Harlem had brought their voguing downtown, to Washington Square, to perform with the pathbreakingpostmoderns of the Judson Dance Theatre?This is main query in Harrell’s work.

Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church has been produced in 6 different «sizes»: extra small (XS); small (S) medium (M)imosa, in collaboration with Cecilia Bengolea, Francois Chaignaud and Marlene Monteiro; junior (jr.), large (L), which is the one to be staged in Chile, and made-to-measure (M2M). Rather than creating a historical fiction, these pieces move a proposal to the current context. What Trajal invites us to experience would have been neither possible in Harlem parties nor in Judson. Then, something new is born, here and now.

In the case of Antigone Sr., size (L) , Trajal Harrell seeks to re- imagine the classic theater of Ancient Greece by looking at the relationship between this ancient theater and the voguing dance tradition. After some research, Harrell concludes that the aesthetic strategies of these two were not so far apart and a voguing ball might be much closer to what the theater of antiquity was like than most of what we see today. Today, when we see a man act like a woman, we readily classify him as drag, transvestite and other notions related to sexual identity. But sexual identities in ancient Greece did not fit into these modern categories. Perhaps this mix of genres had their own codes and references. Can we imagine that there was a «truth of the Greek Theatre» in which, like in that of voguing, gender , class or social status, were revealed as a construction of codes of fashion and movement? After many layers of traditional interpretations, it is easy to forget the fact that the theater of antiquity was inherently political and that its primary aim was to educate and problematize the important responsibility of Athens’ citizens of (all of them men).

And even more, how does transvestism function in theater as a form of activism to discuss about female citizens? Did these artists – actors, directors and playwrights – use this particular acting to change the political beliefs of his time? In Antigone, a young royal woman confronts the leader of the land, the king, not only in actions and the law, but also with debate and intellect. Although her female condition turns her actions even more antagonistic, Harrell explores her femininity as a symbol of politicization for rethinking the notion of gender equality in the Ancient Greece, and perhaps to see this ancient acting context seen as a «gender conflict», not very different from the dominant discourses of our epoch.

Therefore, the central question became how to bring the piece Antigone to the voguing tradition. Greek tragedy was not tragic in terms of the classical academy. The text was only one element within a context of Dionysian freedom and excesses of all kinds. So, what new meanings are produced by this operation? What new relationships between theater viewers and contemporary dance audiences can be established? And furthermore, what would mean Antigone voguing in the context of the Judson Church, back in 1963? Would this have meant an aesthetic anachronism that, in the future, had detached the Harlem dancer from his new fellow dancers from Judson? Those are the questions behind this creation. It is impossible to know exactly how that theater was; there is no footage available. Yet, by re- imagining the possibilities, perhaps we re- imagine the notions we have today regarding gender, class, sexuality and citizenship.

Trajal Harrell is a New York choreographer who works in Europe, Asia, North and South America. He is known for his series of works Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church, which re-imagine an encounter between the first post-modern dance and the voguing tradition. In 2012 he released the final piece of the series, being the first dance piece commissioned by MoMA PS1. His most recent work examines the butoh dance from the theoretical practice of voguing. In February 2013, he premiered this piece called Used, Abused, and Hung Out ​​to Dry at the Museum of Modern Art (MoMA ) in New York.

When drag and modern dance collide

Trajal Harrell is a thinking choreographer. Ten years ago, he asked a question: What would have happened if, in the early sixties, drag queens from Harlem had brought their voguing downtown, to Washington Square, to perform with the pathbreakingpostmoderns of the Judson Dance Theatre? Not long before, he had presented a minimalist solo at the Judson Church based on posing and voguing, and then discovered that the Harlem drag balls and the Judson collective started at around the same time, fifty years ago. He wondered why Judson was an accepted part of dance history and voguing wasn’t. For the past several years, he has been mining this lode, in canny ways. The title of the work he presented at New York Live Arts recently, “Antigone Sr./Twenty Looks or Paris Is Burning at the Judson Church (L),” hints at the lengths he’s gone to in examining the imagined meeting of these worlds. But it in no way prepared me for what I saw. I’m not sure anything could have.

 Andrew Boynton – The New Yorker (USA)

Trajal Harrell: The next Martha Graham has arrived!

Choreographer and artist Trajal Harrell shows us in October with three New York area performances and a Bessie Award nomination why many believe his work has been transforming the art of dance in the same way Martha Graham did in the 20th century. The Yale graduate and 2012 Guggenheim Fellowship recipient pushes the boundaries of dance by incorporating elements from other art forms in ways most would never consider. He courageously confronts and challenges his viewers, exploring the «impossible» to reveal what is possible. And, he does all of this with wit, drama, emotion and love. When you get right down to it, his cerebral, seductive art — which years ago began to feature fashion runway movement and now includes acquainting his audience with the facets of Harlem voguing balls — is about imagination and hope.

Julie Chae – The Huffington Post (USA)

CREDITS

CoreographerTrajal Harrell
Dancers  Trajal Harrell, Stephen Thompson, Thibault Lac, Rob Fordeyn, OndrejVidlar
Stage Design Erik Flatmo
Lightning Design Jan Maertens
Sound Design Robin Meier y Trajal Harrell
Playwright  GérardMayen
Coproduction New York Live Arts | CNDC Angers | CCN Belfort
Residency Support WpZimmer- Antwerp | Workspace Brussels | Pact Zollverein-Essen | Dansens Hus-Stockholm
Sponsoring  The Jerome Foundation | The Multi-Arts Production Fund | The Joyce Mertz-Gilmore Foundation 

Taller: Voguing en la danza contemporánea 

En Fole el movimiento es de expulsar. La práctica es hiperventilar y el deseo es salir de sí. Escogí la hiperventilación como una estrategia para explorar el fenómeno de feedback en la danza que estoy interesada en producir, entiendo el feedback como un proceso en el cual “el efecto de una pequeña perturbación en un sistema incluye un aumento en la magnitud de la perturbación. La respiración acelerada produce concretamente alteraciones en mi estado psicofísico, y así mantengo un proceso de constante actualización de sensaciones. El resultado es una danza que tiende a la inestabilidad, desorientación y exageración, que consecuentemente me llevan a la exploración de la paradoja de mover o ser movido.

Michelle Moura

Michelle Moura es performer y coreógrafa. Sus últimas creaciones son: CAVALO (2010) y Big Bang Boom (2012), donde desenvuelve estrategias para responder temporalmente la pregunta “¿qué mueve un cuerpo?”. Como performer colaboró y trabajó con Dani Lima, Alex Cassal, Fabián Gandin y Vincent Dupont. Fue cofundadora e integrante del ya extinto Couve-Flor Mini comunidad Artística Mundial. Sus estudios en danza ocurrieron en: Casa Hoffmann, Curitiba; Essais – Centro Nacional de Danza Contemporánea d’Angers (dirección artística de Emmanuelle Huynh), Francia; y actualmente cursa la maestría de AMCh Amsterdam Master of Choreography, de AHK.

Fole es un trabajo en proceso de Michelle Moura, presentado en el marco de la residencia Programa Artistas en Residencia. Después de tantos hombres, su delicadeza y suavidad femeninas son un contrapunto bienvenido. Una chica pequeñita y sin pretensiones, de pronto se para en el escenario y, respiración tras respiración, nos mete en un submundo de ambigüedades sensoriales. La obra despliega en la sala una afectividad que inevitablemente involucra al espectador.

Lucía Naser – Diario La Diaria (Uruguay)

Creación y performance Michelle Moura
Sonido Rodrigo Lemos
Luz Fábia Regina
Dramaturgia Alex Cassal
Producción Cândida Monte y Wellington Guitti
Agradecimentos Leticia Skrycky, Elisabete Finger, EspaçoCênico/Nena Inoue, Obragem/Olga Neneve y Eduardo Giacomini, Centro Coreográfico de Río de Janeiro, Tamara Gomez, Lucía Valeta, Vera Garat, Aurora Riet, Renata Moura
Apoyo Programa Artistas en Residencia PAR 2013 / Taller Casarrodante en conjunto con FIDCU – Festival de Danza Contemporánea del Uruguay
Esta obra es subsidiada por Programa Rumos Danza Itaú Cultural 2012-2014 

«In Fole, the movement is that of expelling. Practice is hyperventilating and desire is coming out of oneself. I chose hyperventilation as a strategy to explore the feedback phenomenon which I am interested in producing through dance. I understand feedback as a process in which «the effect of a small disruption in a system implies an increase in the magnitude of the disturbance». Specifically, rapid breathing causes alterations in my psychophysical state, and thus I maintain an ongoing process of updating my sensations. The result is a dance that tends to instability, confusion and exaggeration, which consequently leads me to explore the paradox of «to move» or «to be moved. ‘»

Michelle Moura.

Michelle Moura is performer and choreographer. Her latest creations are CAVALO (2010) and Big Bang Boom (2012), which develops strategies to temporarily answer the question «what moves a body?”. As a performer, she collaborated and worked with Dani Lima, Alex Cassal, Fabian Gandin and Vincent Dupont. She was co-founder and member of the now defunct Couve-Flor Mini World Artistic community. She studied dance at Casa Hoffmann, Curitiba, Essais – National Center of Contemporary Dance d’ Angers (artistic director Emmanuelle Huynh), France. She is currently doing the Amsterdam Master of Choreography (AMCh) at the Amsterdam School of the Arts (AHK).

«Fole is Michelle Moura’s work in process, presented as part of her residency in the Artists in Residency Program. After so many men, her feminine gentleness and delicacy stand for a refreshing counterpoint. A tiny and unassuming girl suddenly stands on the stage and, breath by breath, she gets us into an underworld of sensory ambiguities. On stage, the play unfolds an affectivity that inevitably engages the viewer. »

Lucía Naser – Diario La Diaria (Uruguay) 

Creation and performance Michelle Moura
Sound Rodrigo Lemos
Lightning Fábia Regina
Playwright Alex Cassal
Producer Cândida Monte y Wellington Guitti
Acknowledgements Leticia Skrycky, Elisabete Finger, EspaçoCênico/Nena Inoue, Obragem/Olga Neneve y Eduardo Giacomini, Centro Coreográfico de Río de Janeiro, Tamara Gomez, Lucía Valeta, Vera Garat, Aurora Riet, Renata Moura
Support Programa Artistas en Residencia PAR 2013 / Taller Casarrodante together with FIDCU – Festival de Danza Contemporánea del Uruguay
This play was funded by Programa Rumos Danza Itaú Cultural 2012-2014

El mundo podría terminar en un minuto.

O se ha terminado.

Esto abre la posibilidad de un nuevo génesis.

Dicho paradigma sostiene la tensión constantes obre la que Futuro desarrolla su drama, en un escenario donde la naturaleza de un bosque talado se monta dentro de un espacio de líneas abstractas, haciendo de la puesta en escena una instalación plástica en sí misma.

Haciendo pie en ejes diversos de la danza, el texto, el teatro, el cine y las artes plásticas, las obras de Mayra Bonard se resisten a ser definidas. Su interés se dirige hacia lo irracional y emocional.

Los personajes están fuertemente intervenidos por el deseo, un deseo que los colma, pero no pueden satisfacerlo porque cuando uno deja de ser animal o niño, todo se interpone con el deseo.

¿Qué es lo que les interesa a los hombres?

¿Qué es lo que más les interesa a las mujeres?

¿Te imaginas en un año?

¿Y en veinticinco años?

¿Cuánto tiempo pensás que te queda por vivir?

Cierto humor, ironía y la definitiva ruptura de códigos formales, construyen un relato hipnótico, quebrando la línea entre el espectador y la escena. La música es original y en vivo, interviene y da impulso a los intérpretes procesando sonidos y voces en tiempo real.

Mayra Bonard es bailarina, coreógrafa y directora. Estudió danza, teatro, artes marciales, música y fotografía. Desde pequeña vivió en un ambiente artístico, su padre era violinista y creció yendo a teatros, ballets, conciertos y museos. Sus últimos trabajos como directora son El Juego del Elástico, Grandes Amigos, Cariño (FIBA 2011 – Santiago a Mil 2012) y Futuro (2012). Su interés siempre estuvo en la concepción de la obra original en lugar de la realización de obras de formato ya existente.

Fundó e integró El Descueve (1990-2007), grupo de gran prestigio en la escena independiente de Buenos Aires cuyas obras tuvieron un impacto dinámico en la danza contemporánea y el teatro local. Todos contentos, Hermosura y Patito Feo son algunas de las obras de El Descueve, mostradas en festivales internacionales en Europa, Estados Unidos y América Latina.

Participó  en la creación e interpretación  de Villa Villa, del grupo De La Guarda, espectáculo de gran repercusión internacional con el cual realizó dos temporadas en el Off Broadway de Nueva York y en el Rondhouse de Londres.

Actualmente Mayra Bonard está trabajando en las ideas de una nueva obra y una instalación performática para una galería de arte.

… El espacio está resuelto con líneas tan depuradas que parece convertirse en una mágica intervención plástica en donde estos seres entran en tensión…la palabra y la danza establecen un sólido vínculo. Los que ponen el cuerpo (y la voz) son Juan Ignacio Bianco, Damián Malvacio y Rocío Mercado. Los tres tienen una fuerza expresiva sumamente potente… Mayra Bonard es una de esas creadoras que siempre invita al espectador a sumergirse en los mundos que ella propone. En este caso, en una especie de laberinto o de jardines que, inexorablemente, se bifurcan.

Alejandro Cruz – Diario La Nación (Argentina)

Futuro es una obra potente y visceral, visualmente poética y de impecable tratamiento sonoro, con música ejecutada en vivo por Sebastián Carreras.

Ángela Carolina Castro – Tiempo Argentino

La directora lleva el lenguaje y el cuerpo al límite, con movimientos que se corren de aquello que se entiende por normalidad. Bonard demuestra una vez más que sabe elegir a los intérpretes de sus obras.

Daniela Yaccar – Diario Página 12 (Argentina)

La ecología se da como motivo para hablar de dos mundos: el planeta y la relación amorosa. Vaciando de uno a otro plano el contenido de la obra, la copiosa simbología presente en la pieza se transforma, como si alejara y se acercara el zoom…  

AleCosin – Montaje Decadente (Argentina)

Concebida y dirigida por Mayra Bonard
Performers Damián Malvacio, Rocío Mercado, Nahuel Cano
Música Sebastián Carreras
Espacio Luciano Stechina, Mayra Bonard
Luz Matías Sendón
Montaje y operación luz Héctor Zanollo
Dramaturgista  Juan Pablo Gómez
Coreografía y textos Mayra Bonard, Juan Pablo Gómez, Damián Malvacio, Rocío Mercado, Juan Ignacio Bianco
Colaboración artística Diego Frenkel
PH fotos estudio Robert Bonomo, Alejo Pichot
PH fotos en vivo Sebastián Arpesella
DG Juliana Pecollo, Agustín Sciannamea (Cuna Estudio)
Producción Marlene Nordlinger, Victoria Entel
Asistente Luna Sarsale
Esta obra se realizó con un subsidio de Prodanza, el Fondo Metropolitano de las Artes y las Ciencias, y el Fondo Nacional de las Artes 

Taller: Pequeño laboratorio de experiencias escénicas

The world could end in a minute.

Or it is over now.

This leaves open the possibility of a new genesis.

This paradigm keeps the tension constant; and on this tension is where Futuro develops its drama, on a stage where the nature of a felled forest is mounted within a space of abstract lines, thus making staging a piece of installation art itself.

By grounding themselves on various lines of dance, text, theater, film and visual arts, Mayra Bonard’s works resist being defined. Her interest is in the irrational and emotional.

The characters are strongly overtaken by desire, a desire that fills them, but which they cannot quench because when you stop being an animal or a child, everything comes between you and desire.

What are men interested in?

What does interest women the most?

Do you see yourself in one year time?

How about twenty-five years’ time?

How long do you think you are going to live?

A pinch of humor, irony and the total breaking of formal codes build a hypnotic story which breaks the line between the viewer and the scene. The music is original and fresh; it intrudes and gives the performers impetus so as to process sounds and voices in real time.

Mayra Bonard is a dancer, choreographer and director. She studied dance, theater, martial arts, music and photography. She has lived in an environment pervaded with art since her childhood; his father was a violinist, so she grew up going to theaters, ballets, concerts and museums. Her latest works as a director are El Juego del Elástico, (The elastic band Game), Grandes Amigos, (Good Friends),Cariño(FIBA 2011 – Santiago a Mil 2012) and Futuro (2012). She has always been more interested in the conception of the original work rather than performing plays of existing format.

Mayra Bonard is a founder member of El Descueve (1990-2007), a highly regarded group in the independent scene of Buenos Aires, whose works had a dynamic impact on contemporary dance and local theater. Todos contentos, Hermosura and Patito Feo are some of the works of El Descueve, which have been staged at international festivals in Europe, the U.S. and Latin America.

She also participated in the creation and performance of Villa Villa, by group De La Guarda, a show with great international impact with which she had ​​two seasons at the Off Broadway in New York and in London Rondhouse. Mayra Bonardis currently working on ideas for a new work and an installation performancefor an art gallery.

“… The space is determined by lines so refined that it seems to turn into a magical plastic intervention where these beings come into tension … Dance floor and utterance so establish a strong bond. Those who put the body (and voice) are Juan Ignacio Bianco, Damian Malvacio and Rocio Mercado. All three have a very powerful expressive force … Mayra Bonard is a creator who always invites the viewer to immerse themselves in the worlds she proposes. In this case, she takes us to a garden maze that inexorably forks».

Alejandro Cruz – La Nación (Argentina)

«Futuro is powerful and visceral.  Visually poetic and with impeccable sound treatment; its music is performed live by Sebastian Carreras.”

Angela Castro Carolina –Tiempo Argentino

«The director takes language and body to the limit, with movements that detach from what is understood by normal. Bonard proves, once again, that she chooses well the performers of her works. »

Daniela Yaccar –Diario Página 12 (Argentina)

«Ecology is presented as a reason to speak of two worlds: the planet and the love relationship. Emptying up the content of the work from one scene to another, the heavy symbolism present in the piece is transformed, as if zooming in and out…”

AleCosin –Montaje Decadente (Argentina) 

Created and Directed by Mayra Bonard
Performers Damián Malvacio, Rocío Mercado, Federico Fontan
Music Sebastián Carreras
Set Design Luciano Stechina, Mayra Bonard
Lightning Matías Sendón
Playwright Juan Pablo Gómez
Choreography and lines Mayra Bonard, Juan Pablo Gómez, Damián Malvacio, Rocío Mercado, Juan Ignacio Bianco
Art collaboration Diego Frenkel
PH Studio Photography Robert Bonomo, Alejo Pichot
PH Stage Photography Sebastián Arpesella
DG Juliana Pecollo, Agustín Sciannamea (Cuna Estudio)
Production Marlene Nordlinger, Victoria Entel
Assistant Luna Sarsale
Funding Prodanza, Fondo Metropolitano de las Artes y las Ciencias, Fondo Nacional de las Artes

Taller: Pequeño laboratorio de experiencias escénicas 

En los últimos quince años, Marcela Levi viene desarrollando proyectos que disuelven las fronteras entre la danza y las artes plásticas, construyendo un lenguaje que perturba la jerarquía entre cuerpo y objeto: el cuerpo se torna objeto y los objetos se tornan cuerpo. En In-organic, Levi trabaja con 25 metros de collar de perlas, una cabeza de toro embalsamada, hebillas para el pelo y un señalizador de bicicletas.

Este espectáculo recibió el premio KLAUSS VIANNA DE DANÇA con el patrocinio de Petrobras. Fue incluido por la organización inglesa Artsadmin en su ranking The top 40 illustrated guide to 2008, apareció citado en el anuario 2008 de la revista alemana Ballettanz y fue listado como uno de los diez mejores trabajos de danza de 2007 por el Jornal do Brasil.

Marcela Levi es coreógrafa y performer. Fue artista residente en elcentro Les Recollets (Francia), Programa Artistas en Residencia – Casa Encendida (España), Espacio Azala (España), Laboratorio de Criatividade Urbana – Capital Europea de la Cultura 2012 (Portugal). Artista invitada en el Rio Art Occupation, London Cultural Olympiad (Reino Unido). Sus trabajos han sido presentados en festivales y centros de arte en Brasil, Europa y América Latina. En 2010 fundó, con la coreógrafa argentina Lucía Russo, ImprovávelProduções, responsable por la pieza de grupo Naturaleza Monstruosa y por la intervención urbana Sand Walk With Me. Ha colaborado con Lia Rodrigues, Vera Mantero, Guillermo Gómez-Peña y Laura Erber, entre otros.

En 2010, entre Río de Janeiro y Buenos Aires, Lucía Russo y Marcela Levi fundaron la asociación ImprovávelProduções, responsable, entre otros, por la pieza de grupo Naturaleza Monstruosa y por la intervención urbana Sand Walk With Me, desarrollada entre Londres y Río de Janeiro (2012-2013). Para 2014, están previstos ensayos para dos nuevas creaciones: una pieza para público infantil y otra pieza de grupo dirigida al público adulto. Asociado al núcleo de creación, ImprovávelProduções desarrolla el programa de formación de público Futuros Espectadores.

Marcela Levi despide los solos de danza de Laboral con In-organic

La brasileña Marcela Levi pondrá fin esta noche al cicloSolos de danzapara un espacio en blanco que Laboral Escena ha desarrollado durante los últimos meses en el Centro de Arte y Creación Industrial de Laboral. Su espectáculo In-organic pondrá el punto y final a esta iniciativa que arrancara el 13 de marzo y que, con carácter mensual, ha incluido actuaciones de solistas de danza con el nexo común de reflexionar sobre el cuerpo al margen del habitual escenario de la performance.

Así, esta tarde Marcela Levi presentará un particular estudio que completa, a su vez, la trilogía que la brasileña ideara tiempo atrás con Imagen y Masa de sentidos. Para ello utiliza objetos desfuncionalizados y subjetivados, entre los que destacan artículos tan variados y peculiares como un collar de perlas de 25 metros, una cabeza de buey embalsamada, ganchos para el pelo y hasta una señal luminosa para bicicletas.

Fue ya en 2002 cuando Levi comenzó a desarrollar sus propios proyectos, encuadrados a medio camino entre la danza contemporánea y las artes visuales. Desde entonces, sus trabajos han pasado por festivales de todo el mundo, desde su Brasil natal hasta Francia, Bélgica, Austria, Reino Unido o Portugal.

L. Nosti – La Nueva España

Concepción, dirección y performance Marcela Levi
Creación Marcela Levi y Ana Carolina Rodrigues
Colaboración dramatúrgica y asistencia de dirección Flavia Meireles y Lucía Russo
Concepción de espacio, objetos de escena y vestuario Marcela Levi
Diseño de luz José Geraldo Furtado
Fotografía Claudia García y Manuel Vasón
Música Bruno Rezende
Consultoría de objetos Joelson Gusson
Apoyo Consulado General de Francia | Rio de Janeiro, Espaço SESC | Rio de Janeiro y Centre International d`accueil et d`échanges des Récollets / París
Producción viabilizada por Programa Rumos Itaú Cultural Dança 2006/2007 

For the last fifteen years, Marcela Levi has been developing projects that dissolve the boundaries between dance and visual arts, thus building a language that disrupts the hierarchy between body and object: body turns into object and objects become body. In In-Organic, Levi works with a 25-meter pearl necklace, the embalmed head of a bull, hair barrettes and a bicycle flag.

This show received the KLAUSS VIANNA DE DANÇA award, which was sponsored by Petrobras.  Also, it was listed by the British organization Artsadmin in their ranking «The top 40 illustrated guide to 2008». Additionally, it was mentioned in the 2008 yearbook of the German magazine Ballettanz and was listed as one of the ten best dance works of 2007 by the newspaper Jornal do Brasil.

Marcela Levi is a choreographer and performer. She was an artist in residence at Les Recollets Center (France), took part in the Artists in Residence Program – Casa Encendida (Spain), Espacio Azala (Spain), Laboratorio de Criatividade Urbana – European Capital of Culture 2012 (Portugal). She was also a guest artist in Rio Art Occupation, London Cultural Olympiad (United Kingdom). Her works have been presented at festivals and art centers in Brazil, Europe and Latin America. In 2010 she founded, together with Argentinian choreographer Lucia Russo, ImprovávelProduções, responsible for the group piece Naturaleza Monstruosa (Monstrous Nature) and the urban intervention Sand Walk with Me. Moreover, she has collaborated with Lia Rodrigues, Vera Mantero, Guillermo Gómez- Peña and Laura Erber, among others.

In 2010, between Rio de Janeiro and Buenos Aires, Lucia Russo and Marcela Levi founded the association ImprovávelProduções; a company responsible for, among others, the group piece Naturaleza Monstruosa (Monstrous Nature) and the urban intervention Sand Walk with Me, developed between London and Rio de Janeiro (2012-2013). In 2014, they have planned the rehearsals for two new creations: a piece for young audiences and another piece group aimed at mature audiences. Being concerned with the core of creation, ImprovávelProduções develops the public education program «Future viewers.”

Marcela Levi says farewell to Laboral’s dance solos with In-Organic

Tonight Brazilian Marcela Levi will end the cycle «Solos de danza para a un espacio en blanco» which Escena Laboral (Labor Scene) has recently been staging at the Centro de Arte y Creacion Industrial de Laboral (Center for Art and Industrial Creation of Labor). Her performance, called In-Organic, will put an end to this initiative that started on March 13 and which, on a monthly basis, has included solo dance performances with the commonality of reflecting on the body outside of the usual performance stage.

This evening Marcela Levi will present a particular work that concludes, in turn, the trilogy the Brazilian devised long ago with Imagen and Masa de Sentidos. In order to carry out this performance, she utilizes defunctionalized and subjectified objects, among them items as varied and unique as a pearl necklace of 25 meters, am embalmed bull head, hairpins and even a light signal for bikes.

It was in 2002 when Levi began to develop their own projects, framed halfway between contemporary dance and visual arts. Since then, her work has been shown at festivals around the world, from her native Brazil to France, Belgium, Austria, the UK and Portugal.

L. Nosti – La Nueva España (The New Spain) 

Concept, Direction and Performance Marcela Levi
Creation Marcela Levi y Ana Carolina Rodrigues
Dramatic collaboration and Assistant Director Flavia Meireles y Lucía Russo
Concept of Space, Set Design and Wardrobe Marcela Levi
Lightning Design José Geraldo Furtado
Photography Claudia García y Manuel Vasón
Music Bruno Rezende
Object Consultant   Joelson Gusson
Sponsors Consulado General de Francia | Rio de Janeiro, Espaço SESC | Rio de Janeiro y Centre International d`accueil et d`échanges des Récollets / París
Production  Programa Rumos Itaú Cultural Dança 2006/2007